Punto Muerto

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“Punto Muerto” es un programa musical emitido por Radio Belcha los Lunes a las 22:00. También pueden seguirnos en la cuenta de Twitter @PuntoMuertoRock 💀

  1. Bad Company - Unplugged at the Hall Of Fame

    2 DAGE SIDEN

    Bad Company - Unplugged at the Hall Of Fame

    Formada en 1973, Bad Company nació cuando Paul Rodgers buscaba comenzar de nuevo después de la desintegración de su legendaria banda Free. Su poderosa voz y composición fueron un ingrediente principal durante los impresionantes cinco años de Free; un período de tiempo que vio el lanzamiento de siete álbumes muy influyentes que presentaban el enfoque minimalista de blues-rock de Free. Entre el dinámico cuerpo de trabajo de Free se incluye el éxito de 1970, “All Right Now”, uno de los himnos de rock más reconocibles jamás grabados, con letra y melodía de Rodgers, que fue el principal compositor del grupo. Rodgers había conocido al guitarrista de Mott The Hoople, Mick Ralphs, y después de tocar juntos y escuchar nuevas canciones que Ralphs había escrito y canciones que Rodgers había escrito, Ralphs tomó la decisión de dejar Mott y formar una nueva banda con Rodgers. El dúo reclutó al ex bajista y vocalista de King Crimson, Boz Burrell, agregó al baterista Simon Kirke y Rodgers bautizó a la banda Bad Company. Luego, Peter Grant, el manager de Led Zeppelin, fue contratado por Rodgers y Bad Company se convirtió en la primera banda firmada por el sello Swan Song de justamente Zeppelin. - La banda disfrutó de un gran éxito durante la década de 1970, y sus tres primeros álbumes, Bad Company (1974), Straight Shooter (1975) y Run with the Pack (1976), alcanzaron el top cinco en las listas de álbumes tanto del Reino Unido como de los Estados Unidos. De hecho, han vendido 20 millones de álbumes sólo en Estados Unidos y 40 millones en todo el mundo. Muchos de sus cortes, como 'Bad Company', 'Can't Get Enough', 'Good Lovin' Gone Bad', 'Feel Like Makin' Love', 'Ready for Love', 'Shooting Star' y 'Rock 'n' Roll Fantasy' son elementos básicos para entender la evolución del rock clásico de los años 70. - Aunque Paul Rodgers dejó la banda a principios de la década de 1980, en 1998 se había reincorporado y la formación de Bad Company original volvió a juntarse para una gira de 32 fechas por Estados Unidos en 1999, que incluyó un set acústico en vivo que realizaron en el Rock N. Roll Hall Of Fame el 21 de julio, a pesar de que el grupo, lamentablemente, aún no ha sido incluido en la academia. Sin embargo, Bad Company ofreció un espectáculo maravilloso, interpretando ocho de sus temas clásicos en un entorno acústico, que muestra cuán fuerte y atemporal sigue siendo su música. - Complementado con una larga entrevista con el protagonista Paul Rodgers, durante la cual habla extensamente de su música, su vida y su fascinante historia, este bootleg completo ahora se editó en CD por primera vez, 25 años después de que se grabara el set, que fuetransmitido en vivo por radio. De esta forma, nos vamos yendo, nos vamos despidiendo de este episodio. Espero que lo hayan disfrutado tanto como yo. Elvis is still in the building, goodnight Montevideo City.

    54 min.
  2. Gavin Friday - Ecce Homo

    3 DAGE SIDEN

    Gavin Friday - Ecce Homo

    “Ecce homo. Cómo se llega a ser lo que se es” es uno de los últimos libros del filósofo alemán Friedrich Nietzsche y está considerado como uno de los más agudos y desesperados retratos autobiográficos de la literatura moderna. En el se ocupaba de la idea de que ser un hombre solo es ser en realidad más que Cristo, incluso preguntándose sobre el final “¿Cristo o Dioniso?", identificando al Cristianismo con la negación extrema de los valores vitales postulados por él en su concepción del Übermensch (superhombre) . Por otro lado, en la historia del arte, especialmente desde el siglo XVI pero hasta la actualidad, se refiere al latín Ecce Homo (“He aquí el hombre”) que se cree que son las palabras de Pilato en el juicio de Cristo, una versión de cuya escena fue pintada o atribuida a Bosch, Caravaggio y Tiziano. También, y probablemente más reconocido, es el nombre del tema musical de Mr Bean. Me gustaría pensar que esta mezcla cultural y popular divirtió a Gavin Friday. Además, el artista irlandés estuvo al tanto de una exposición fotográfica que Elizabeth Ohlson Wallin realizó en una gira por los países nórdicos a principios de la década de 2000, en la que se representaba a Cristo en entornos modernos en poses bíblicas, utilizando a personas LGBT como modelos, una exposición que provocó la esperada indignación de la gente habitual, pero por lo demás obtuvo elogios. El álbum, producido por Dave Ball de Soft Cell, es una mezcla espesa de todo lo anterior y una especie de pequeña obra maestra. Es una hermosa y elaborada oda a la culpa y el hedonismo de los sobrevivientes, al complejo de Dios y al complejo militar, reflexiones del pasado, algo de disculpas, pero sin arrepentimientos. Para esto, la canción “Lovesubzero”, que acabamos de escuchar, es un comienzo perfecto para el disco. Con un sonido inicial (de unos pocos segundos) que nos transporta a alguna escena del Padrino en Sicilia, y recuerda a Leonard Cohen una vez que Gavin comienza a contar su historia, antes de que un inesperado ritmo dance se apodere de la canción. Una bonita yuxtaposición de la agonía y el éxtasis. Como si lleváramos a la música electrónica de Underworld a una iglesia. El propio tema Ecce Homo es a continuación una discoteca negra y mortal; Dave Clarke se encuentra con los Pet Shop Boys en un club nocturno de Berlín, el futuro nos atropella una y otra vez, pero de todos modos ya no es nuestro. Una pista de baile cursi y hermosa, con un estribillo que parece hecho para cantar en un estadio. - Temáticamente, "Ecce Homo" explora ideas complejas de identidad, amor y existencialismo, con letras que son a la vez poéticas e introspectivas. La compleja relación de Friday con el catolicismo es evidente en todo momento, y aunque creció en la iglesia, como ocurre con muchos de sus contemporáneos, ya no es parte de ella. La canción principal, y otras como "Church of Love", nacen del conflicto de su educación en la iglesia católica y su homosexualidad en su vida posterior. Desafiante frente a la religión organizada, las guerras y los demagogos que produce, Friday castiga su influencia sobre la sociedad. The Church Of Love ralentiza un poco las cosas rítmicamente, siendo más funky en sus detalles, con un sonido pop de los 80 debajo de una letra sobre la intolerancia, ademas de la referencia a la batería de Edwin Starr que es encantadora. - La religión también está al frente y al centro del conmovedor tema “Stations Of The Cross” (Vía Crucis en español). Dedicado a la tristemente fallecida Sinéad O'Connor, la canción vuelve a tener un tempo más lento donde Gavin Friday trata el tema religioso de forma cruda. Él, como muchos irlandeses (y la propia Sinéad O'Connor), ha tenido una relación tumultuosa con la iglesia y la religión. En el comienzo recuerda a Joni Mitchell antes de convertirse en el ritmo en cámara lenta de una canción claramente influenciada por Scot

    54 min.
  3. Mike Oldfield - Tubular Bells Live 1973

    3. NOV.

    Mike Oldfield - Tubular Bells Live 1973

    Tubular Bells es el legendario álbum de estudio debut del músico británico Mike Oldfield, lanzado el 25 de mayo de 1973, siendo también el primer álbum del sello Virgin Records. Se compone de dos pistas en su mayoría instrumentales, con un Oldfield, que tenía apenas 19 años cuando se grabó y tocaba casi todos los instrumentos. Tubular Bells inicialmente se vendió poco, pero ganó atención mundial en diciembre de 1973 cuando su tema de apertura se utilizó para la banda sonora de la película de terror El Exorcista. Esto provocó un incremento de las ventas que aumentó el perfil de Oldfield y jugó un papel importante en el crecimiento del Grupo Virgin, fundado por Richard Branson y Nick Powell en febrero de 1970. Permaneció entre los diez primeros de la lista de álbumes del Reino Unido durante un año a partir de marzo de 1974, durante el cual alcanzó el número uno durante una semana. También llegó al número tres en el Billboard 200 de Estados Unidos y el número uno en Canadá y Australia. Ha vendido más de 2,7 millones de copias en el Reino Unido y se estima que 15 millones de copias en todo el mundo. En 1975, se lanzó una versión orquestal producida por David Bedford como The Orchestral Tubular Bells. Le siguieron los álbumes Tubular Bells II (1992), Tubular Bells III (1998), The Millennium Bell (1999) y una versión regrabada, Tubular Bells 2003, con motivo de su 30 aniversario y en 2009 se lanzó una edición remasterizada. En 2010, Tubular Bells fue una de las diez portadas de álbumes clásicos de artistas británicos homenajeadas en una serie de sellos postales del Reino Unido emitidos por el Royal Mail. Su contribución a la música británica fue reconocida también cuando Oldfield interpretó extractos durante la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de Verano de 2012 en Londres. Nosotros escucharemos la primera presentación en vivo del álbum, en el Queen Elizabeth Hall de Londres el 25 de junio de 1973. Ahí vamos. - Después de grabar Tubular Bells, Mike Oldfield sintió que lo había "sacado de su sistema" y se mostró reacio a realizar cualquier compromiso promocional. Es decir, no quería saber más nada con Tubular Bells. Sin embargo, dos de los fundadores del sello Virgin, Richard Branson y Simon Draper, sintieron que una presentación en vivo de la obra era la mejor manera de presentarla a los periodistas y al público, y organizaron un concierto en el Queen Elizabeth Hall de Londres el 25 de junio de 1973. Oldfield estaba convencido de que la música no funcionaría bien en un escenario en vivo y, a pesar de que varios músicos conocidos y consumados aceptaron ser parte del espectáculo único, se negó a hacerlo. Desesperado por evitar que Oldfield se retirara, Branson le ofreció darle a Oldfield su auto Bentley, que le había comprado a George Harrison y sabía que le gustaba a Oldfield, si seguía adelante con el trabajo. Oldfield estuvo de acuerdo, y después de los ensayos en los estudios de cine de Shepperton, todavía tenía reservas sobre la actuación hasta que Mick Taylor de The Rolling Stones llevó al líder Mick Jagger detrás del escenario para conocer a Oldfield, cuyo apoyo le dio a Oldfield la confianza para "al menos subir al escenario". Finalmente, el concierto siguió adelante y fue bien recibido, dejando a Oldfield "aturdido y sorprendido”. El concierto contó con miembros del grupo de rock experimental Henry Cow y músicos asociados con la escena de Canterbury, así como Mick Taylor de los Rolling Stones. Steve Winwood y Robert Wyatt también debían participar, pero Winwood se retiró porque no pudo encontrar tiempo para asistir a los ensayos y Wyatt se estaba recuperando del reciente accidente que lo había dejado paralizado. - Nos retiramos con el tema que cerró el show en el Queen Elizabeth Hall de Londres el 25 de junio de 1973. Escuchamos “The Sailor’s Hornpipe”, que es una melodía de la danza tradicional de E

    1 t. 3 min.
  4. Nirvana - MTV Unplugged in New York

    2. NOV.

    Nirvana - MTV Unplugged in New York

    "Buenas noches. Esto es de nuestro primer disco. La mayoría de la gente no lo tiene”. Las primeras líneas del MTV Unplugged de Nirvana en New York son ciertamente rencorosas. De hecho, hubo mucha mala voluntad en torno a la participación de Nirvana en la serie Unplugged de MTV. El programa se transmitió regularmente de 1989 a 1999 con invitados que iban desde Mariah Carey hasta Eric Clapton, desde Bob Dylan hasta Alice in Chains, pero cuando Kurt Cobain y sus compañeros de banda finalmente aceptaron hacer el show, fue en sus propios términos. El repertorio contiene seis covers entre sus catorce canciones. Ahora, por supuesto, todas las canciones son populares para Nirvana y el canon del rock en general, pero en ese momento sólo “Come As You Are” había sido editada como single. - Tocaron “The Man Who Sold The World” de David Bowie, “Jesus Doesn’t Want Me For A Sunbeam” de The Vaselines y tres canciones de The Meat Puppets. Cris y Curt Kirkwood de The Meat Puppets se unieron a la banda en el escenario para tocar la guitarra en “Plateau”, “Oh Me” y “Lake of Fire”, aunque Cobain, por supuesto, cantó en los tres temas. La banda cerró con “Where Did You Sleep Last Night?” de Lead Belly que sigue siendo una de las mejores versiones de este clásico de todos los tiempos. Aunque acá lo menos importante es la autoría, ya que Cobain tenía una manera de hacer que cualquier canción que cantara sonara como propia. Su talento como artista era único. No sólo su composición era demoledora, sino que (más allá de su técnica) tocaba la guitarra cada vez como si fuera la última, pero fue en el MTV Unplugged donde su voz se robó el show. Con su cantar, Cobain transmite la sensación de tocar fondo y llena un vacío como nada más ha podido hacerlo, generando un sentimiento difícil de igualar, si bien es cierto que todo está influenciado por la próxima muerte del líder de Nirvana. Es profundo y angelical, y en el MTV Unplugged, sin demasiado volumen en nada más, realmente se puede escuchar su meticuloso sonido ronco. Nada de lo que se hizo fue a medias. Es difícil hablar de su pasión por lo que quería hacer como persona y artista sin que suene a cliché. Dicho eso, este show es una muestra omnisciente de lo que realmente era Nirvana y una prueba de que sin demasiado volumen o electricidad, Nirvana era una banda igual de poderosa. - El set fue grabado, a diferencia de los otros episodios de Unplugged, todo en una sola toma. Eran una banda muy unida, acompañada aquí por su guitarrista de gira Pat Smear, también miembro fundador de la banda de punk de Los Ángeles Germs y actual miembro de Foo Fighters, y su violonchelista de gira, Lori Goldston. Smear y Goldston le dan al sonido de Nirvana un toque alegre, haciendo que su sonido sea lo más acogedor posible. Mientras tanto, Cobain hizo que la producción decorada el escenario con velas, una lámpara de araña de cristal y lirios stargazer, que tienen la peculiaridad de “abrirse hacia el cielo”. La imagen evoca, como señaló un productor, un funeral. (La respuesta de Cobain por supuesto fue: “Exactamente. Como un funeral”). Históricamente era como si supiera que estaba actuando por su cuenta y no confiara en que nadie más lo haría bien. - Grabado en noviembre de 1993, la actuación del Unplugged fue cinco meses antes de que Cobain se quitara la vida. Después de su muerte, MTV transmitió el episodio constantemente y lanzó el álbum que lo acompaña en noviembre de 1994. Recordarlo así, casi que resulta cruel, y escucharlo pensando en el aprovechamiento comercial de su muerte puede resultar muy triste. En mi caso, estoy más familiarizado con el álbum, si bien vi el concierto antes de que saliera el disco, pero antes de hacer este programa, me tomé el tiempo para revisar la mayor parte de la presentación en el dvd que es parte de mi colección. Es el tipo de obra que todo el mundo con

    58 min.
  5. Joe Satriani - King Biscuit Flower Hour

    28. OKT.

    Joe Satriani - King Biscuit Flower Hour

    Además de ser el maestro de algunos de los mejores guitarristas de rock de los años 80 y 90, Joe Satriani es uno de los guitarristas más respetados y con más logros técnicos que han surgido en las últimos décadas. Satriani comenzó a tocar la guitarra a los catorce años, poco después de enterarse de la muerte de Jimi Hendrix. Se dice que escuchó la noticia durante un entrenamiento de fútbol americano, ​​donde se enfrentó a su entrenador y le anunció que renunciaba para convertirse en guitarrista. Satriani aprendió rápidamente a tocar el instrumento, comenzó a enseñar guitarra a otras personas y encontró un espíritu afín en uno de sus alumnos, nada más y nada menos que Steve Vai. Sin embargo, a finales de los años 70, Satriani se había mudado a Berkeley, CA., con la vista puesta en su propia carrera musical, "Satch" (como le dicen sus fans) siguió enseñando a otros, incluidos futuros notables del rock como Kirk Hammett (Metallica), Larry La Londe (Primus), David Bryson (Counting Crows) y el músico de jazz fusión Charlie Hunter. - A principios de los 80, Satriani consiguió tocar la guitarra en la banda del cantante Greg Kihn, trabajando en algunas sesiones y haciendo giras con el grupo, para luego publicar su propio EP homónimo en solitario en 1984, financiando y lanzando el proyecto enteramente por su cuenta. Igualmente, el momento de reconocimiento llegó cuando Steve Vai alcanzó la fama como guitarrista de la banda solista de David Lee Roth en 1986, y elogió a su buen amigo y ex profesor en varias publicaciones importantes de guitarra, lo que generó un interés generalizado en la forma de tocar de Satriani. El momento no podría haber sido más perfecto para Satch, ya que acababa de publicar su primer álbum solista de larga duración, Not of This Earth, que automáticamente causó sensación en la comunidad de guitarristas de rock. - Pero lo mejor aún estaba por llegar, en forma de su segundo lanzamiento, Surfing with the Alien de 1987. Casi de la noche a la mañana, Satriani fue ampliamente considerado como uno de los mejores guitarristas del rock, el álbum obtuvo la certificación de oro y el guitarrista terminaría en lo más alto de las encuestas de las revistas de guitarra durante años. Incluso fue elegido personalmente por Mick Jagger para acompañar al legendario cantante de los Stones en una gira por Australia y Japón por esa época. El EP Dreaming 11 combinó pistas de estudio con material en vivo y se publicó un año después, y en 1989, Satriani editó su tercer álbum en solitario, Flying in a Blue Dream. Otro éxito considerable, el álbum también marcó el debut de Satch como vocalista en varias pistas. - Este bootleg titulado King Biscuit Flower Hour (una rareza de 1988 con un programa de radio de 9 pistas, solo promocionado en EE. UU., transmitido por primera vez el 31 de julio de 1988, grabado en The California Theatre en San Diego) también fue lanzado en vinilo con el título 'Silver Surfin' Satriani'; presentando excelentes versiones en vivo de temas como “Circles” & “Surfing With The Alien”. Este pirata es una de las mejores presentaciones en vivo que he escuchado de Satriani. La calidad de la grabación es excelente y la lista de canciones incluye todos sus éxitos anteriores, incluido "Hordes of Locust" (mi favorita) y, por supuesto, su clásico "Surfin' With The Alien". De hecho, Satriani hace referencia a la multitud de espectadores que habían traído sus tablas de surf al concierto, un espectáculo que debe haber sido extraordinario de ver. De esta forma, nos vamos yendo, nos vamos despidiendo de este episodio. Espero que lo hayan disfrutado tanto como yo. “Elvis is still in the building, goodnight Montevideo City.”

    52 min.
  6. Pulp Fiction

    27. OKT.

    Pulp Fiction

    Una pareja sentada en una mesa de una cafetería típica de los EEUU, discute afectuosamente sobre si van a cometer un robo más o no. Después de considerables idas y vueltas, finalmente deciden que robarán este mismo restaurante, ahora mismo, aquí mismo, limpiando no sólo la caja registradora sino también las billeteras de todos los clientes. Se besan húmeda y descuidadamente en primer plano. "Te amo, Pumpkin”, dice la mujer. "Te amo, Honey Bunny", responde el hombre. Y antes de que puedas pestañear, entran en acción, con las armas en la mano y la mujer chillando: "¡Si cualquiera, malditos idiotas, se mueve, ejecutaré hasta el último de ustedes!". La acción se congela y una estridente música de surf ruge en la pantalla. "Tener 'Misirlou' como créditos iniciales es muy intenso, ¿sabés?" reflexionó el director Quentin Tarantino en una entrevista en el CD extra para la edición de coleccionista de 2002 de la banda sonora de Pulp Fiction. "Simplemente dice que estás viendo una película épica, estás viendo una gran película, simplemente siéntate". “Misirlou” logró precisamente eso: con el tiempo llegaría a ser conocida informalmente como “The Pulp Fiction Song”, mientras que toda la banda sonora de Pulp Fiction llegaría a ser conocida como un compendio de música de épocas pasadas que de alguna manera también parecía muy nueva, muy fresca y muy de los 90. Casi que un ritmo completamente nuevo. O no. - En este breve momento de la película, después de la acogedora pero sociópata escena del restaurante de Pumpkin y Honey Bunny, no sería descabellado pensar que esta película podría terminar siguiendo la misma fórmula que dos de los proyectos anteriores de Tarantino de principios de los 90: True Romance y Natural Born Killers, siguiendo a un par de amantes forajidos en otra ola de crímenes a través del país. Pero justo cuando empezamos a perdernos en la espiral y laberíntica “Miserlou” de Dick Dale & His Del-Tones, la canción se detiene abruptamente en medio de la estática de la radio y un cambio de estación. Ahora, estamos en una longitud de onda totalmente diferente: el impacto y la arrogancia de “Jungle Boogie” de Kool & The Gang, y de repente estamos en un auto con un John Travolta de aspecto muy sórdido y Samuel L. Jackson con un peinado afro espectacular. Ambos vistiendo trajes negros. Así que es fácil pensar que ahora tal vez estemos en alguna nueva versión de Reservoir Dogs. Este cambio estático de canales, y el cambio abrupto de escenas y significados, trae a la mente “la cinta de radio”, una de las muchas subcategorías de cassettes grabados que el periodista musical Rob Sheffield cataloga en sus memorias de 2007 “Love Is A Mix Tape”. “Cuando la gente escuchaba la radio, tenías un cassette a mano en todo momento para poder grabar los nuevos éxitos de la semana”, escribe. “También grabaste la estática, comerciales y jingles, pero todo ese ruido no hizo más que aumentar la verosimilitud. El cassette grabado de la radio te devuelve al momento y lugar originales cuando escuchaste las canciones por primera vez”. Esto no es un mero accidente ni una encantadora coincidencia. Tarantino era muy consciente de adoptar ese enfoque de cassette para su banda sonora y para Pulp Fiction en sí, que combina tres historias diferentes y varios géneros cinematográficos. De hecho, la música suele ser lo primero cuando Tarantino comienza su proceso de escritura de guiones. - “Una de las cosas que hago cuando empiezo una película es revisar mi colección de discos y empezar a reproducir canciones. Básicamente, intento encontrar la personalidad de la película, encontrar el espíritu de la película”, dice Tarantino. “¡Y luego boom! Eventualmente escucharé una, dos, tres canciones. Ya sabes, una canción en particular: 'Oh, esta sería una gran canción para los créditos iniciales’. Porque para mí, los créditos iniciale

    56 min.
  7. Sepultura - Beneath The Remains

    26. OKT.

    Sepultura - Beneath The Remains

    Este año se cumplieron 35 años desde que el impresionante tercer álbum de Sepultura, Beneath The Remains, despertó al mundo del metal con una fuerza poderosa que surgía de Brasil. "Lo creas o no", dice Max Cavalera, sin duda uno de los seres humanos más importantes de la historia del metal que haya salido de Sudamérica, "muchas de las letras de 'Beneath The Remains' se inspiraron en el álbum 'War' de U2". “Antes de eso”, continúa, “me había inspirado Black Sabbath y Motörhead, pero comencé a escuchar a U2, que tenía letras realmente geniales. Si escuchás la canción principal del álbum Arise de Sepultura, que salió después de Beneath The Remains, una de las líneas principales es 'Under a pale grey sky', que está tomada directamente de 'Under a blood red sky' de la canción “New Year’s Day” de U2." - Max nunca ha sido predecible, incluso en 1989, cuando él y su banda de Belo Horizonte llegaron al escenario mundial con su debut en Roadrunner Records, Beneath The Remains. Sepultura, que en ese momento también incluía al gran Andreas Kisser [guitarra], Paolo Jr [bajo] y el hermano de Max, Iggor [batería], nunca hizo nada según reglas preestablecidas y menos cuando se trataba de escapar del gueto de Sao Paulo donde vivían. Si bien sus dos LP y un EP anteriores habían recibido elogios locales, Sepultura sabía que necesitaba pensar globalmente si querían dar el siguiente paso. Su estrategia los llevó a otro continente. Monte Conner, ahora director de Nuclear Blast Entertainment, pero durante más de tres décadas jefe de A&R del legendario sello Roadrunner (es decir, quienes buscan nuevos talentos en las compañías discográficas) recuerda su primer encuentro con Max. “Al principio fue muy difícil comunicarse con Sepultura”, recuerda, “porque Max era el único miembro que hablaba inglés. En Roadrunner estábamos muy nerviosos por el hecho de que nunca habíamos firmado con una banda de Brasil, así que llevé los contratos al consulado brasileño en New York y los legalicé ante notario para demostrar que eran documentos legales”. Una vez que se firmó el contrato, Roadrunner no perdió tiempo en llevar a la banda a un estudio en Río de Janeiro con Scott Burns, entonces un productor novato. - “El presupuesto para Beneath The Remains era sólo de 8.000 dólares, pero pronto nos dimos cuenta de que era demasiado poco para hacer un disco con un sonido competitivo con un productor estadounidense”, recuerda Monte Conner. “Conseguí que Cees Wessels [el propietario de Roadrunner] aprobara un presupuesto de 13.000 dólares, que era una suma muy grande para nosotros en ese momento. Se suponía que iba a ser un disco de ocho canciones, pero la banda vino a verme en el último minuto y me dijo que tenían una novena canción muy buena. Le pregunté a Cees si podíamos aumentar el presupuesto en otros mil dólares para permitirlo. Afortunadamente estuvo de acuerdo, ya que esa última canción, “Primitive Future”, se convirtió en el tema ideal para cerrar el álbum”. - El álbum terminado dejó boquiabiertos a todos los involucrados, sin mencionar a legiones de amantes del metal en todo el mundo. La pura velocidad y agresividad de las canciones, junto con la voz bestial de Max, fueron un gran paso adelante con respecto a todo lo que Sepultura había producido antes de ese momento. Descartando sus anteriores obsesiones líricas por los demonios y la guerra, Max abordó temas más personales de alienación y explotación, temas que resonaron en miles de oyentes. Gracias al productor Scott Burns, el increíble poder de las canciones no se perdió en la mezcla, como había sucedido con los lanzamientos anteriores de Sepultura: el salvajismo de los riffs de Max y Andreas y el poder implacable de la batería de Iggor se destacaron claramente, diseñados con precisión para un máximo impacto. No es de extrañar que Beneath The Remains se convirtiera en disco de oro

    53 min.
  8. The Flaming Lips - Treinta Aniversario en la BBC

    20. OKT.

    The Flaming Lips - Treinta Aniversario en la BBC

    Como muchos fans, llegué realmente a los Flaming Lips con el lanzamiento de su noveno álbum, 'The Soft Bulletin' en 1999, si bien recordaba su hit “She Don't Use Jelly” que tuvo éxito en 1993. La banda celebró su 30 aniversario en 2013 y la estación de radio digital BBC 6 Music los invitó a celebrar su aniversario con una serie de programas dedicados al grupo. A partir del domingo 19 de mayo, aparecieron en el programa semanal "Now Playing" que permitió a los fanáticos a través de las redes sociales crear una lista de reproducción de canciones del artista elegido de esa semana o relacionadas con él. Las canciones seleccionadas abarcaron desde reconocidas favoritas de los Flaming Lips como “Yoshimi” y “She Don’t Use Jelly” hasta el clásico de los Beach Boys “God Only Knows” (versionada anteriormente por los Lips), además de temas de artistas amigos y seguidores, como son los casos de MGMT y Tame Impala. Una semana después, el domingo 26 de mayo, el cantante Wayne Coyne presentó su propia '6 Music Playlist' que intentaba cubrir los 30 años de carrera de la banda en sólo 60 minutos, y también reproducir la música que les había influido con temas de Gavin Bryars, los Beatles, los Beastie Boys y hasta Madonna. Entre esas dos fechas realizaron un set especial en vivo para el show de Steve Lamacq, en los estudios Maida Vale de la BBC en Londres el jueves 23 de mayo. El programa fue transmitido por streaming y por la radio digital, y afortunadamente para nosotros, una fuente previa a la transmisión en formato FLAC estuvo disponible y circuló por la red. La calidad es impresionante y es uno de los mejores shows en vivo que tengo en mi colección de cualquier banda. - Steven Drozd, el compositor y multinstrumentista, hablando con MTV un mes antes del programa dijo: “Se supone que debemos hacer 10 canciones de 30 años de Flaming Lips para la BBC, probablemente tocaremos “Bag Full Of Thoughts” (la canción de apertura del EP debut de los Lips, tocada por última vez en 1985), “Love Yer Brain” (otra joya de los 80, que volvió a sus setlists en 2006, pero que no han tocado desde entonces), “Moth In The Incubator” (un tema destacado de su exitoso álbum de 1993 'Transmission from the Satellite Heart') y una versión repensada de “Riding To Work In The Year 2025” del álbum “Zaireeka” y una versión de estilo orquestal en vivo de “Race for the Prize” de 'The Soft Bulletin'. - El escritor Tim Jones reseñó el show para la revista Record Collector y escribió: “El sexteto liderado por Wayne Coyne, vestido con un traje metálico, realizó un bombardeo visual y auditivo, presagiado por las reflexiones del líder sobre su lucha vocal contra la gripe. A pesar de eso, él y sus compañeros hicieron un set de 80 minutos y 12 canciones, desde sus primeros días, pasando por el juego de percusión de “Race For The Prize”, y el cierre con aplausos y distorsión de guitarra de “The WAND”. Los gritos psicodélicos de “Bag Full Of Thoughts”, la guitarra fuzz y los sintetizadores contrastaron con la reflexión de guitarra acústica y piano en “You Have To Be Joking”, mientras que “Moth In The Incubator”, con luces brillantes y luces estroboscópicas pulsantes, fue seguido de una canción infantil como “She Don't Use Jelly”. Y, por supuesto, “Yoshimi Battles The Pink Robots Pt 1” es un momento épico como en cada show de los Lips.” Con tantos aniversarios, especialmente de álbumes clásicos celebrados con entusiasmo por la industria musical, podés volverte un poco indiferente con ellos. Dicho eso, un período tan largo juntos para cualquier banda, especialmente una que nunca se ha separado, aunque haya perdido a más de unos pocos miembros en el camino, ciertamente vale la pena ser conmemorado. - Los Flaming Lips ofrecieron una de las mejores presentaciones radiofónicas de su historia en este programa. Oportunamente, el set fue una

    57 min.

Om

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