Última Fila Plaza Podcast

No es ningún secreto, que aquí nos obsesionan las imágenes. Lo que aparece en ellas, pero sobre todo las decisiones que toma la persona que decide enfocar una u otra cosa. Por eso, cuando en Filmin nos saltó el título Historias de Teleprisión, un canal de televisión creado por presos en la cárcel de Carabanchel, no podíamos dejar de darle al play.

Presos que en ese momento mutaban de presos políticos a aquellos que delinquían por el paro o por la droga. Historias de teleprisión nos intenta explicar cómo fue la creación de una televisión hecha por y para los presos, y el día a día de la cárcel más masificada en la españa de 1986.

No esperéis un documental al uso, ni una producción “joya” como se suele decir ahora. Cuenta con testimonios del director del canal, combinados con una voz en off que sitúa un poco al espectador de las imágenes.

Teleprisión fue la primera actividad cultural de aquella cárcel. La biblioteca, las salas de estudio y los talleres llegaron mucho después. Las imágenes se grababan con una cámara que les proporcionó la institución y se pasan por las televisiones de cada pasillo.

Sangre en los labios

Sangre en los labios, el nuevo thriller de A24 protagonizado por Kristen Stewart y dirigido por Rose Glass (Saint Maud), se estrenará en cines el próximo 12 de abril de la mano de Filmin y Avalon, anteriormente anunciado para el 19 de abril. La película, cuyo título original es Love Lies Bleeding, retrata la electrizante historia de amor y crimen entre Lou (Kristen Stewart), una solitaria gerente de gimnasio, y Jackie (Katy O’Brian), una recién llegada a Las Vegas en busca de su sueño de ser culturista. Como una frenética reacción en cadena, su pasión las empuja hacia la violenta red criminal de la familia de Lou. El estelar reparto lo completan Ed Harris (El show de Truman), Dave Franco (Infiltrados en clase) y Jena Malone (Donnie Darko). Además, la película tuvo su premiere mundial en Sundance y su premiere internacional en el Festival de Berlín, donde recibió una cálida acogida por parte de los espectadores y de la crítica.La película se erige como un thriller de venganza que explora la fuerza embriagadora de los excesos, la ambición y el amor loco a través de la combinación de comedia negra, crimen queer, pulp explosivo y dramas familiares. “Pocos directores están haciendo películas tan cinematográficas, vivas y estilizadas”, comenta Stewart. “Rose hace películas que no emulan a ninguna otra, aunque puedas percibir sus inspiraciones en ellas. Lo que hace surge desde un lugar tan auténtico que el contexto, la arquitectura y la voz de la película son distintivamente suyas. Creo que quiere asustar al público y a ella misma no con propósitos provocadores, si no para que la gente de media vuelta y se mire a sí misma”. A lo que Dave Franco añade: “Es una historia que no puedes predecir hacia dónde va. El ambiente es extraño y escalofriante a la vez que muy humano y lleno de dramas familiares de lo más locos. (…) Todo es posible en esta película, y eso te mantiene alerta todo el rato”.En una entrevista reciente con la revista Variety, Kristen Stewart explicó que lo que más le interesó de la película fue lo radicalmente distinto que es su personaje Lou –masculina, luchadora, queer sin remordimientos– de todas las interpretaciones estereotípicamente femeninas que han definido su carrera: “Encuentro muy sexy que las cosas que me resultan atractivas se ensalcen. (…) Hay una escena de sexo en la que ni quiera se quitan la ropa, pero va a chocar a los espectadores”. Asimismo, tanto Stewart como Glass tenían claro que estas escenas eróticas debían contener mucha verdad: “Incluso el sexo hetero es siempre igual en las películas, (…) nadie se atreve a mostrarse a sí mismo”, comenta Stewart, y añade: “Glass supo cómo capturar la verdad, dirigió las escenas con m

Pájaros

Desde un parking de El Cabanyal, hasta el Delta del Danubio en Rumanía.Pau Durá nos propone un viaje pasando por la Costa Brava, Italia o Hungría para conocer a Colombo, un ex-músico que trabaja en un taller y vende marihuana que acepta el extraño encargo de conducir para Mario. Un supuesto amante de las aves que va siguiendo el viaje de una grulla muy especial.Y así comienza este viaje, con esta pareja tan imprevista que se enfrenta a todo tipo de contratiempos en idiomas conocidos y desconocidos, mientras que el espectador también es conducido por escenas de alegría, ternura y tensión.Esa ternura, y a la vez esa tensión sólo se consigue con dos interpretaciones fantásticas que encarnan dos tipos de hombres muy diferentes que buscan los mismo, el perdón por sus decisiones del pasado.Javier Guiterrez como un machote inseguro, que se ríe alto y conoce miles de maneras de pedir la cuenta. Un padre ausente, un rockero fracasado,  que no quiere ver en espejo lo que todos los demás ven, y para el que es demasiado tarde para arreglar algunas cagadas que le hicieron perder a su mujer.Y Luis Zahera, al que todos tenemos en mente en papeles tan aterradores como el de As Bestas, el Reino o Celda 211 de repente se mete en el traje de un personaje tartamudo, larguirucho que se va quedando dormido por las esquinas, y que arrastra una herida gigante que necesita cerrar. Merecidísima la Biznaga a mejor interpretación que se llevó en el festival de Málaga, y papel alentador para aquellas a las que nos gusta ver a actores actuando, no actores haciendo el mismo papel una y otra vez.Pájaros, Cómo evidencia en el título, y en el cartel que es bastante mono, los pájaros migran buscando su lugar en el mundo, y tengo la sensación que ese hogar es lo que buscan también estos personajes.

Su Friedrich

La Filmoteca Valenciana presenta un ciclo sobre la directora vanguardista estadounidense Su Friedrich (1954, New Haven). Conformado por ocho películas (un cortometraje, cinco mediometrajes y dos largometrajes), se trata de la primera retrospectiva que se hace en España sobre esta cineasta norteamericana.El ciclo es un proyecto del festival Punto de Vista de Navarra, que cuenta con la colaboración de la Filmoteca de Catalunya, Cineteca (Madrid), la Filmoteca de Galicia y La Filmoteca Valenciana. Todas las proyecciones son en sesión única.  Desde 1978 hasta la actualidad, Su Friedrich ha rodado más de veinte películas con una clara conciencia feminista y humanista, grandes dosis de honestidad, sensibilidad y un fino sentido del humor.Sus obras parten de sus experiencias personales, emociones, sueños, miedos y deseos para explorar formas de conocimiento a partir de una toda serie de procesos íntimos como el amor, la sexualidad o la enfermedad. También aborda las relaciones familiares con sus padres y cuestiones sociales como la gentrificación o el activismo lésbico.Sus películas están escritas, filmadas, montadas y sonorizadas por ella, salvo excepciones muy puntuales. Trabajando con una gran libertad formal, Friedrich presta especial atención a la yuxtaposición de textos, sonidos e imágenes de variada procedencia. Pese a su carácter experimental, su filmografía es accesible para un público muy amplio, incluso para los espectadores que no están acostumbrados al cine experimental, feminista o queer.
See omnystudio.com/listener for privacy information.

Última Fila no descansa en Semana Santa y atiende dos estrenos imprescindibles del cine europeo e iberoamericano. Por una parte, hablamos de The Beast (La Bestia), el último film de Bertrand Bonello que es toda una catedral metafílmica para hablar de las emociones como gran enemigo de la distópica inteligencia artificial.

También hablamos de Puan. María Alché y Benjamín Naishtat se sientan con nosotros en la última fila para hablar de una de las películas argentinas más importantes de 2023.

The Beast (La Bestia)

La película, que tuvo su estreno mundial en la Sección Oficial a competición en el Festival de Venecia, donde consiguió la mayor puntuación de la crítica, supone el gran regreso de Bertrand Bonello, realizador de 'Nocturama', 'Zombi Child', 'Coma' y 'Saint Laurent', entre otras.

Su estreno en nuestro país tuvo lugar en la 68º edición de la SEMINCI (Semana Internacional de Cine de Valladolid), donde la protagonista de la película, Léa Seydoux, recibió el premio a la Mejor Actriz.

En ‘The Beast (La Bestia)', adaptación libre de 'La bestia en la jungla' de Henry James, el cineasta francés nos traslada a un futuro distópico dominado por la inteligencia artificial y en el que las emociones humanas se consideran una debilidad. Combinando la ciencia ficción y el melodrama, Bonello explora los cambios que el avance tecnológico ha generado en nuestras vidas: cómo han mutado las relaciones humanas, en este caso, a partir de la irrupción de la inteligencia artificial.

En esta asombrosa historia que transcurre en tres tiempos y espacios, nos encontramos con Léa Seydoux ('Dune 2', 'Crímenes del futuro', 'Una bonita mañana', 'La crónica francesa', 'La vida de Adèle') y George MacKay ('1917', 'Ofelia', 'El secreto de Marrowbone', 'Captain Fantastic', 'Pride') como protagonistas principales.

En un futuro cercano en el que reina la inteligencia artificial (IA), las emociones humanas se han convertido en una amenaza. Para librarse de ellas, Gabrielle debe purificar su ADN regresando a sus vidas pasadas. Allí se reencuentra con Louis, su gran amor. Pero el miedo la invade y presiente que se avecina una catástrofe.

En palabras de su director, guionista y compositor: "En primer lugar, quería hacer el retrato de una mujer y abordar de frente el amor y el melodrama. Después, confrontarlo con el cine de género, ya que para mí el romance y el género parecen responder el uno al otro. Mi deseo era entrelazar lo íntimo y lo espectacular, el clasicismo y la modernidad, lo conocido y lo desconocido, lo visible y lo invisible. Hablar, quizás, del más desgarrador de los sentimientos, el miedo al amor. 'The Beast' también es el retrato de una mujer que casi se convierte en un documental sobre una actriz".

Además de director y guionista, Bertrand Bonello es también músico y compositor. Se trata de uno de los directores franceses más eclécticos y personales del panorama actual. Un autor que retrata la contemporaneidad como nadie, desde un estilo robusto pero incómodo. Su trabajo también ha sido asociado a la corriente New French Extremity. Desde la presentación de 'Le pornographe' en Cannes 2001, Bonello es uno de los nombres imprescindibles del cine francés contemporáneo.

Puan

La película argentina Puan se estrena en cines españoles este 27 de marzo de la mano de La Aventura. Nominada en los Premios Goya, el título fue doblemente premiado en el Festival de San Sebastián. Marcelo Subiotto fue galardonado con la Concha de Plata a la Mejor Interpretación Protagonista y los directores y guionistas de PUAN, María Alché y Benjamín Naishtat, recibieron el premio del jurado al Mejor Guion. 

Esta es una comedia filosófica, llena de interpretaciones y momentos memorables, que funciona también como un retrato político de gran intensidad, teniendo especialmente en cuenta el contexto argentino actual.

El elenco del film cuenta

En el programa de esta semana, atendemos un estreno y un libro sobre cine. Hablamos de la polémica última película de Jessica Hausner, que no obtuvo el respaldo de la crítica en su presentación en la pasada edición de Cannes. Por otra parte, hablamos con Áurea Ortiz sobre su ensayo El arte de inventar la realidad. Cuando la ficción dinamita las certezas, publicada por Barlin Libros.

Club Zero

La profesora Novak se une al equipo de docentes de un internado internacional para impartir clases sobre “alimentación consciente”. Uno de sus objetivos principales es enseñar que “comer menos es más saludable”, una práctica con la que se va ganando la confianza de sus alumnos hasta que saltan las alarmas entre el profesorado y los padres. Demasiado tarde: el Club Zero se ha hecho realidad y no será sencillo romperlo.

Según explica la directora: “Club Zero pone el objetivo en los padres que delegan la responsabilidad de la educación de sus hijos en profesores que pueden distorsionar esa relación de confianza que se les ha concedido. En nuestro caso, la profesora Novak manipula a los alumnos y les aleja de sus padres. Cuando estos perciben el peligro y deciden salvar a sus hijos, ya es demasiado tarde. Club Zero aborda este temor y plantea la pregunta: ¿Cómo pueden los padres velar por sus hijos cuando simplemente no tienen tiempo para ellos?”.

Y añade: “Este es un problema que afecta a la sociedad en su conjunto: los acontecimientos descritos en la película podrían sucederme tanto a mí como a cualquiera. Los padres no saben todo lo que sucede en la escuela y no tienen el tiempo ni los medios para averiguarlo. Vivimos en un sistema basado en la meritocracia que nos exige trabajar cada vez más. Y tengo la sensación de que el fracaso de los padres es sistémico. Club Zero tiene lugar en un internado para enfatizar el hecho de que los padres dependen de los educadores. En nuestra sociedad, la enseñanza suele estar mal remunerada y no suficientemente valorada, y debería ser justo lo contrario. ¿Deberían los padres confiar plenamente en los profesores o deberían asumir más responsabilidades? ¿Por qué pasa esto en una sociedad basada en el trabajo y el éxito? Me interesa cómo nuestra sociedad delega este tipo de responsabilidad. Como dice la directora Dorset: Los padres no tienen tiempo para estar con sus hijos, por eso es nuestra responsabilidad brindarles la atención y el cariño que necesitan»”.

 

El arte de inventar la realidad. Cuando la ficción dinamita las certezas

El arte de inventar la realidad. Cuando la ficción dinamita las certezas es un ensayo breve que analiza cómo la ficción, en muchas ocasiones, supera a la realidad, llegando a (con)fundirse una con otra. ¿Qué es lo real? ¿Qué es una ficción?

En el contexto actual, en un mundo puramente digital, las imágenes han cobrado un papel fundamental a la hora de sondear el mundo en el que vivimos, a través de ficciones creadas para el cine o las series de televisión y plataformas de streaming. 

El motivo de este libro se relaciona con la necesidad de revelar el poder de las imágenes y las ficciones a la hora de construir nuestro imaginario y capacidad de separar la realidad de la ficción. En este sentido, la autora, experta y crítica de cine, analiza a partir de diversos ejemplos de series y películas de nuestra historia, cómo algunas imágenes han terminado superponiéndose a la realidad, y cómo las ficciones se han adherido a nuestro imaginario creando una forma de entender el mundo y lo que nos rodea. En un contexto cada vez más digitalizado y plagado de imágenes, ¿cómo deberíamos relacionarnos con la ficción? La autora plantea la necesidad de reflexionar sobre las ficciones a través del cine, su influencia y cómo deberíamos entenderlas a la hora de discernir lo que es real de lo que no lo es. 
See omnystudio.com/listener for privacy information.

Esta semana, Última Fila atiende la cartelera y las filmotecas. Por una parte, atendemos los estrenos de How to have sex y Nuestro último baile. Por otra, entrevistamos a Inés Toharia por su documental Cine, registro vivo de nuestra memoria, que está recorriendo las filmotecas de España y que funciona como un encendido homenaje a los archivos audiovisuales y su cuidado.

How to have sex 

Tres adolescentes británicas se van de vacaciones para celebrar sus ritos de iniciación: beber, salir de fiesta y ligar, en lo que debería ser el mejor verano de sus vidas

Premio a la Mejor Película en la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes, donde sorprendió al público y prensa especializada y 3 premios British Independent Awards (Mejor Interpretación Protagonista para Mia McKenna-Bruce, Mejor Interpretación de Reparto para Samuel Bottomley y Mejor Casting).

How to have sex recibió el premio FIPRESCI en los European Film Awards, donde obtuvo 3 nominaciones. En España, participó en la Sección Oficial de la SEMINCI - premio Pilar Miró a la Mejor Nueva Dirección y el del Jurado Joven a Mejor Película - y en Festival Cine por Mujeres Madrid, donde ganó el premio a Mejor Película Internacional.

Ha pasado por los festivales de Hamburgo (premio Arthouse Cinema Award), Estocolmo (donde ganó a Mejor Director y Mejor Ópera Prima), Atenas (premio a Mejor Película), Zúrich, Busan, Jerusalem y Melbourne.

La idea para la película se le ocurrió a Walker tras rememorar con algunos amigos el verano previo a la universidad en el que viajaron a España para salir de fiesta (un ritual, que ella misma comenta, es muy común entre los británicos). El ambiente sexualmente desinhibido marcó mucho su recuerdo y el de sus amigos: “estas fiestas son mundos construidos en torno a la presión sexual” y menciona cómo la historia puede incomodar a una parte del público masculino: “Perturbará a muchos hombres, porque muchos han estado en esas situaciones", dice. "No estamos retratando la agresión de manera violenta o excesiva, sino como algo real.”

La directora, que ya participó con Good Thanks, You? en la Semana de la Crítica 2020, lanza una mirada ingeniosa, matizada y, en última instancia, devastadora, sobre los entresijos de la amistad femenina y la sexualidad adolescente. 

Cine, registro vivo de nuestra memoria

El documental Cine, registro vivo de nuestra memoria, aplaudido por la crítica y proyectado ya en festivales, salas y filmotecas de más de 30 países, está haciendo gira por las filmotecas españolas de la mano de la distribuidora Lost & Found. Desde su estreno en la Mostra Internacional de Cinema de São Paulo, la película de Inés Toharia ha tenido un potente recorrido internacional.

The Hollywood Reporter asegura que la película de Toharia “deleitará e iluminará a la cinefilia” y para The Guardian, “nos urge a ser más conscientes de cómo archivamos y preservamos las películas que vemos y filmamos” y “celebra el pequeño milagro que ocurre cada vez que rescatamos otro título del borde de la extinción”. Por su parte, el cineasta brasileño Walter Salles afirmó en una mesa redonda en la Cinémathèque Suisse que esta “sublime” película sirve para “conectar con los héroes anónimos de la preservación de cine, quienes nos han permitido entender a través del cine que el mundo es mucho más grande y complejo de lo que imaginamos”

Cine, registro vivo de nuestra memoria arroja luz sobre el inmenso valor de un trabajo habitualmente invisible: el de la preservación de películas y materiales cinematográficos, que se lleva a cabo en filmotecas, archivos, fundaciones y otras instituciones a nivel internacional. Porque con cada película que se pierde, se pierde parte de la memoria de la época en la que fue rodada. A través de cientos de entrevistas, imágenes de archivos de todo el mundo y un montaje que atrapa, la cinta de Toharia nos ofr

Esta semana, entrevistamos a Celia Rico, que ha presentado en Málaga Los pequeños amores, película que inmediatamente se estrena hoy en cines. Por otra parte, hablamos de Stop Making Sense, el mítico concierto de Talking Heads, que vuelve a los cines en su nueva remasterización en 4K.

Los Pequeños Amores

Los pequeños amores, el nuevo largometraje de Celia Rico (Viaje al cuarto de una madre) llega a los cines este viernes 8 de marzo de la mano de Bteam Pictures.La película protagonizada por María Vázquez (Matria) y Adriana Ozores (Thi Mai, Rumbo a Vietnam), junto a Aimar Vega (Modelo 77), compite en la Sección Oficial del Festival de Málaga.Los pequeños amores es una producción de Arcadia Motion Pictures, Viracocha Films AIE en coproducción con la francesa Noodles Production.Rodada en diferentes localizaciones de Catalunya, Los pequeños amores explora el contradictorio vínculo de admiración y reproche entre dos mujeres de generaciones muy distintas;  un vínculo que define y atraviesa la manera en la que viven sus experiencias más íntimas.

Teresa (María Vázquez) cambia sus planes de vacaciones para ayudar a su madre (Adriana Ozores), que ha sufrido un pequeño accidente. Madre e hija pasarán juntas un verano de lo más sofocante, en el que no conseguirán ponerse de acuerdo ni en las cosas más triviales. Sin embargo, la obligada convivencia removerá más de lo esperado y en las noches estivales Teresa vivirá momentos reveladores junto a su madre.Los pequeños amores ' es una película sobre dos mujeres que han elegido caminos aparentemente opuestos y que ahora se reencuentran en el mismo lugar, compartiendo sus experiencias sobre el amor y la soledad.En palabras de la directora y guionista, Celia Rico: “Los pequeños amores no es una película sobre la maternidad, tal vez lo sea sobre su reverso, la 'hijidad', si existiera esa palabra. Siempre me ha resultado curioso que no haya en nuestro vocabulario forma alguna de nombrar la condición de ser hijo, esa que, probablemente, sea la única que compartimos todos por imperativo y para siempre. Ser 'siempre hija' es el telón de fondo de esta historia, en la que he intentado navegar por la biografía emocional de una mujer en sus cuarenta y preguntarme sobre los modos posibles de sostener la vida y el amor a determinadas edades, cuando los padres se hacen mayores o ya no están, cuando los proyectos amorosos se desvanecen o no tienen como fin formar una familia".

Stop Making Sense

Regresa a los cines Stop Making Sense, una cita musical y cinematográfica que reúne a los Talking Heads, una de las mejores bandas de la historia, y al reputado director Jonathan Demme, ganador del Oscar a Mejor Director. Elástica reestrenará en cines el que es considerado el mejor 'concert film' de la historia que la prestigiosa A24 ha resucitado para reivindicar a la icónica banda de rock.

Con Stop Making Sense, el por aquel entonces joven cineasta Jonathan Demme pretendía seguir la estela de otros largometrajes musicales anteriores como The Last Waltz de Martin Scorsese o Rust Never Sleeps de Neil Young. Al director estadounidense siempre le encantó la música y había tenido la oportunidad de ver tocar a los Talking Heads a principios de 1983 en Hollywood, quedando fascinado por la magnética presencia del vocalista David Byrne y por la fuerza y potencia del directo de la banda.

Partiendo de su enfoque directo y honesto, el objetivo de Demme fue recoger en cámara para la posteridad el mejor 'concert film' de la historia, transmitiendo al espectador toda la energía de asistir a una actuación de los Talking Heads.Estrenada en cines en 1984, Demme filmó con 7 cámaras y durante cuatro noches los conciertos que los Talking Heads, la banda compuesta por David Byrne, Tina Weymouth, Chris Frantz y Jerry Harrison dieron en el Teatro Pantages de Hollywood Boulevard durante la Navidad de 1983.Uno de los momentos más memorables del conciert