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La edición XIX del Ciclo de conciertos Camaríssima 2017, denominado SONORIDADES, tiene el propósito de atraer a los jóvenes para que conozcan y disfruten las atmósferas íntimas que caracterizan a la música de cámara. Sonoridades propone un recorrido musical que va de los instrumentos de percusiones a los de cuerdas, de la musicalidad de los alientos al redescubrimiento de la voz y sus posibilidades infinitas. La diversidad de los autores que se interpretan y la calidad de los grupos ejecutantes constituye el eje temático de este ciclo. Evento grabado durante el mes de mayo de 2017 en el Auditorio Blas Galindo del Centro Nacional de las Artes (CENART), Ciudad de México (CDMX)

Ciclo de conciertos Camaríssima, Edición XIX (2017) Centro Nacional de las Artes

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La edición XIX del Ciclo de conciertos Camaríssima 2017, denominado SONORIDADES, tiene el propósito de atraer a los jóvenes para que conozcan y disfruten las atmósferas íntimas que caracterizan a la música de cámara. Sonoridades propone un recorrido musical que va de los instrumentos de percusiones a los de cuerdas, de la musicalidad de los alientos al redescubrimiento de la voz y sus posibilidades infinitas. La diversidad de los autores que se interpretan y la calidad de los grupos ejecutantes constituye el eje temático de este ciclo. Evento grabado durante el mes de mayo de 2017 en el Auditorio Blas Galindo del Centro Nacional de las Artes (CENART), Ciudad de México (CDMX)

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    Introducción

    Introducción

    Cortinilla de entrada a la Colección Ciclo de conciertos Camaríssima, Edición XIX (2017)

    • 30 sec
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    Ensamble Tamayo. Sonoridades y sueños

    Ensamble Tamayo. Sonoridades y sueños

    Fundada en la Ciudad de México en 2011, el Ensamble Tamayo centra su actividad en la difusión de la música de cámara al más alto nivel, teniendo como objetivo la creación de un repertorio propio conformado por obras de compositores mexicanos e internacionales.
    Entre sus logros destacan: el estreno de 13 obras mexicanas, la grabación de discos con música de Felipe Pérez Santiago (Naxos Records) y Eduardo Angulo, colaboraciones con la soprano Irasema Terrazas, el barítono Guillermo Ruiz y el tenor Gilberto Amaroel, así como los estreno de 12 obras escritas y dedicadas a este ensamble.
    La agrupación se ha presentado en festivales nacionales e internacionales además de dar conciertos con el auspicio de instituciones y recintos culturales como el Instituto Nacional de Bellas Artes, el Centro Cultural Roberto Cantoral, la Universidad Nacional Autónoma de México y la Sociedad de Autores y Compositores de México, entre otros.
    El Ensamble Tamayo está integrado por:
    Mykyta Klochkov, violín.
    Rodrigo Garibay, clarinete.
    Gregory Daniels, cello.
    Carlos Salmerón, piano.
    En esta ocasión se presenta con los ejecutantes invitados:
    Irasema Terrazas, Soprano.
    Gilberto Amaro, Tenor.

    Notas al programa:
    Zarabandeo (1995)
    Arturo Márquez (Álamos, Sonora, 1950)
    Clarinete y piano
    El compositor encuentra inspiración en la música tradicional mexicana como el danzón, género en el que basa sus obras más importantes como el Danzón n. 2 para orquesta.
    Estrenada en octubre de 1995, Zarabandeo fue ejecutada por el pianista Joseph Olechowski y el clarinetista Luis Humberto Ramos, como parte del Segundo Encuentro Universitario de Clarinete. El nombre proviene de la danza zarabanda, prohibida por su carácter erótico en la España de Felipe II, «el Prudente» (1585).
    La partitura de Zarabandeo está dedicada a Luis Humberto Ramos, quien ha impulsado la investigación, creación y difusión de la música mexicana para clarinete y ha apoyado varias generaciones de clarinetistas durante su actividad docente.
    (A partir de la nota de Rodrigo Garibay)
    Méditation de Thaïs (1894)
    Jules Massenet (Montaud, France, 1842 - París, 1912)
    Violín y piano
    Jules Massenet es una figura dominante en el teatro lírico francés del final del siglo XIX. Muy joven ingresa al Conservatorio de París y compone su primera ópera a los 17 años de edad.
    Thaïs, ópera en tres actos compuesta por Massenet con texto de Louis Gallet, basada en la novela homónima (1890) de Anatole France. Relata hechos en la vida de Santa Thaïs de Egipto, una conversa a la cristiandad que vivió en el siglo IV. En la ópera, el monje cenobita Athanaël convierte a Thaïs, una cortesana de Alejandría, a pesar de las insinuaciones femeninas. Antes de subir el telón para la segunda escena del segundo acto, la orquesta toca la celebrada Méditation, melodía simbólica de la regeneración espiritual del personaje.
    (A partir de la nota de Gregory Daniels)
    Élégie (1875)
    Jules Massenet
    Poesía: Louis Gallet
    Soprano, chelo y piano
    Escrita en 1866, Élégie es una de las obras más populares en la Europa del fin de siglo. El compositor atrajo la atención del público en 1873 con la música incidental de Les Erinnyes (Las furias), obra de teatro de Leconte de Lisle, en la que incorpora esta misma pieza. La melodía se adaptó en una obra sola con el título Mélodie-Élégie, arreglada numerosas veces para varios instrumentos y ensambles instrumentales. Finalmente se le adaptó al poema O doux printemps d’autrefois’ de Louis Gallet (1835-1898).
    (A partir de la nota de Gregory Daniels)
    Soupir
    Gustavo Campa (Ciudad de México, 1863 – 1937)
    Soprano, chelo y piano.
    El 8 de septiembre de 1863, nace en la Ciudad de México el compositor Gustavo E. Campa, quien a la larga integró el llamado “Grupo de los seis”, conformado por Ricardo Cast

    • 1 hr 6 min
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    Confluencias Ensamble. Opus Latinoamérica

    Confluencias Ensamble. Opus Latinoamérica

    Programa dedicado a la música de cámara, conformado por obras y arreglos originales representativos de compositores de la música latinoamericana de concierto del siglo XX. En el repertorio figuran cuatro naciones con prestigio musical: Argentina, Brasil, Cuba y México.

    Los arreglos realizados por Confluencias Ensamble, son fruto de tres años de trabajo. Cabe destacar que son estrenos mundiales y que con toda certeza constituyen una gran aporte a la literatura camerística, ejecutados con combinación única de septeto: flauta transversa, guitarra, cuarteto de cuerdas y contrabajo.

    Confluencias Ensamble está integrado por:

    Evangelina Reyes López, flauta.

    José Francisco Gómez Pérez, guitarra.

    Sebastián Kwapisz, violín I.

    Mario Escoto Campos, violín II.

    Miguel Alonso Alcántara, viola.

    Salomón Guerrero, violonchelo.

    Jesús Bustamante, contrabajo.

    Notas al programa:

    Bachianas brasileiras No. 6, (1938)
    Heitor Villa-Lobos (Río de Janeiro, Brasil, 1887-1959)
    Original para flauta y fagot, arreglo para flauta y violonchelo

    Evocar el estilo de la música de Johann Sebastian Bach a través del folclor de Brasil no parece la aventura legítima de un compositor serio. Sin embargo, eso es precisamente lo que Heitor Villa-Lobos se propone al escribir las nueve obras de instrumentación diversa que llamó Bachianas brasileiras. Si bien la asociación entre Bach y Villa-Lobos es curiosa, no lo es en la opinión del compositor. El mismo Villa-Lobos declara que los dos grandes compositores del mundo son: "Bach y yo". Villalobos cree que el autor alemán del siglo XVIII, como él, está inspirado por una pulsión popular, convicción que lo alinea espiritualmente con el maestro barroco.
    En esta obra es notoria la influencia de la música brasileña (con raíces africanas e indígenas), la música europea y el jazz estadounidense.
    Las Bachianas brasileiras No. 6, fue compuesta en 1938 y comprende dos movimientos: Aria y Fantasía. Sobre esta pieza Villa-Lobos escribe: "Esta suite… es la única compuesta en forma de música de cámara. Elegí la combinación instrumental para sugerir la vieja serenata brasileña para dos instrumentos y he sustituido el figle (un antecesor de la tuba) por el fagot porque está más cerca del espíritu de Bach y quise dar la impresión de improvisación como en el canto de la serenata. Esta suite es más bachiana en forma, que brasileña".
    Esta obra demanda de los intérpretes un alto nivel técnico-interpretativo.
    Música de feria (1932)
    Silvestre Revueltas (Santiago Papasquiaro, Durango, 1899 - Cd. de México, 1940)
    Cuarteto de cuerdas
    Los inicios del cuarteto de cuerdas como conformación instrumental se ubican alrededor de la segunda mitad del siglo XVIII, cuando aparecen obras así tituladas por Boccherini, Haydn y Mozart, para ser interpretadas ante pequeñas audiencias. Luego de 250 años, la composición para cuarteto de cuerdas sigue siendo una constante. En este sentido, el siglo XX es el periodo con mayor producción a nivel mundial. En su seno aparecen la gura y el genio del autor mexicano Silvestre Revueltas.
    Revueltas es capaz de una extraordinaria síntesis entre los lenguajes internacionales de su momento y un enfoque profundamente personal. Su obra ocupa un lugar importante en el marco del nacionalismo musical mexicano por la madurez y el acabado de su producción, y constituye una pauta en la historia de la música, en especial sus cuartetos de cuerdas.
    La investigadora Yolanda Moreno Rivas sostiene que Revueltas "resolvió la contradicción implícita en el tradicionalismo o la inamovilidad tonal del tema mexicanista y logró la verdadera modernización del lenguaje sonoro".

    Tres danzas argentinas, Op. 2 (1937)
    Alberto Ginastera (Buenos Aires, Argentina, 1916 - Ginebra, Suiza 1983)
    Original para piano solo. Arreglo para flauta, guitarr

    • 1 hr 15 min
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    Trío de Percusión Barra Libre. Trazos de luz

    Trío de Percusión Barra Libre. Trazos de luz

    El ensamble inicia actividades en abril de 2013 y ha tenido una destacada presencia a nivel nacional.
    Han estrenado seis obras originales que han sido dedicadas a este trío, ampliando el repertorio para esta dotación instrumental.
    En 2016 les fue otorgado el beneficio denominado Teatros de la Ciudad, que les da la oportunidad de presentarse una vez al mes en diferentes recintos de la Ciudad de México.
    Sus objetivos son promover la música para percusión, abrir el campo a nuevas composiciones originales para trío de percusión y posicionar a la mujer en el ámbito musical del país.
    Trío de Percusión Barra Libre está integrado por:
    Maribel Pedraza (Michoacán, México)

    Kaoru Miyasaka (Tokio, Japón)

    Gabriela Orta (Ciudad de México)

    Monserrat Cruz, percusionista invitada.

    Notas al programa:

    Trazos de luz
    Analí Sánchez Neri (México, 1988)
    Basada en los comportamientos de coherencia e incoherencia de la luz. Esta obra se divide en tres secciones que siempre mantienen la gravedad en un instrumento central (el bombo). Parte de lo difuso, de la aparente esteticidad y posteriormente desata materiales aleatorios controlados con parámetros que se involucran en el desarrollo final para encontrar la simultaneidad.

    Recado
    A. Ferreira (Brasil, 1913 / Max Leth, Dinamarca, 1921 - 2014)

    Composición para marimba y vibráfono transcrita por Max Leth y dedicada al dúo danés Safri. Se trata de un bossanova de los años 70, con un toque contemporáneo de jazz, el cual el trío Barra Libre enriqueció añadiéndole percusiones.

    Desde las semillas
    Jean Ángelus Pichardo (México, 1984)
    Obra que forma parte de la serie Haikus sonoros, para música de cámara, inspirada en la literatura de José Juan Tablada. Surgió a partir de la prolongación de un haiku (estilo de poesía japonesa breve, que se enfoca en temas sencillos), para propagarlo en el tiempo como una imagen sonora.
    “Esta pieza toma como punto de partida el poema Kindergarten, que forma parte del libro de haikus Un día... (Poemas sintéticos), y que refiere a la libertad, al sometimiento y la subordinación que el mundo de los adultos trata de imponer sobre los niños. Al leerlo, de inmediato recordé el caso que hace unos años destapó la explotación de menores por parte de la empresa suiza Nestlé, que fue acusada de comprar cacao a fábricas en las que habría registrado explotación infantil y de haber omitido hacer controles en su cadena de suministros”.
    Como respuesta a un informe sobre la cadena de aprovisionamiento de cacao en el país africano, Nestlé se comprometió a aplicar un programa de prevención del trabajo infantil en zonas de producción de cacao. Sin embargo, desde entonces, no se han dado resultados.
    Actualmente, en el mundo trabajan cerca de 250 millones de niños y más de 150 millones lo hacen en condiciones peligrosas. Adicionalmente, cada año más de un millón de estos infantes son víctimas de tráfico humano.
    Esta pieza fue compuesta con el apoyo del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (Fonca), a través de su Programa Jóvenes Creadores 2015-2016, para el Trío de Percusión Barra Libre.

    Through the Looking Glass
    Julie Davila (Estados Unidos, 1965)
    Impressions on Wood (2006) es un libro de obras para marimba que escribió esta compositora, en el que al final aparece este dúo para vibráfono y marimba que reta la claridad y transparencia de los intérpretes. Con un estilo New Age, este trío lo adorna con percusión, logrando una pieza nostálgica y relajante. Cabe mencionar que la autora es una percusionista de gran trayectoria, integrante del Caixa Trio, un ensamble femenino.

    Pavana para una infanta difunta
    Maurice Ravel (Ciboure, Francia, 1875 - París, 1937)
    La pavana es una danza lenta de carácter melancólico. Originalmente fue escrita para piano en 1899. Once años después apa

    • 1 hr 2 min
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    Stéphane Tétreault y Marie-Ève Scarfone

    Stéphane Tétreault y Marie-Ève Scarfone

    El violonchelista Stéphan Tetreault, porta consigo una joya invaluable que ejecuta con maestría: el violonchelo Stradivarius "Condesa de Steinlein Ex-Paganini", fabricado en 1707 y que, de manera generosa la señora Jacqueline Desmarais le permite pulsarlo.

    La notable pianista Marie-Ève Scarfone, graduada de la Escuela de Música de Manhattan y de la Universidad de Montreal, se presentan como dupla en este memorable concierto.

    Stéphane Tétreault, violonchelo.

    Marie-Ève Scarfone, piano.

    Notas al programa:
    Sonata No. 1 en fa mayor, Op. 5, No. 1 para violonchelo
    Ludwig van Beethoven (Bonn, Alemania, 1770 - Viena, Austria 1827)
    Desde su juventud, Beethoven obtiene fama como pianista, sobre todo después de los once conciertos ofrecidos en 1795, en Viena. Es un excelente improvisador, con ideas musicales ingeniosas y atractivas para el público que está acostumbrado a Haydn (su maestro) y a Mozart.

    En 1796, Beethoven realiza una gira por Praga, Dresde, Leipzig y Berlín. En este viaje compone las sonatas 1 y 2 para violonchelo, opus 5, obra dedicada al rey de Prusia Friedrich Wilhelm II, quien es aficionado a la música e incluso estudia violonchelo con el primer chelista de la corte Jean Pierre Duport, hermano mayor de Jean Louis, que es quien estrena esta sonata.

    Hasta ese momento el violonchelo tiene un papel tradicional de bajo continuo.

    Beethoven explora las capacidades melódicas de este instrumento sin tener un modelo a seguir dentro de la obra de Haydn o Mozart, logrando elevar su importancia temática al nivel de la del piano. En su género, las sonatas 1 y 2, opus 5, son consideradas sin precedentes en su tiempo.

    7 Variaciones sobre el dúo A los hombres que sienten el amor, de La Flauta mágica, WoO 46
    Ludwig van Beethoven
    El segundo conjunto de variaciones para violonchelo y piano, Bei Männern, welche Liebe fühlen (A los hombres que sienten el amor), basado en un tema de La flauta mágica de Mozart, escrita en 1801.

    Desde su estreno en 1791, La flauta mágica continua en la memoria de la sociedad europea de finales del siglo XVIII y no es raro pensar que diez años después, con treinta y un años y ansioso de amor, Beethoven escogiera este dueto entre Pamina (quien recién descubre el amor que Camino siente por ella) y Papageno (quien lamenta no tener con quien compartir una tarde) que trata sobre el amor conyugal.
    La forma original del dúo en la que cada personaje entona el tema principal por separado y luego juntos, es imitada en estas variaciones, primero por el piano que, tomando el lugar de Pamina que canta:

    A los hombres que sienten el amor
    nunca les falta un buen corazón.

    Seguida del violonchelo, que representa a Papageno y entona:

    Compartir los dulces impulsos
    es el primer deber de las mujeres.

    Cada variación explora diferentes ángulos del mismo tema y nos lleva por diversas emociones, texturas y ritmos, desde los temperamentos de estilo clásico hasta las sonoridades profundas del Romanticismo, o la oscuridad repentina de la variación menor (la cuarta). En todas, Beethoven narra su necesidad sabida de encontrar un alma gemela.

    Sonata Arpeggione en la menor, D. 821 para violonchelo y piano
    Franz Peter Schubert (Viena, Austria 1797 - 1828)

    En 1823 el laudero vienés Johann Georg Stauffer inventa un instrumento peculiar, familiar del violonchelo y la guitarra: el arpeggione, también conocido como “guitarra-violonchelo” o “guitarra de amor”. Es un utensilio de seis cuerdas frotadas que se afinan como la guitarra. Su nombre surge del supuesto de que al tener las cuerdas afinadas de esa manera, al intérprete se le facilitaría la ejecución de arpegios. Sin embargo, la vida de este instrumento fue corta, y la única pieza importante que se le compuso fue esta sonata. El ejecutante fue Vincent Schuster, quien publicó un método para promocionar el i

    • 1 hr 20 min
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    Quinteto de Alientos Bellas Artes. Música checa y húngara

    Quinteto de Alientos Bellas Artes. Música checa y húngara

    Los ensambles de quintetos de alientos (o de viento) aparecen en los albores del siglo XVII como una variación de los grupos de Música de Cámara. Instrumentos como flauta, oboe, clarinete, corno y fagot son llamados a integrar una de las agrupaciones camerísticas más importantes, que en el siglo XX ha repuntado, gracias a la aceptación entre los compositores contemporáneos.

    El Quinteto de Alientos Bellas Artes se forma en 2006 con la finalidad enriquecer el repertorio de música de cámara del grupo de Concertistas de Bellas Artes.
    Cada miembro del quinteto es un destacado músico. La agrupación ha participado como solista en los escenarios y festivales culturales más importantes del país.

    El Quinteto de Alientos Bellas Artes está conformado por
    Carmen Thierry, oboe.
    Manuel Hernández, clarinete.

    Jon Gustely, corno.

    Gerardo Ledezma, fagot.

    Alethie Lozano, flauta.

    Notas al programa:

    Quinteto Op. 88/2 en sol mayor
    Antonin Rejcha (Praga, Rep. Checa, 1770 - París, Francia, 1836)
    Considerado el padre del quinteto de alientos, Antonin Rejcha, escribe 24 partituras para este formación, sin duda lo mejor de su producción como compositor. Destacan sus textos sobre materias teóricas. Alumno de Franz Joseph Haydn y amigo de juventud de Ludwig van Beethoven, su carrera como compositor la desarrolla en Bonn, Hamburgo, Viena y París, en donde fue profesor de Franz Liszt, Louis Héctor Berlioz y Charles Françoise Gounod.

    Kvintet Op. 95
    Josef Bohuslav Foerster (Praga, Rep. Checa, 1859 - Nový Vestec, Rep. Checa, 1951)
    Músico, actor, escritor y crítico sobresaliente, Josef Bohuslav Foerster escribe su único quinteto de alientos un siglo después de los de Rejcha.

    Seis bagatelas
    György Sándor Ligeti (Târnâveni, Rumania, 1923 - Viena, Austria, 2006)
    Autor de ascendencia húngara-judía, nace la Transilvania que entonces pertenecía a Hungría. Es uno de los más innovadores, influyentes e importantes compositores del siglo XX. Las seis bagatelas para quinteto de alientos son un arreglo de su Música ricercata para piano. Cinco de estas bagatelas se estrenaron en 1956, la sexta fue censurada por el régimen socialista húngaro al considerarla “muy peligrosa”.
    (Fuente de información: Programa de mano publicado por el Centro Nacional de las Artes)

    Concierto grabado en el marco del Ciclo de conciertos Camaríssima, Edición XIX, Sonoridades, el 27 de mayo de 2017 en el Auditorio Blas Galindo del Centro Nacional de las Artes (CENART), Ciudad de México (CDMX)

    • 55 min

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