和艺术一起旅行

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SOCIETY & CULTURE

用最简单的小事，听最有趣的艺术！走走看看、听听写写，发现了吗？艺术的光芒，就在那些小小的故事里。

31/08/2018

和艺术一起旅行【28】你真的懂浪漫吗？

“和艺术一起旅行”第28期理性的反动，感性的降临：浪漫主义 BBC热门电视剧《北方与南方》（North and Sourth），改编自十九世纪英国小说家伊丽莎白·盖斯凯尔（ElizabethCleghorn Gaskell）的同名作品，描述了一段发生在工业革命期间的爱情故事：来自南方纯朴乡间的女主角，与北方纺织业巨子的男主角在工业之城相遇。善良独立的女主角，和冷静克制的男主角，仿佛事物的一体两面，从一开始的势同水火，到最后的相互交融、相知相惜。 BBC电视剧《北方与南方》海报也就是在工业革命的前后，浪漫主义与新古典主义差不多同时间出现在欧洲。他们就像是《北方与南方》里的男女主角一样，南辕北辙，互为反义词。我们今天将要讲述的，就是充满幻想与情感的浪漫主义。浪漫一词首先让人想到的是情绪上的变化，其原意是“罗马式民族式的”，后来被狭义的定义为“罗马式民族式的激情”。由此可见，浪漫主义强调的是一种强烈的“感情”，进而发展成一种美学的经验。不论是对于壮丽山河的惊叹，还是崇尚个人英雄主义式的反抗，只要是激发起人类某种强烈感情的，皆是一种浪漫主义精神。浪漫主义兴起的缘由，有下面几种可能：一则是因为革命带来的社会风气的转变，发达的人权思想，对自由民主的渴望，冲击着人们的生活，也让艺术家们越来越无法忍受古典主义的形式与教条；一则是对启蒙时代，过分强调理性与绝对的反动。有人将浪漫主义视为一种，一直在持续进行的运动，也有人认为浪漫主义就是现代化的开端。浪漫主义在十八世纪发端于德国，起初主要表现在文学与哲学领域。由新古典主义过渡到浪漫主义的时期，被称为“狂飙突进运动”（Sturm und Drang），代表人物有文学家歌德，他的小说《少年维特的烦恼》是典型的浪漫主义作品。 1774年首次印刷的《少年维特之烦恼》故事以年轻人维特，写给朋友书信的形式呈现：维特爱上了一位已有婚约的女子，情不自禁的不伦恋后，维特以自杀的方式收场。在这个故事中，维特是违背道德与规范的象征，他是神圣婚姻的破坏者，也是基督教的背叛者（基督教的教义是反对自杀的）。维特破坏世间的规则，跟随自己的感情，孤独、困惑、哀伤、悲观又反叛。小说一问世，立刻掀起热潮，也让歌德几乎一夜成名。在音乐领域，也有几位大家耳熟能详的大音乐家，出现在这一时期，例如一手开创了浪漫主义音乐的德国作曲家贝多芬，以及早期的门德尔松和肖邦，中期的瓦格纳，和后期将浪漫主义与民族音乐融合的柴可夫斯基等。这些艺术家的作品更注重形式和情感的表现，也更富有想象力。在视觉艺术领域，浪漫主义的发展中心自然是作为革命发源地的法国。在十九世纪下半叶，躁动不安的社会氛围里，法国艺术的发展从新古典主义，逐渐转向浪漫主义。甚至连前两期我们介绍的，新古典主义的拥护者大卫与安格尔，也难免受到浪漫主义的影响。像我们之前介绍大卫时所说的，此时期法国的艺术，在新古典主义与浪漫主义风格之间缠绵激荡。浪漫主义的代表艺术家们，也不乏现实题材的作品，他们之中也有人热衷于学习，如米开朗基罗等古典主义艺术家的风格。因此浪漫与新古典的划分，也并非是全然绝对的。籍里柯（TheodoreGericault）与德拉克罗瓦（Eugène Delacroix）是法国浪漫主义的代表性人物，两人之间也来往甚密，德拉克罗瓦对籍里柯很是崇拜。戈雅（FranciscoGoya）则是西班牙浪漫主义时期

5 min
29/08/2018

和艺术一起旅行【27】我的老师是大卫

“和艺术一起旅行”第27期古典主义永恒的追随者：安格尔前两期，我们讲到了新古典主义生成的历史背景，法国大革命与继之而起的军事家拿破仑，还讲到其追随者，有着强烈政治主张的艺术家大卫。听众们或许还记得，大卫在获得举足轻重的罗马奖后，开办了自己的画室，也收了许多的学生，其中就有一位与大卫齐名的艺术家，一生致力追求古典艺术的安格尔（Jean Auguste Dominique Ingres）。安格尔的父亲是名艺术家，擅长肖像画与音乐。受父亲的熏陶，安格尔对艺术有着强烈的兴趣，进入学院接受绘画训练。在大卫创办画室后的第二、三年，安格尔进入大卫的画室，他非常仰慕获得过罗马奖的大卫，和他宏大的艺术风格。 1801年，安格尔跟随恩师的脚步，以作品《阿伽门农的使者》（The Ambassadors of Agamemnon in the Tent ofAchilles）获得了罗马奖的肯定。《阿伽门农的使者》描绘的是荷马史诗中的《伊利亚特》篇：在特洛伊战争尾声时，希腊第一勇士，阿基利斯拒绝国王阿伽门的使者的请托，不愿再次回到特洛伊战争中。《阿伽门农的使者》安格尔 1801年 110x155cm 法国国立高等美术学院法国这一年罗马奖给参赛者布置的主题是《战士们走向战争》。安格尔对主题的诠释，着重放在对心理的刻画上，而非身体的动作，同时也展现出安格尔对人物的塑造能力在赢得大奖后，因为当时国家经费的不足，安格尔没能立即前往意大利深造，而是靠着绘制肖像画谋生。四年后，安格尔终于得到补助，动身前往罗马。在意大利的这段时间里，安格尔不断递交画作到法国的沙龙，却一直没有受到好评，这让他十分沮丧。他一直留在意大利，直到1824年受到肯定之后才归国，并在同年被选为皇家美术学院院士。这期间，安格尔绘制了《大宫女》（La Grand Odalisque）。这件富有东方情调的作品，是受到拿破仑妹妹的委托所作：一位土耳其宫女赤裸着身躯，横卧在被褥之中，微侧过头凝视着观众。女子曲线优美，身体柔弱仿若无骨，背脊的下半部、臂部与大腿，都比正常的比例来得修长。安格尔并非不知道人体正确的比例，他是为了造型之美与和谐之美，牺牲了对真实型态的追求。宫女的肌肤在背景的衬托之下，显得莹白无瑕，画面中的幔帐、头巾与饰品都传递出浓浓的东方情调，可以看出安格尔对于时兴的异域风情题材，有着极大兴趣。《大宫女》安格尔 1814年 91x162cm 卢浮宫法国与许多推崇古典艺术的艺术家一样，安格尔认为古代艺术大师的作品才是艺术的典范。他终身向古典主义学习，晚年更潜心钻研拉斐尔的绘画，极为排斥已悄然兴起的浪漫主义。在安格尔看来，精确的构图与描绘比什么都来得重要。他认为线条能传达图像的表现力，而色彩只是画面的点缀装饰之物。对安格尔来说古典就是艺术的代名词，模仿古代的艺术形式，才是完美的艺术，创造与革新是一种非必要的荒唐行为。晚年执掌美术学院时，安格尔在授课期间，继续坚持自己的艺术主张，采用严格的标准来训练学生。他斥责那些不讲求古典技巧的作品，在其强势的统领之下，学院的古典训练成为固定形式。因此，当浪漫主义代表人物，德拉克洛瓦以反叛古典的面貌出现时，安格尔对他嗤之以鼻。由于其艺术主张，安格尔与当时的一些艺术家和评论者们的关系并不和睦，他凭借坚实高超的绘画技艺，仍然受到大家的敬重。1855年，安格尔交了43件油画作品到世界博览会中参展，法国著名诗人波特莱尔（Charles Pierre Baudelaire）也前来向他表达敬意。安格尔在晚年仍然辛勤不辍的创作大幅作品。例如现存于法国奥塞美术馆的《泉》（The Source），便是在他76岁时完成的作品，用充满古典意趣的手法，描绘打水少女的身姿，展现出脱俗庄严的美感，是西方美术史上描绘人体之美的名作之一。《泉》安格尔 1830-1856年 163x80cm 奥赛博物馆法国而现存于卢浮宫的《土耳其浴女》（The Turkish Bath）则是他描绘女性曲线美的集大成之作。安格尔将土耳其皇宫浴室内，众多女子欢快沐浴情景想象出来，再用熟练的笔法和多变的柔美色调，组成了和谐而统一的画面。很难想象，安格尔完成这件作品之时已84岁高龄。《土耳其浴女》安格尔 1808年直径108cm 卢浮宫法国安格尔一生坚定地走在对古典之美的追求上。他坚定的艺术主张，也奠定了学院艺术的发展方向。但艺术的发展中，一向没有绝对的对错。下一回，我们就要讲到让安格尔深痛恶绝的浪漫主义。本期节目由“六柿”撰写提供赵亚男播音 BGM: 1.Various Artists - Feast of Spring 2.Scott Holmes - 15. Driven to Success

6 min
24/08/2018

和艺术一起旅行【26】追星的正确姿态：你打江山，我画你

“和艺术一起旅行”第26期政治狂热的艺术家：大卫维多利亚时代的伟大作家狄更斯，在他著名的小说《双城记》的开篇写下：“那是最好的时代，也是最坏的时代……”这句话一语道出改革时代的腥风血雨。当人们对社会不满时，也经常借此话，描述自己所处的时代，而这句话也道出了我们对法国大革命的最初印象。受到革命风潮的影响，文学家对社会有强烈的期许或批判，而艺术家们亦如此。也许，没有哪位新古典主义时期的艺术家，比我们今天将要介绍的这位艺术家，对改革时代有着更深刻的感受。法国大革命激起了人们对历史的兴趣，也推动了英雄事迹题材的绘画，这当中的佼佼者，就是拿破仑在法国执政时期，热烈拥戴拿破仑的官方艺术家雅克·路易·大卫（Jacques-Louis David）。《自画像》雅克·路易·大卫 1794年 81x64cm 卢浮宫法国相信许多人在提到拿破仑时，会想起他骑在白色骏马上、英姿勃发的画作。这张将拿破仑热烈歌颂，彰显其非凡领袖魅力的画作，就是出自于大卫之手。在拿破仑的指示下，大卫画了五个版本的《拿破仑越过阿尔卑斯山》（NapoleonCrossing the Alps），用以纪念其横越山脉，远征意大利取得的胜利。《拿破仑越过阿尔卑斯山》(凡赛尔宫1版)雅克·路易·大卫 1802年 271x232cm 凡尔赛宫法国大卫在大革命时代，直到拿破仑失势之前，旗下学生无数，主导着整个法国艺坛的审美品味：由洛可可的轻浮甜腻，转变为古典的严谨。除了对艺术的追求，大卫还是名政治狂热者，他早年的艺术生涯与其后的政治之路，可以说是险象环生。大卫的艺术启蒙之师，就是我们前两期提到的，洛可可时期宫廷艺术家布歇，布歇对这位有亲缘关系的后辈呵护有加。但与布歇不同，大卫似乎对甜美的洛可可风格没什么兴趣。随后，大卫进入了皇家美术院学习，接受肖像绘画的训练。不过在接连几年，争夺学院大赛“罗马奖”失败之后，大卫信心受挫，甚至起了自杀的念头。直至1774年，他终于赢得了罗马奖，并开设了自己的画室，规模愈做愈大，也开始尝到成功的滋味。 1784年，大卫绘制了《荷拉斯兄弟之誓》（Le Serment des Horaces），继而一举成名。这张作品淋漓尽致的表现了古典主义的画面均衡、建筑格局与构图严谨。这件作品描绘了一场战争之前，三位兄弟向父亲立下誓言，决心为国效忠的画面。大卫选取主人公立誓的一瞬间，父亲高举着三柄剑，儿子们的手齐齐指向剑；在老父亲的身后，则是悲伤的女人们，她们蜷曲着身体哭泣，与男性们坚毅硬朗的直线构图，形成鲜明的对比。《荷拉斯兄弟之誓》雅克·路易·大卫 1784年 330x425cm 卢浮宫法国画面明确地传达了，大卫对于古代男性阳刚与肃穆的崇尚，肯定了个人为国家尽忠、牺牲的精神。由此，我们知道大卫本人对于公民与国家有着强烈的期许。在法国大革命期间，大卫是当时政治上，最有影响力的雅各布宾党的一员，在政坛上极为活跃；在雅各布宾党失势以后，他接连入狱，不过在1800年，大卫又获得了拿破仑的庇护。跟随拿破仑的前一年，大卫绘制了若干作品，例如现在被视为经典的《马拉之死》（The Death of Marat），描绘了法国大革命领袖之一的马拉（Jean Paul Marat）被保皇党派在药浴中刺死的场景。这件作品布局巧妙，马拉与染血的浴池占据了画面的下半部，他右手握着羽毛笔垂地，左手还紧紧地抓着一封信，光源从右半边打入，集中在马拉上半部的脸庞、肩膀以及拿着信的左手上。身为马拉好友

7 min
22/08/2018

和艺术一起旅行【25】艺术圈也流行复古

“和艺术一起旅行”第25期重新吹起的理性之风：十八世纪的新古典主义这一期，我们要讲到在欧洲艺术的发展中，一种很重要的艺术现象，古典主义的多次复苏，它象征着一股理性思潮，传递着人类智慧的结晶，同时让人回望过去，反思当下。古典主义指的是，古希腊罗马时期的人文艺术。它涵盖文学、思想、音乐和建筑等领域：不论是罗马仿效希腊文化，还是十四世纪末的文艺复兴，这些都是一种古典主义的再生。它通常以理智严谨、均衡和谐的姿态出现。然而古典一词，到十七世纪，才被正式用在艺术的发展上。新古典主义（Neoclassicism）发端于十八世纪末的欧洲。这股再次复兴的古典风潮，从古代文化的重镇──意大利罗马──扩及到全欧洲，影响了各地的艺术文化。除了绘画、文学、音乐和戏剧，工艺设计也深受其影响。但不同于古典主义纯粹效仿古代艺术，新古典主义与社会政治的变迁，有着极大的联系，它的精神不在于直接模仿古物，而是重现古典时期朴实的风格。启蒙时代之后，除了人们理性的觉醒，对巴洛克和洛可可浮夸腻味的厌倦，新古典主义之风的吹起，还与十八世纪中叶，庞贝古城的再发现有关。一部在2014年上映的美国灾难电影《庞贝末日》，就是以庞贝古城为背景，讲述了奴隶与公主的悲情恋曲。庞贝城的命运，就像这对男女主人公一样，昔日的繁华热闹，最终被掩盖在6米深的火山灰之下，随着时间流转，被世人所遗忘。甚至庞贝古城的名字和位置，也无从可考。电影《庞贝末日》海报失落千年的古城遗迹，在十六世纪时，因开凿地下水道而被重新发现。十八世纪左右，在那布勒斯王国的支持下，庞贝与其他惨遭同样命运的古城，被先后发掘出来。轮廓完整的庞贝街，残留的建筑、器具、珍品与壁画，让历史与考古学家欣喜若狂。它像是一条时光隧道，让后人清楚了解到当时社会的面貌，也让十八世纪末的欧洲，重新掀起了对古典的探索与研究的热潮。庞贝古城早在启蒙时代，就曾有支持古典主义的文学家，发表过备受关注的论文，鼓吹古典主义。十八世纪，德国的考古学家兼艺术学者温克尔曼（Johann Winckelmann）发表文章，大力吹捧希腊艺术的肃穆、理想与高贵，并潜心研究希腊罗马的艺术史，带动了社会对于古典艺术的重视。到了十九世纪，希腊罗马时期雕塑的出土，也促进了新古典主义的发展。比如现存于法国罗浮宫的《米罗的维纳斯/断臂维纳斯》（Aphrodite，called Venus de Milo），以及只剩躯干与翅翼，迎风昂扬的《胜利女神像》（Nike of Samothrace）。《米罗的维纳斯/断臂维纳斯》亚历山德罗斯公元前130-100 卢浮宫法国除了意大利，在路易十四时期的法国艺术学院里，新古典主义之风，也在悄然酝酿。前几期我们在介绍法国风格之战中，提到理论家们掌握着当时的舆论方向。其中，学院院长勒布伦（Charles Le Brun）就极为推崇法国巴洛克时期的艺术家普桑，而普桑所崇拜的艺术家，就是文艺复兴三杰之一的拉斐尔，普桑的艺术形式可见一斑。勒布伦根据自身的艺术理念，制定新的制度，奠定了法国艺术学院的走向，也促成了日后新古典主义的兴起。艺术史学家贡布里希（E. H. Gombrich）认为，学院的制度还让艺术界产生了一种质变，也就是推动了年度展览会的出现。年度展览会让艺术家们开始寻求新类型的绘画题材，不再局限于传统：莎士比亚的戏剧、当下的热门事件都成为燃起想象的来源。在新古典主义酝酿的同时，社会中的革命思想也在快速蔓延。革命时代的人们将自己看成新生的雅典公民，他们对于民主自由有着强烈的渴求。新古典主义与法国大革命紧密相连，借由神话传说或是历史叙事，发扬光辉勇敢的品格。法国也在民主自由的土壤之中，迅速的扎根成长，渐渐取代自文艺复兴以来意大利在艺坛中的地位，掌握了艺术的话语权。请大家想象这样的情景：各领域的学者、旅者、考古学家、艺术家们聚集在罗马的台伯河畔，吹着河畔的风，热烈地讨论着庞贝古城的发现。这大概是新古典主义横扫欧洲后，社会呈现的面貌。这股风从过去吹向现在，更吹向遥远的未来；从古希腊罗马时期、文艺复兴吹向十八世纪的罗马城。之后，自由之风吹拂到法国，吹向欧洲。新古典主义的理性思维，在革命思潮的激情之下，成为了浪漫主义（Romanticism）的源头，人在学会了观察世界、受到教育得到了知识以后，便开始相信自己，相信人可以掌握住命运。下一回，我们就要来介绍法国新古典主义时期的重要画家：大卫（Jacques-LouisDavid）与安格尔（Jean Auguste Dominique Ingres）。本期节目由“六柿”撰写提供赵亚男播音 BGM: 1.Anne Sophie Mutter - Mozart: Divertimento In D, K.334 Edited By Rolf Bender 3. Menuetto Trio Menuetto 2.Scott Holmes Driven to Success

6 min
28/05/2018

和艺术一起旅行【24】软软香香，还有点不可描述

“和艺术一起旅行”第24期：女性柔媚的力量：洛可可艺术洛可可（Rococo）风格并不是一种新的艺术形态，而是巴洛克风格在法国的一种变异与延伸，于十八世纪初，在法国巴黎盛行。提到巴洛克时代的法国，许多人首先会映入脑海的，就是太阳王路易十四，与他那震惊欧洲的凡尔赛宫，法国在2015 年的时候，就推出了一部耗资超过2.15人民币的影集《凡尔赛宫》，将富丽堂皇、奢华糜烂的凡尔赛宫与路易十四，讲述地淋漓尽致，而这部影集最后也因为太过情色与暴露，惨遭腰斩。但路易十四去世以后，一个世代的风格转变了。弗拉戈纳尔的作品《门栓》，描述了贵族间隐秘又迷乱的私生活我们在前几期介绍了法国巴洛克艺术的奠基者普桑，曾经说到，法国宫廷培养出来的皇家美院人才，对于不同艺术风格的扬弃。最开始由普桑的推崇者掌权，之后又换成鲁本斯的推崇者，两派人马的争论成了风格之争。普桑的推崇者强调素描构图的重要性，但鲁本斯的推崇者强调色彩，最终，色彩派占了上风。于是在巴黎的升天大教堂与凡尔赛皇家教堂，都可以见到鲁本斯的后继者，发挥才华创造的装饰传统。鲁本斯的影响力非同小可，几乎影响欧洲此后三百年的艺术发展，英国皇家艺术研究院的研究员曾经说过，如果没有鲁本斯，可能就没有往后的洛可可、浪漫主义、东方主义，更可能连印象派都没有了。学院美术不断的发展，到了路易十四的曾孙，路易十五在位时，学院样式的发展也更加多元。布歇《蓬帕杜夫人》我们在此不能忽略的，就是女性发挥的影响力，路易十五的情妇，蓬帕杜夫人（Madame de Pompadour），为洛可可风格的推动，发挥了巨大的影响力，成为洛可可的代言者。蓬帕杜夫人是谁呢？她是路易十五最有名的情妇。但她并不是单纯美貌而已，交际手腕也十分高明。蓬帕杜夫人很喜欢文艺活动，甚至组建自己的沙龙。“沙龙”是一种私密的聚会，通常是主人邀请许多客人，增进彼此的交流，藉以提升个人涵养。法国著名的启蒙思想家伏尔泰（Voltaire），就是蓬帕杜夫人沙龙的座上宾。布歇（François Boucher）是洛可可风格的代表艺术家之一，他进入宫廷之后，曾为蓬帕杜夫人绘制过许多幅肖像画，其中被认为最杰出的一件，目前保存于德国慕尼黑。在这件身着绿裙的《蓬帕杜夫人》（Portrait of Marquise de Pompadour）画像中，布歇充分表现出这位夫人优雅、贵气与知性的一面。蓬帕杜夫人手拿书本，倚靠着床，她的左边的桌上放着书信，抽屉里插着鹅毛笔，还有脚边散落的乐谱、版画和素描，都说明了这是位喜爱文艺的女士，也恰如其分说明了她艺文推动者的形象。布歇《戴安娜出浴》蓬帕杜夫人对于当时皇室宫廷的影响力非常深。《绝代艳后》这部电影，描绘法王路易十六的妻子，玛丽王后，电影里处处可以看见蓬帕杜夫人带起的流行。例如，女性皇室贵族喜欢顶着梳地高高的发型，就是蓬帕杜夫人带起来的潮流，要说她是法国皇室的时尚总监，也一点都不为过！比之巴洛克风格讲求华丽和光影效果，重视强烈的光影对比与戏剧性的艺术表现，洛可可的特征是讲求柔软的色调与弧形曲线，喜欢描绘美化过的爱情与较为活泼欢愉的风情。出身于法国乡下工匠家庭的华铎（Jean-Antoine Watteau），就成为皇家美术学院的一员。他为贵族城堡做室内装饰，为上流社会提供庆典与盛会的设计，但在热闹欢乐之余，他也绘制一种远离凡尘琐事、像梦境一般梦幻的欢乐野宴。华铎的《发舟西地岛》突显洛可可画风的琐细和美感著名的学者宫部利希（E.H. Gombrich）这样形容华铎的画作：“在永不下雨的奇幻公园里举行着欢乐野宴，每位淑女都美丽、所有恋人都优雅的音乐宴会，人人都穿着闪耀的丝质衣服，却不虚有其表，在那里，连牧羊人与牧羊女过的日子，都好似一串小步舞曲。” 许多人认为华铎的艺术反映了当时贵族的雅好，将他誉为洛可可艺术之父。他创始了这类如梦似幻，优雅迷人的“游园雅宴”（fêtes galantes）题材，一时蔚为风尚。洛可可艺术最后一位具代表性的艺术家，弗拉戈纳尔（Jean-Honoré Fragonard），他的代表作《秋千》（Les hasards heureux de l'escarpolette），是谈起洛可可艺术时，大家脑海中会浮现的作品。这件作品刻画出贵族骄奢意淫的生活，仿佛也为即将面临法国大革命的皇室，敲了一记挽钟。弗拉戈纳尔在《秋千》这件作品里，描绘了一对轻挑与寻欢作乐的男女，这幅画也被认为描绘了美好的爱情。在背景的一片绿荫之中，观众的目光很容易被画面正中间的粉衣少女所吸引，她坐在荡地老高的秋千上，衣裙飘扬，像一只飞舞的蝴蝶，一只脚尖翘起，鞋子飞了出去。而随着动线，我们才会注意，少女群底下，几乎被绿茵遮盖住的一名男性。弗拉戈纳尔《秋千》路易十四成为弗拉戈纳尔的主要雇主后，他的画作基本上都是主打享乐和情欲，画作颜色柔媚，笔触轻快，有如婉转的浅斟低唱，很受到皇室贵族的喜爱。然而在法国大革命后，失去了雇主与经济来源的弗拉戈纳尔逃回家乡。在19世纪初，他又回到了巴黎，但一直到他死后将近半个世纪，弗拉戈纳尔始终没没无闻，直到了19世纪的后半，才又恢复名声。一个世代终了，巴洛克的影响力也跟着走入尾声。下一回的西洋美术，我们将走进打破传统艺术的另一个时代。本期节目由“六柿”撰写提供，由“赵亚男”协助播音背景BGM： David Nevue《As the Deer》

7 min
25/05/2018

和艺术一起旅行【23】丹布朗不只解开达芬奇密码，还有......

“和艺术一起旅行”第23期：跟随兰登教授了解贝尼尼前几期，我们花了许多时间介绍巴洛克时期的平面艺术的发展，在这期，还有一位代表了巴洛克时期雕塑风格发展的大师，要介绍给听众朋友。这位艺术家虽然以雕刻闻名，但其实也是位画家、建筑师、舞台和烟火设计师，甚至是一位剧作家，他形塑了巴洛克雕塑的面貌，并且大大影响了此时期的艺术发展。我们在谈文艺复兴的时候，总绕不开文艺复兴三杰，谈巴洛克，也绝不能忘记贝尼尼（Bernini GianLorenzo），他的建筑与雕塑，对巴洛克时代非常重要。中国美术评论家傅雷更曾说过：“罗马是贝尼尼的罗马。”贝尼尼为罗马建造了许多宫殿、喷泉及教堂；其实不只是罗马这座城市，在梵谛冈，他也留下许多踪迹。圣彼得大教堂的圆形回廊例如，圣彼得大教堂前环绕广场的圆形回廊，就是出自贝尼尼的手笔，也是他最具知名度的作品，经常印成纪念明信片，成为梵谛冈的代表。我们曾在介绍达芬奇时，提到了《达芬奇密码》这部疯迷全球的小说与改编电影，其中达芬奇的画作，就是故事里开启真相的钥匙。同样，在姊妹作《天使与魔鬼》中，贝尼尼的作品，就是那一连串的关键密码。虽然小说与电影的情节纯属虚构，但在故事里关键的四件贝尼尼作品，却是确实存在的。现在，就让我们跟着故事的主角兰登教授，一起寻找贝尼尼的创作吧！在故事中，兰登教授从光明会的信息中，推知四位被绑架的枢机主教，将在分别代表“土”、“风”、“火”、“水”四元素的四个科学祭坛被处决。贝尼尼《哈巴谷与天使》一开始，兰登教授误以为象征“土”的地点是拉斐尔沉睡的万神殿。在历经一番波折，教授发现“土”代表的，应该是位于济吉礼拜堂（Chigi Chapel）的塑像《哈巴谷与天使》（Habakkuk andthe Angel）。贝尼尼《西风》紧接着，教授又得知第二座科学祭坛的位置，应该是雕像中天使所指向的圣彼得广场。“风”代表的是贝尼尼的浮雕作品《西风》（West Ponente），这件浮雕的位置就在圣彼得广场上方尖碑石柱的底部，浮雕上面有张天使的脸代表西风。贝尼尼《圣泰瑞莎的狂喜》 “火”元素代表的是罗马维多利亚圣母堂的雕塑作品《圣泰瑞莎的狂喜》（The Ecstasy of Saint Therese）。这件雕塑描述见到神秘幻象的西班牙修女圣泰瑞莎，她感受到神圣狂喜的那一刻，犹如天使用金箭射穿她的心，使她沉浸在既痛苦又极端幸福的癫狂之中。金箭前头的炙热火焰，就是“火”的提示。贝尼尼在这件雕塑中大胆地呈现了修女极乐忘我的状态，天使一手轻拉她的衣袍，一手举着巨大的金箭，正要刺入她的胸口，而圣泰瑞莎轻托在云朵之上，既痛苦又欢愉，仿佛要随着天使进入天堂。由于这件作品带给人过于刺激的官能感，因此在某些宗教人士与评论者眼里，贝尼尼的这件作品太过“情欲”，显得惊世骇俗，所以雕像从原本放置的梵谛冈，转移到偏僻的维多利亚圣母堂，然而这种激起强烈感受的联想，其实正是巴洛克艺术想要达到的目的。贝尼尼《四河喷泉》位于罗马拿佛纳广场(PiazzaNavona Rome)的四河喷泉（Fontana dei Quattro Fiumi），是最后的线索。这件代表了“水”的作品，以四个巨人的雕塑，展现了文艺复兴时期地理学者心目中的四大洲与四大河，四个巨人面向不同的地方，象征非洲的尼罗河、亚洲的恒河、欧洲的多瑙河，以及美洲的拉普拉塔河。这件作品的趣味，不只在于以拟人化手法表现河流，贝尼尼更运用动物与植物等特色，展现出四大洲的风情，例如在代表了尼罗河的巨人，身边雕刻着非洲典型的棕梠树；在代表着多瑙河的巨人脚边，则是一只雄狮；而恒河巨人身边的白马，似乎是宗教上的象征；最有趣的是拉普拉塔河的巨人，他瘫倒的岩石上散落着金币，似乎象征着美洲丰饶的资源，及带给欧洲庞大经济利益的一面。在四河之上，矗立着一座方尖碑，方尖碑在古埃及文明中，具有宗教、纪念、装饰上的含义，也是一种帝国权威的象征。文艺复兴后的欧洲人，对于方尖碑始终有着浓厚的兴趣，贝尼尼也将之运用在四河喷泉之上。我们常说河流是孕育文明的母亲，看着四大河流的交错，就像是见到了人类文明的起点。贝尼尼《阿波罗与达芙妮》因为《达芬奇密码》以及《天使与魔鬼》的热度，作者丹布朗的魅力席卷全球，相信许多粉丝都曾追随兰登教授的脚步，到梵谛冈寻找贝尼尼的踪迹。贝尼尼被誉为最能展现巴洛克风格的雕塑艺术家。他之所以受到教廷的倚重，因为他从古典精神出发，发展出与反宗教改革要求一致的艺术风格：作品带有强烈的气势，并充满戏剧性，用华贵彰显出艺术的力量。兴许是受到剧作家身分的影响，贝尼尼极能掌握这种舞台化的装饰力量，他在人物面部表情的刻画上，能掌握最为鲜活的一瞬，人物仿佛就此活了过来；又或是在衣袍褶纹的表现上，他也没有依循古典样式，让衣服垂落产生自然的褶痕，而是使它们腾空飞起，提高激昂与充满动态。简言之，他的作品中充满着各种“戏剧性张力”。梵蒂冈圣彼得教堂祭坛上方的铜质华盖也是贝尼尼的作品这位在艺术中表演戏剧的艺术家，于1680年在罗马过世，他是罗马的建造功臣，罗马也是他灵魂的归处。贝尼尼在宗教、俗世、自然与神秘主义上，都体现了非凡的创造力，更让他成为巴洛克时代最为重要的代表艺术家之一。下一期，我们要正式进入巴洛克艺术转变之下的洛可可艺术风格。本期节目由“六柿”撰写提供，由“赵亚男”协助播音背景BGM： David Nevue《As the Deer》

7 min
23/05/2018

和艺术一起旅行【22】你们在等的维米尔也来了~

“和艺术一起旅行”第22期：维米尔：细腻又诗意的回眸黑暗中，一位女子侧着身，微微转过头来，披在肩上的头巾，蔚蓝如海洋、明黄如朝阳。她的肌肤柔软滑嫩，朱唇微张，衬托着幽暗的背景，明亮的光线仿佛在她的眼眸与嘴唇上跳耀，她的一双大眼睛“如白水银里养着两丸黑水银”，似乎藏着千言万语，与之相互辉映的，是左耳上的一只白色珍珠耳环，闪耀着光芒。维米尔《戴珍珠耳环的少女》这件被称为“北方蒙娜丽莎”的作品，出自于荷兰黄金时代的艺术家，维米尔（Jan Vermeer）之手。与《蒙娜丽莎》一样，这件作品的尺幅也不大；但比起《蒙娜丽莎》给予观众的神秘感，《戴珍珠耳环的少女》更多是一种明丽感。这件作品如今收藏在荷兰海牙的莫瑞泰斯皇家美术馆（Mauritshuis），在介绍《戴珍珠耳环的少女》的纪录片中，女馆长戈登克（EmilieGordenker）这样说道：“这幅画与其说是人像，不如说是“恋爱”的画像。” 这幅画像中的女子是谁？画出了这位美丽少女的艺术家维米尔，又是谁呢？ 2003年，一部同名小说改编的电影《戴珍珠耳环的少女》上映，两位主角的扮演者都大有来头。戴着耳环的女主角，正是如今漫威电影中“黑寡妇”的演员，斯嘉丽•约翰逊，而艺术家维米尔，则是《王牌特工》中迷人导师哈利的演员，科林•费斯。斯嘉丽•约翰逊与科林•费斯共演的同名电影这部电影描述在维米尔家中帮佣的女仆葛里叶，与才华洋溢却沉默的男主人互相吸引，两人在平静之下暗潮汹涌的情感，在一同制做作画的颜料、研究暗箱、讨论画作颜色等过程中越走越近，却始终压抑着没有越过道德的界线。在被妻子发现两人暧昧的关系之后，维米尔答应画商的要求，把葛里叶当作模特，绘制了这件《戴珍珠耳环的少女》。最后葛里叶被赶出维米尔的家，却收到了从远方送来的珍珠耳环。虽然女仆与艺术家的爱恋纯属虚构，甚至有许多人认为这位“戴珍珠耳环的少女”应该是维米尔的女儿玛丽亚，但整部电影将那个时代的荷兰生活与艺术交易市场，描绘地十分深刻，并且融入了许多维米尔作品的元素：像是明亮而温柔的色彩，平淡却隽永的叙事方式。维米尔《读信的蓝衣女孩》除了《戴珍珠耳环的少女》，还有另一件也是根据维米尔画作改编的小说《穿风信子蓝的少女》（Girl inHyacinth Blue），一位艺术家的作品围绕许多由此衍生的想象，可以很好地说明其作品是多么令人着迷与好奇了。维米尔是荷兰的代尔夫特人（Delft），是一位奇特的艺术家，他慢工出细活，一生所完成的画作并不多，流传下来的，甚至不超过36幅。艺术家本人甚至可以说很“宅”，在他画作中经常表现的题材，几乎都是居家房内的场景：一位简朴的人物独自从事着简单的工作，例如说正在倒牛奶、做家务或是读信，且很多是女性。维米尔对物象的细腻观察，也融入了时代的特色，成为我们了解十七世纪荷兰的重要线索与钥匙。例如，来自中国的瓷器在海上贸易发展后大受欢迎，荷兰也在十六世纪以后受青花瓷影响，开始制造“代尔夫特蓝瓷”。家家户户风靡瓷器，并成为彰显财富和品味的象征。在维米尔的画作中，也能看见配合屋主的品味与审美，作为装饰的瓷器。维米尔《终止演奏的女孩》，桌面上放着当时流行的瓷器此外，维米尔也喜欢使用黄色与蓝色，偏爱用黄白色来显出蓝色的强烈对比。学者普遍认为，维米尔透过当时十分罕见的暗箱手法，来观察物象，辅助绘画，当时荷兰著名的科学家雷文霍克（Antonievan Leeuwenhoek）是维米尔的好朋友，雷文霍克精通光学显微镜透视，维米尔应该是从他那里学到了这项技术。因此在维米尔的作品中，会有超乎一般视觉感受上的变形透视，以及放大的前景，某些物体还会闪耀着奇妙的光点。在维米尔离世以前，庞大的经济压力几乎让他无法负荷，死后一段时间画作也乏人问津，流散各地；他没没无闻，直到十九世纪之后，才受到众人的认可，成为不容忽视的伟大艺术家。但因为作品传世量稀少，维米尔被伪画与仿作者盯上，其中最为知名的伪画案例，就是二十世纪时同为荷兰人的画商兼画家米格伦（Henricus Antonius (Han) van Meegeren）。米格伦利用众人对维米尔画作的求知若渴，一步步编织骗局，欺瞒无数专家学者的眼睛，在真相水落石出后，让众人大跌眼镜。维米尔《代尔夫特风景》和同时代其他荷兰艺术家肃穆严肃、有如史诗的作品不一样，维米尔的画就像是温婉的日记或散文，如同他最为著名、收藏在海牙莫利兹官邸（Mauritshuis, The Hague）的风景画《代尔夫特风景》（View of Delft），在简洁的光线与几何构图中，我们能看到清晨的代尔夫特，天光、水色与倒影，极为巧妙地和谐交融，让这件作品显得细腻、温柔而绵长。维米尔的作品就像是罩在荷兰清晨河岸上的光，缓慢，却如诗如歌。法国作家普鲁斯特（Marcel Proust）在著作《追忆似水年华》里提到这件作品，惊叹道：“第一次在海牙见到《代尔夫特风景》时，我意识到自己看到了世界上最美的画作。” 维米尔《倒牛奶的女仆》普鲁斯特这样诠释维米尔：“他的画，是一个世界的片段，在这些片段中，他将这个世界组合了起来。” 看完了荷兰时期两位齐名的重要艺术家，我们接下来要介绍一位知名雕塑家——贝尼尼。本期节目由“六柿”撰写提供，由“赵亚男”协助播音背景BGM： David Nevue《As the Deer》

7 min
21/05/2018

和艺术一起旅行【21】你们在等的伦勃朗来了~

“和艺术一起旅行”第21期：沉迷于“自拍”的伦勃朗在我们进入荷兰黄金时期的社会背景，以及当时买卖画作方式的初步了解以后，首先就要来认识一位重要的艺术家。伦勃朗自画像伦勃朗（Rembrandt）是在这种艺术买卖下最有代表性的案例。他出生在富裕的家庭，早早显露出过人的天赋，并受到画商的赏识，为阿姆斯特丹的资产阶级绘制肖像画。伦勃朗因此受到欢迎与敬重，甚至开班授课。但是在志得意满后，他却遭遇妻子病逝，画作卖不出去、债务缠生的窘境，最后隐居在阿姆斯特丹的犹太区中，从往来无白丁，到只与贫民结交，最后于穷困潦倒、贫病交迫下度过晚年。这就是荷兰十七世纪最为重要的艺术家，伦勃朗的一生，他年少成名，却半生潦倒；虽然声名赫赫，最终却无法维持自己生计……或许也因为尝尽大起大落，他比当时代的其他艺术家，更能对人性感同身受。伦勃朗的作品之所以动人，也是因为当中透出的真实性，从荣耀自负，到带着焦虑的询问、反抗和悲剧性的孤独，画家都在创作中，反映出了他自己。荷兰人称他为荷兰最伟大的艺术家，他用画笔记录下人性与人生。人们更赞誉他为“光影魔术师”或是“炼金术士”，因为他擅长使用光与影，在画面中形成强烈对比的明暗对照法。伦勃朗《夜巡》在伦勃朗最为重要的一件作品《夜巡》（NightWatch）中，即可看见这种明暗对照展现出来的张力。这件作品完成于他的转型时期，可以说是伦勃朗的代表作。画作描述一个发生于1642年的事件，柯克上尉指挥的民兵连，正在欢庆法王亨利四世的遗孀玛丽皇后访问阿姆斯特丹的场面。作品原本的名称其实不叫“夜巡”，是因为过去放置的位置不佳，导致长期的烟熏使画面变黑，甚至遭到了无法补救的裁切，让人以为这件作品描绘的时间是夜晚。直到20世纪，这件作品被重新修复，找回原先的色调，大家才发现，原来的画面描绘的竟然是白天的光线，但“夜巡”这个误称，还是被保留了下来。虽然现在我们把这幅作品看作杰作，但是伦勃朗在画出《夜巡》之后，委托者其实很不满意。根据当时的肖像画传统，这些出场的人物应该要有明确的身分与位置，但是在这件作品里，这些特征都显得不清不楚。可见艺术家对画面精心的处理与安排，并不被当时的人们所欣赏。而这件作品，仿佛也为当时意气风发的伦勃朗，敲响了一记警钟，在此之后，伦勃朗的富裕急转而下，生活顿失所依，陷入负债累累的窘迫之中。伦勃朗《犹太新娘》除了油画以外，伦勃朗还与我们前几期介绍过的杜勒一样，是一位技巧高超的版画家，他的版画作品，几乎与他的油画作品等量齐观。然而伦勃朗使用的，不是过去常见的木刻或是铜板雕刻，而是使用一种更自由、更快速的蚀刻版画技法（etching）。蚀刻版画的做法，不必费神费力在版面上刮擦出痕迹，只要在金属板上先上一层防护用的蜡，在直接用针在蜡上头作画，被针划开的地方蜡会被刮除，露出底部的金属版，最后将整块版浸泡到具有腐蚀性的酸液之中，酸液便会侵蚀露出来的金属版，在版面上形成线条。透过这种方便快速的蚀刻版画，伦勃朗所擅长的光影变化，也能更为完美的展现出来。一件在1652年完成的时刻版画《基督传道》，可以看出里头的强烈的光影明暗变化。这件作品将各形各色的人们，或站或坐听从基督传道的姿态表达出来，与许多圣经题材刻意彰显信仰之力的方式不同，这个场景甚至不是美丽的、充满神性的，听众有些正在沉思，有些面容憔悴，甚至散发着呆滞或疲惫，整个画面就像一幕真实发生过的历史场景。伦勃朗《基督传道》但这样的真挚却超过于美的诠释，基督在讲道时的对象，就是这些饱经风霜、饥饿与贫穷的人民，他们在困惑与贫穷的生活中，需要心灵的依托与带领，重拾对抗世间苦难的勇气。伦勃朗与卡拉瓦乔一样关注真实的一面，对象是这些贫穷、饥饿及悲伤的平民百姓。制作这件作品时的伦勃朗，已经由过去奢华的生活转为负债累累，他曾居住在犹太区，仔细研究过犹太人的外貌与穿着，并融进圣经故事的描绘中。这样描绘方式也像是他与自己的对话，而艺术就是他的心灵依托，不论富与贵，他始终不停止创作，这是他对抗世间一切的勇气。伦勃朗后期的作品，创作手法更为大器，也更为真实显露人的“心灵活动”，这似乎是伦勃朗独有的高超手法，使他有别于同时代制作宗教故事与肖像画的画家。我们对于伦勃朗的认识，还有他笔下数量庞大的自画像，在他同时代的艺术家中，没有一位像他一样，如此热衷于绘制自画像。许多人认为，伦勃朗热爱自画像，也与他对于人性本质强烈的兴趣有关。用当代AI学习技术建立的大数据所制作的《我是伦勃朗》他对自画像的执着，甚至引起了当今一支荷兰科学研究团队的兴趣，这支团队用AI深度学习与3D打印的技术，成功打造出一幅“伦勃朗的新作”。团队根据伦勃朗三百多幅的画作创建出数据库，花了一年半的时间，制作出一幅有着伦勃朗风格的男性肖像画，仿佛伦勃朗复活画出这件作品一样。大师即使离去数百年，影响力依旧非凡，甚至启发了现代科技的成就，这也是一种艺术无边的魅力。或许不断挖掘人性与追求戏剧效果，是伦勃朗逐渐淡出黄金时代荷兰艺术圈的主因，对于当时实事求是、理性稳重的荷兰人说，他的画作所承载的力量与情感太“超过”了，与许多巴洛克时代的艺术家一样，在19世纪左右，伦勃朗才重回他应有的价值与名声，才为我们今日望之弥坚的大师，《夜巡》甚至成为阿姆斯特丹国立博物馆的镇馆之宝。伦勃朗死时只留下一些旧衣服与绘画用具，如今作品却被放在博物馆瞻仰，或是在拍卖场拍出惊人天价，甚至有价无市。尝尽风月却也见过悲苦的伦勃朗，或许会觉得人生就跟艺术市场一样无常又无奈吧！下一期，我们要来见一位同样独特，却稍晚于伦勃朗的荷兰黄金时代艺术家──维米尔。本期节目由“六柿”撰写提供，由“赵亚男”协助播音背景BGM： David Nevue《As the Deer》

8 min

用最简单的小事，听最有趣的艺术！走走看看、听听写写，发现了吗？艺术的光芒，就在那些小小的故事里。

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