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"Nada más que música" es una sección del magacín cultural transmedia "Siéntelo con Oído" que producimos en Zaragoza y publicamos todos los jueves en nuestro blog: Https://www.sienteloconoido.es. Tiene un solo objetivo, entretener. Para ello vamos a contar con el mejor aliado posible, la música, nada más y nada menos.

Por aquí pasarán grupos, cantantes, estilos, instrumentos, en fin, todo aquello que hace posible disfrutar del ruido más hermoso: la música.

NADA MÁS QUE MÚSIC‪A‬ MANUEL ALCAINE

    • Música

"Nada más que música" es una sección del magacín cultural transmedia "Siéntelo con Oído" que producimos en Zaragoza y publicamos todos los jueves en nuestro blog: Https://www.sienteloconoido.es. Tiene un solo objetivo, entretener. Para ello vamos a contar con el mejor aliado posible, la música, nada más y nada menos.

Por aquí pasarán grupos, cantantes, estilos, instrumentos, en fin, todo aquello que hace posible disfrutar del ruido más hermoso: la música.

    Nada más que música - John Pizzarelli – ‘Let there be love’

    Nada más que música - John Pizzarelli – ‘Let there be love’

    Hoy vamos a tener un programa relajado, con una música elegante y ensoñadora, una extraordinaria selección de estándares de jazz interpretados por el guitarrista y cantante estadounidense Jhon Pizzarelli.
    Pizzarelli, nacido el 6 de abril de 1960 en Nueva Jersey, posee una voz cálida y suave y junto a su presencia siempre elegante, se ha convertido en uno de los principales exponentes del jazz tradicional.
    Siguiendo los pasos de su padre, el también guitarrista Bucky Pizzarelli, empezó a cantar a los 20 años y siempre ha destacado entre sus influencias a la hora de tocar la guitarra las de músicos como Les Paul y Django Reinhardt.
    En esta ocasión vamos a disfrutar repasando su disco Let there be love, que, como hemos dicho, selecciona una preciosa colección de estándares de jazz.
    Empezamos por el primer corte, la canción que da título al disco: “Let there be love”, “Que haya amor”.
    Esta canción se publicó por primera vez en 1940, escrita por Lionel Rand y con letra de Ian Grant. La canción siempre ha sido muy popular y ha tenido infinidad de versiones. Escucharemos ahora la de Jhon Pizzarelli.

    En 1993 el John Pizzarelli Trio hizo de telonero en una de las últimas giras de Frank Sinatra, y participó en la celebración del 80 cumpleaños de este en el Carnegie Hall. En 1997 participó también en la producción de Broadway Dream, un homenaje al compositor Johnny Mercer.
    En 1998 grabó un disco, Meets The Beatles, donde reinterpreta canciones clásicas del grupo de Liverpool, tamizadas por su voz y por el jazz.
    Al año siguiente, en 1998, rindió homenaje a una de sus más grandes influencias en la canción, Nat King Cole, con P.S. Mr. Cole.
    Pizzarelli firmó en 1999 con el sello Telarc y grabó dos discos de estándares, Kisses in the Rain y Let There Be Love, en 2000, disco del que nos estamos ocupando.
    Escuchamos ahora “I’m putting all my eggs in one basket”, “Estoy poniendo todos los huevos en una cesta”, una canción escrita por Irving Berlin para la película de 1936 “Follow the fleet”, interpretada por Fred Astaire y Ginger Rogers.

    Desde entonces, ha grabado numerosos trabajos; un disco con el pianista George Shearing, otro para celebrar sus diez años de música con su trío, grabado en directo: Live at Birdland en 2003. Apartándose por un momento del swing, Pizzarelli grabó Bossa Nova en 2004, cantando composiciones de Antonio Carlos Jobim como "The Girl from Ipanema" y "Aguas de Marco". Ya en 2005 presentó nuevos estándares en Knowing You y, respaldado por la Clayton-Hamilton Jazz Orchestra, le ha rendido homenaje a Sinatra en 2006 con Dear Mr. Sinatra.
    Seguimos con nuestro disco de hoy. Vamos a escuchar una cadenciosa versión de These foolish things, “Estas cosas tontas”, otro estándar con música de Jack Strachey y letra Eric Maschwitz, ambos ingleses y que se publicó en 1935.

    En este disco colaboran músicos de gran talento y muy reconocidos en el mundo del jazz. Al saxo tenor Harry Allen, un estadounidense que fue niño precoz y que destacó desde niño por poseer un talento excepcional para la música. Antes de trabajar con Jhon Pizzarelli ya lo hizo con su padre, Bucky Pizzarelli.
    Dominic Cortese, acordeonista, un músico versátil y quizá el más grabado de toda la historia de la música debido a sus innumerables participaciones, como músico de estudio, en sesiones de grabación de otros artistas, incluido, a modo de ejemplo, el trepidante “Viva las Vegas”, del Elvis.
    Ray Kennedy, pianista, compositor y arreglista, fue miembro del trío de John Pizzarelli durante más de una década aunque también grabó más de 10 álbumes bajo su propio nombre.
    Seguiremos con los músicos de la sesión pero, ahora, volvemos a la música: “Stompin’at the Savoy”, otro estándar de jazz de 1933, compuesto por Edgar Sampson y su título hace referencia al f

    • 29 min
    Nada más que música - Los Rodríguez - 'Hasta luego'

    Nada más que música - Los Rodríguez - 'Hasta luego'

    Así lo cuentan Kike Babas y Kike Turrón, en la biografía que han escrito de Los Rodríguez y que se ha publicado recientemente: “La historia de Los Rodríguez lo tiene todo: fue breve (de 1990 a 1996), potente y trufada de mucho sexo, drogas y rock and roll”
    En 1990, Julián Infante y Germán Vilella tenían juntos una banda. Infante decide llamar a Ariel Rot, con el que había coincidido en Tequila, para incorporarlo a la banda. Rot, a su vez, se comunica con Andrés Calamaro, con quien ya había tocado en Argentina, para llevarlo al grupo.
    Los cuatro comienzan sus ensayos y van dando pequeños conciertos por Madrid. La banda fue liderada por Julián Infante en los comienzos y posteriormente por Ariel Rot, manteniendo ambos un marcado estilo roquero. Aunque se mantuvo siempre una unión muy clara de todos sus integrantes, la posición de Calamaro fue creciendo año a año, lo que terminaría acabando con la banda seis años después.
    Cuando todo esto estaba pasando, o sea, cuando ya se estaban separando, editaron un disco recopilatorio que recoge la que sería su última gira, en 1996. El álbum es un recorrido por los temas imprescindibles del grupo, con canciones en directo y algunos inéditos en forma de maqueta.
    Vamos con el primero: Mi enfermedad.

    Al principio la banda se iba a llamar Los Locos, pero se enteraron de que ya existía un grupo asturiano con ese nombre. El nombre definitivo se debe a que a Calamaro le resultó ingenioso el significado que tiene en España la expresión estar de Rodríguez, pues él mismo estaba de Rodríguez, ya que había dejado a su novia en Argentina.
    Una de las peculiaridades de la banda fue la de no tener un bajista fijo. El primer músico en ocupar este puesto, entre 1990 y 1991, fue Guille Martín, guitarrista por entonces de Desperados, al que Julián Infante conocía de la breve etapa en la que tocó con esa banda madrileña.
    Tras componer algunas canciones sacan en 1991 su primer disco: Buena suerte, que gozó de una gran aceptación en Argentina y en gran parte de Latinoamérica pero que en España, sin embargo, no llegó a ser muy conocido, ya que la discográfica que lo editó (Pasión) quebró al poco tiempo y la venta de sus discos se detuvo.
    De este disco es la canción anterior y esta otra que escuchamos ahora: Engánchate conmigo.

    El verano de ese mismo año, Televisión Española escoge precisamente esta canción “Engánchate conmigo” para utilizarla como banda sonora promocional. Este suceso dio al grupo un pequeño impulso hacia la fama antes del empujón definitivo. Por aquel entonces Guille Martín decidió quedarse como guitarrista en Desperados, de modo que fue sustituido como bajista de Los Rodríguez por Candy Caramelo Avelló, con quien el grupo salió de gira.
    Canal 69, todo un catálogo de intenciones. La canción fue grabada en Caracas, durante un concierto en un directo.

    De esta gira se editó en 1992 Disco pirata, un disco de temas en directo grabados en Madrid, Barcelona y Caracas
    En 1993 la banda vuelve al estudio, esta vez con Daniel Zamora en el puesto de bajista, puesto que ya ocuparía hasta la disolución del grupo y lanzan un nuevo disco de estudio, Sin documentos, cuyo tema homónimo —compuesto por Calamaro— alcanza gran popularidad en España e Hispanoamérica, además de ser utilizado en la banda sonora de la película Caballos salvajes de Marcelo Piñeyro, banda sonora que corrió a cuenta del compositor argentino. Este LP fue el que asentó a la banda, definitivamente, como uno de los grandes conjuntos de rock en castellano

    En la biografía del grupo que hemos comentado al principio, la escrita por Kike Babas y Kike Turrón se cuenta una, digamos “anécdota” poco edificante para el Sr. Calamaro, si bien es cierto que el hombre se ha disculpado en repetidas ocasiones.
    Antes de entrar a grabar su tercer y último disco,

    • 32 min
    Nada más que música - Preservation Hall Jazz Band - 'Because of you'

    Nada más que música - Preservation Hall Jazz Band - 'Because of you'

    Hoy volveremos a escuchar música de jazz, y para ello, nada mejor que marcharnos a la cuna, al lugar donde todo nació, a Nueva Orleans.
    Si paseamos por sus calles escuchando con atención, vamos a descubrir que el corazón de esta ciudad está instalado en la música. Se dice que el Jazz nació aquí, pero la ciudad es hogar de una variedad de estilos: Gospel, Cajun, Latino, R&B, Country, Blues y, alternativamente, Reggae y buen Rock n’ Roll. Guiados por su creativa atmósfera, numerosos cantantes y compositores han hecho de la ciudad, su hogar, incluyendo músicos notables como Louis Armstrong o Ellis y Wynton Marsalis.
    Aquí, la música está viva cada día, ya sea en los clubs nocturnos, en las salas de conciertos o en la calle, y para conocer los entresijos de la ciudad contamos con unos guías turísticos de excepción: Preservation Hall Jazz Band

    Preservation Hall Jazz Band es una banda de jazz de Nueva Orleans fundada en esta ciudad por el tuba Allan Jaffe a principios de la década de 1960. El nombre de la banda viene del local, ubicado en el centro del famoso barrio francés, donde empezaron a tocar, El Preservation Hall, una antigua galería de arte reconvertida en club de jazz por el matrimonio Allan y Sanda Jaffe.
    Contrataron a músicos locales, con edades que iban desde los 60 a los 90 años, y casi todos ellos en un estado lamentable debido al racismo y la pobreza.
    Al principio, los Jaffes no servían alcohol pero el local fue creciendo, la banda fue ganando adeptos y empezaron las giras, primero por otros estados para más tarde dar el salto a Europa. La banda se consolidó, y su jazz tradicional conquistó a la audiencia.

    En 1987, Allan Jaffe murió de cáncer a la edad de cincuenta y un años y fue su hijo Ben el que se convirtió en director artístico.
    Por la orquesta han pasado más de 150 músicos, africanos, americanos y europeos. En esta grabación, su disco “Because of you”, el grupo está compuesto por:
    • Wendell Brunious, Trompeta
    • David Grillier, clarinete
    • Frank Demond, trombón
    • Narvin Kimball, banjo
    • Benjamin Jaffe, bajo
    • Joseph Lastie, percusión
    • Rickie Monie, piano.
    Les escuchamos ahora en otro corte de esta conseguida grabación, Coquette.

    Habréis podido observar la evidente influencia que en la música de Nueva Orleans han tenido las de afroamericana, francesa y norteamericana.
    Y es que, en su personalidad, Nueva Orleans ha adaptado la música más diversa.
    A las ya citadas, debemos añadir la de las bandas militares que ha dejado su impronta en los funerales. Cuando el cortejo acompaña al difunto dicha música se mezcla a himnos religiosos y música triste. Tras el entierro, los dolientes regresan del cementerio al son del jazz, más alegre. Los funerales con jazz son una atracción turística inevitable.

    Petite Fleur, la preciosa canción de Sidney Bechet nos da pie para una curiosidad: el origen de la palabra Dixieland. Vereis: Francia poseía la región comprendida el rio Mississippi y las Montañas Rocosas. En 1803 Napoleón, que estaba con su guerras y sus cosas y necesitaba pasta, vendió las tierras a Estados Unidos por una cantidad irrisoria.
    El idioma francés que se hablaba en la región, hizo que en esa época los billetes de diez dólares emitidos en Louisiana, llevaran impresa la palabra Dix, diez en francés, en lugar de Ten en inglés. Poco tiempo después, se comenzó a llamar de forma coloquial a esa región Dix Land o "la tierra del Dix", palabra que por un proceso de transformación, pasó a ser Dixie Land, y posteriormente Dixieland.

    Pues nada más camaradas, al compás de este precioso tema de Ray Gilbert nos despedimos por hoy hasta la próxima semana en esta vuestra emisora Radio La Granja, donde encontrareis, completamente gratis, más música, más músicos y más historias. Hasta entonces… ¡¡¡Buenas Vibraciones!!!

    • 31 min
    Nada más que música - Nat King Cole - 'The extraordinary'

    Nada más que música - Nat King Cole - 'The extraordinary'

    Hoy dedicaremos nuestros espacio a recordar a un famoso pianista de jazz estadounidense, considerado por muchos como uno de los más influyentes músicos de la era del swing, tanto en su faceta de pianista como en la de líder de grupos, sin olvidar que fue uno de los mejores cantantes de toda la historia del jazz, no en vano vendió más de 75 millones de discos en todo el mundo.
    Y efectivamente, lo han adivinado, hablamos Nathaniel Adams Coles, nacido en Montgomery, estado de Alabama, el 17 de marzo de 1919. Señoras y Señores, con todos ustedes… Nat King Cole.

    Su padre, Edward Coles, era carnicero y diácono en la Iglesia Bautista. Cuando su familia se trasladó a Chicago Nat era todavía un niño. Allí, su padre se convirtió en ministro de la iglesia y su madre, Perlina Adams, era la encargada de tocar el órgano de la iglesia. Ella fue la única maestra de piano que tuvo Nat en toda su vida. Pero le enseó bien, aprendió tanto jazz como música góspel y música clásica.
    La familia vivía en el barrio de Bronzeville, famoso a finales de los años 20 por su vida nocturna y sus clubes de jazz. Nat visitó con frecuencia estos locales, y es donde escuchó por primera vez a Louis Armstrong. El flechazo con el jazz fue a primera vista.
    Anything for you. “Lo que sea por ti”

    Influido por estos músicos y enamorado de esta música, Nat inició su carrera artística a mediados de la década de los 30 cuando aún era un adolescente. Adoptó el nombre de Nat Cole, abandonando la "s" de su apellido familiar. Su hermano mayor, Eddie, bajista, se unió a la banda de Nat cuando éste realizó su primera grabación en 1936. Tuvieron un cierto éxito como banda local en Chicago y se convirtieron en habituales en los escenarios de los clubes. De hecho, el sobrenombre de "King" (rey) se lo dieron a Nat en uno de estos locales. Cole participó también como pianista en numerosas giras de otros artistas, y en esto estaba cuando, girando, llegaron a Long Beach (California), y Nat decidió establecerse allí.
    Unforgettable. “Inolvidable”.

    Nat, que ya había tenido experiencias con grupos, se trasladó a Los Ángeles donde formó el "Nat King Cole Trio". El trío estaba compuesto por Nat al piano, Oscar Moore a la guitarra y Wesley Prince al bajo.El trío actuó en Los Ángeles desde finales de los 30 y participó también en numerosos programas de radio, cosa muy habitual en la época.
    A Cole se le consideraba un pianista de jazz brillante. Apareció, por ejemplo, en los primeros conciertos de "Jazz at the Philharmonic". Un grupo compuesto únicamente por piano, guitarra y bajo en aquella época plagada de grandes bandas, significó una auténtica revolución e impuso un estilo que más tarde imitaría otros grandes del jazz y del blues como James Brown y Ray Charles.
    Cole actuó también como pianista acompañante de artistas de la categoría de Lionel Hampton.
    Sin embargo, Cole no consiguió llegar al gran público hasta 1940, fechas en las que grabaron las canciones que escuchamos hoy.
    Como ésta: Walkin’my baby fack home.

    Aunque había cantado diversas baladas con el trío, se avergonzaba de su voz y jamás se consideró un buen cantante, cantaba, pero como un complemento más de su espectáculo. Evidentemente, su éxitos posteriores desmintieron todos sus miedos.
    A principios de los años 40, el King Cole Trío firmó un contrato con la discográfica Capitol Records, compañía con la que continuó durante el resto de su carrera. En la década de los 50, la popularidad de Cole era tanta que el edificio de la Capitol Records era conocido como "la casa que construyó Nat".
    Nat King Cole y I’m gonna sit right down.

    En 1958, Nat "King" Cole dio un golpe de efecto que le permitió extender su ya amplia popularidad a los países de habla hispana. Y lo hizo grabando un disco en español con canciones de varios pa

    • 30 min
    Nada más que música – Phil Collins – ‘Face Value’

    Nada más que música – Phil Collins – ‘Face Value’

    Face Value es probablemente el mejor disco en solitario de Collins, marcado siempre por el éxito y la magnitud de “In the air tonight” que acabamos de oír, uno de los mejores temas pop de todos los tiempos. Pero tras el tema inicia se esconden un conjunto de canciones de la más diversa índole: pop rock, progresivo, comercial, que a juicio de muchos, y de mi mismo, rozan la perfección del género. Un ejemplo: Behind the lines.

    Esta canción Behind the Lines (en castellano “Detrás De Las Líneas”) es en realidad una canción de Génesis, publicada en su álbum Duke de 1980. Es la primera parte de una suite musical de 30 minutos que ya había grabado el grupo.
    Phil Collins grabó una versión diferente para este álbum, modificando la versión con coros y la sección de vientos de Earth, Wind & Fire, el famoso grupo de Chicago, convirtiendo la canción en un número más movido y que llevó en su repertorio en la mayoría de sus conciertos durante la década del 80.
    Como hemos dicho antes, el álbum cuenta con canciones de diferentes géneros. Aunque técnicamente es una oferta de rock y pop, la base de muchas de las canciones se encuentra en R&B con ligeras influencias de funk, especialmente en “I’m Not Moving”, para la que Collins utilizó un vocoder para los coros. Como sabéis, un vocoder no es otra cosa que un sintetizador de voz.
    La siguiente canción, “The roof is leaking”, El techo está goteando.

    Este disco es muy curioso porque, después de estar diez años tocando rock progresivo con Génesis y tocar jazz fusión, su mayor influencia escondida fue el llamado género “Motown”, iniciado en los 60s en EE. UU. con artistas como los Jackson 5, Diana Ross & The Supremes, etc. Por eso fue que, para los arreglos, incluyó la sección de vientos de la banda de funk Earth, Wind & Fire.
    La curiosidad que os decía viene también a cuento porque, en aquella época, que un músico inglés fuera por estos derroteros era algo que no encajaba pero que, al final, se habría de volver parte del estilo de la carrera solista de Phil Collins y que le dio muchos frutos. De esa combinación de influencias salieron canciones como I Missed Again, un tema de ritmo movido pero con un trasfondo de negatividad que rodea al disco. “I missed again”, Estoy perdido otra vez.

    PHIL COLLINS

    Un hecho sorprendente es que, según cuentan, durante la grabación del álbum, Collins aprendió a tocar lo que sería su segundo instrumento preferido, el piano.
    Algo que casi nunca ha hecho en su carrera ha sido cantar y tocar batería a la vez, pero fue diferente en el caso del piano. Phil Collins grabó la voz, la batería y además el piano en cada una de las canciones del álbum.
    Por otra parte, y para los que piensan que Collins es un poquito “ñoño”, el propio artista nunca ha escondido el hecho de que le gusta componer e interpretar canciones románticas y que, éstas, atraen más a un público adulto que un público joven.
    If Leaving Me is Easy, algo así como “Si dejarme es fácil” es la balada más triste del álbum. La forma en que canta la canción deja en evidencia el dolor que sentía en el momento. En la letra canta acerca de la remota esperanza de que su expareja vuelva con él y la incredulidad de que lo suyo haya acabado.

    Este disco se publicó el 9 de febrero de 1981, e inmediatamente se convirtió en un éxito. Número uno en el Reino Unido, Canadá y otros países europeos. Las ventas del álbum llegaron a cinco millones ejemplares solo en los Estados Unidos y fue cinco veces disco de platino en el Reino Unido y diez veces platino en Canadá. No hubo gira en solitario de este álbum porque Collins no tocaría en vivo como solista hasta 1982.
    Vamos a despedirnos de Phil Collins con el corte que cierra el álbum: Tomorrow never knows, una canción que The Beatles, escrita por John Lennon y que public

    • 29 min
    Nada más que música - El Blues I

    Nada más que música - El Blues I

    Hoy vamos a escuchar blues, que viene a significar, más o menos, melancolía, tristeza, bueno, que no es la alegría de la huerta. El blues, tiene, musicalmente hablando, un patrón repetitivo que suele seguir una estructura de 12 compases y utiliza acordes específicos de este género.
    El blues ha ido evolucionando desde la música vocal, sin acompañamiento, interpretada por trabajadores negros y pobres, a una gran variedad de subgéneros y estilos y su popularidad ha saltado las fronteras que le eran propias en el sur de los Estados Unidos para extenderse por todo el mundo.
    Hoy, y en días sucesivos, vamos a recordar a un grupo de músicos de blues que dejaron su huella en la historia de la música.

    Y nos encontramos en primer lugar con uno de los más conocidos, John Lee Hocker, cantante y guitarrista de blues, que nació, como no, en el estado de Misisipi, uno de los 50 estados de los EEUU, que está considerado como el más pobre de la unión, con altas tasas de desempleo y la menor renta per cápita del país. Paradójicamente, es la más religioso, el más conservador y el que tiene leyes más restrictivas con el juego y el alcohol.
    Bueno, pues aquí nació John Lee Hocker. Vamos a escucharle en su conocido Boom Boom.

    Chester Arthur Burnett, o lo que es lo mismo y para entendernos, Howlin Wolf (lobo aullador), fue un músico afroamericano, cantante de blues, guitarrista y armonicista que nació, como no, en Misisipi.
    Con una voz y una presencia física características, Burnett se colocó entre los principales artistas del blues eléctrico; el músico y crítico musical Cub Koda declaró, “nadie puede igualar a Howlin Wolf en su singular capacidad para el rock.”

    El tipo medía 1,98 m de estatura y pesaba cerca de 136 kg, cosa que hizo de él un músico “imponente”. Su voz ha sido comparada con “el sonido de las máquinas pesadas que operan en un camino de grava”. Junto con su contemporáneo y rival profesional Muddy Waters, formaron los dos pilares del Memphis blues.
    Lo oímos ahora interpretando Litle red rooster.

    Y aquí tenemos al contrincante del lobo aullador, Muddy Waters, otro vecino de Mississippi; un músico de blues estadounidense, generalmente considerado como el padre del Chicago blues. Su figura y su sonido fueron, del mismo modo, una de las máximas inspiraciones para la escena del blues británico, que comenzó a despuntar en el Reino Unido hacia principios de la década de 1960.
    Sus giras por Inglaterra a principios de esta década marcaron, posiblemente, el primer antecedente de una banda amplificada haciendo algo cercano al hard rock.
    Entre sus admiradores prominentes en la escena rhythm & blues inglesa de los años 60 sobresalen los Rolling Stones, quienes se bautizaron con ese nombre por la canción de Waters de 1948 “Rollin’ Stone”.
    Eric Clapton es un gran admirador de Waters, de hecho, Cream grabaría una versión de “Rolling and Tumbling” en su álbum debut Fresh Cream, de 1966.
    El gran éxito de Led Zeppelin “Whole Lotta Love” está basado en la canción de Muddy Waters “You Need Love”.
    Y, en fin, Jimi Hendrix, que versionaría la mencionada “Rollin’ Stone”, citó a Waters como “el primer guitarrista que le llamó la atención y le impresionó de joven”.
    Angus Young, de AC/DC, Led Zeppelin, bueno, un largo etcétera. Muddy Waters: Hoochie Coochie Men.
    Por cierto, su última aparición en vivo fue durante un concierto de Eric Clapton en Florida, en el otoño de 1982.

    4-Bo Diddley

    Si en el rock and roll Elvis Presley es el rey y Chuck Berry su poeta, Bo Diddley, nuestro siguiente invitado, fue su arquitecto. Su estilo personal ha influido y sigue influyendo de tal modo que según pasa el tiempo su figura se agranda en el panorama de la música rock. Por otro lado, su fama no fue premiada en el aspecto económico como cabría haber esperado. La crudez

    • 35 min

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