Punto Muerto

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“Punto Muerto” es un programa musical emitido por Radio Belcha los Lunes a las 22:00. También pueden seguirnos en la cuenta de Twitter @PuntoMuertoRock 💀

  1. Bruce Springsteen - Born In The USA Tour 84:85

    4 DAYS AGO

    Bruce Springsteen - Born In The USA Tour 84:85

    A las 11 de la noche del 2 de octubre de 1985, al final de una aventura de cuatro noches en el Memorial Coliseum de Los Ángeles, Bruce Springsteen dio por terminada una de las giras de rock más rentables de la década. Con una duración de 15 meses, 156 conciertos y 14 países visitados, terminaba la gira Born in the USA, que se presentó ante más de 5,3 millones de personas en arenas y estadios en los que no quedó ni una sola entrada sin vender. Con una recaudación 80 millones de dólares (o 235 millones de dólares si se ajusta por la inflación a día de hoy), fue el circo ambulante más rentable de su época. Sin embargo, a diferencia de los artistas reinantes de la época, el hijo de New Jersey de 36 años no era una estrella del pop por naturaleza. Más bien era un rockero. Incluso con su configuración de color al máximo, parecía extraño comparado con el brillante materialismo de los años ochenta. Respaldado por la gran E Street Band, en el escenario de Los Ángeles, Springsteen habló en nombre de las organizaciones de ayuda que trabajan para los desempleados y de los peligros de los negocios en manos gubernamentales en Centroamérica. Igualmente, algunos de sus mayores éxitos fueron por un lado completamente diferente, yendo hacia lo más profundamente personal. “Por la noche, me despierto con las sábanas empapadas y un tren de carga pasando por medio de mi cabeza”, cantó en “I’m On Fire”, uno de los muchos singles extraídos del álbum Born in the USA. - Tal como algunos lo siguen haciendo ahora, allá por 1985, la clase trabajadora consideraba a Bruce Springsteen como su representante en la canción. “El Jefe significa Estados Unidos”, dijo un asistente al Coliseum al periódico Los Angeles Times. “Él no representa a los ricos ni a los lindos, ni a [Los Ángeles] ni a New York, sino a las otras personas, la gente común, la gente intermedia. Cuando canta, canta sobre el amor, Estados Unidos y el trabajo. Cuando está en el escenario, está ahí para todos, incluso para la gente de la última fila. Él no es condescendiente. Soy barman y él es el tipo de persona con el que puedes sentarte y tomar una cerveza”. Nacer en Estados Unidos, mientras tanto, también ofrecía una posibilidad de esperanza. “Me quitaré el mundo de encima”, prometió el narrador del exitoso sencillo inicial Dancing In The Dark. Al entrar en el ritmo de la época, la canción estuvo acompañada de un video musical transmitido por MTV con el tipo de ubicuidad normalmente reservado para Madonna. Dirigido por Brian De Palma, el clip del concierto termina con Springsteen en el escenario bailando con una joven Courtney Cox. Como si confirmara sus credenciales convencionales, Alfonso Ribeiro reveló más tarde que los movimientos de Cox sirvieron de inspiración para el baile de “Carlton", amado por su personaje en El príncipe de Bel-Air. - Sin embargo, el punto de partida de todo esto estaba muy alejado de los directores de cine de Hollywood y las comedias de risas enlatadas. En 1981, mientras Bruce Springsteen estaba reuniendo el material para Nebraska, escribió siete canciones más que formarían la columna vertebral de su sucesor de alto perfil. Los oyentes que puedan haber sido engañados por los videos musicales de las estrellas del pop o la foto de colores brillantes de Annie Leibovitz en la portada del álbum, podrían tener en cuenta que al menos una de estas composiciones confirmaría que las diferencias entre los dos LP eran más de presentación que sustantivas. Con los pies sobre la mesa de café en su casa en Colts Neck, New Jersey, el proceso comenzó con Springsteen reflexionando sobre un trabajo en progreso inspirado en parte por un guión que le envió el escritor Paul Schrader. Escogiendo acordes de su guitarra acústica Gibson J200, luego giró la cabeza hacia unas cuantas líneas garabateadas en un cuaderno sobre la difícil situación de los veteranos que regresaban de

    1h 3m
  2. Portishead - Dummy

    5 DAYS AGO

    Portishead - Dummy

    Siendo un auténtico álbum debut, sólo precedido por dos singles, Dummy tuvo un gran impacto. Para un trío de Bristol que recién comenzaba como banda, Portishead logró algo milagroso. La voz única de Beth Gibbons es convincente y delicada, con un tono perfecto a pesar de apenas tener experiencia real en el canto antes de grabar el álbum ganador del Premio Mercury. Los riffs de guitarra de Adrian Utley se fusionan con la producción pesimista y con muchos samples y capas de sonido de Geoff Barrow. Cada arreglo es único pero de alguna manera es un complemento perfecto para los demás. Surgiendo de la escena musical de Bristol a principios de los 90, el improbable trío creó un sonido arraigado en un collage de álbumes subestimados, encontrando una nueva vida a través de este estilo incipiente. Dicho eso, la historia no ha sido amable con el trip hop. El legado del álbum como música omnipresente de cafetería no le hace ningún favor al bajo influenciado por el dub que hace temblar la habitación en temas como “Strangers” o “Wandering Star”. Una banda cuyo mal humor se habría sentido como en casa con Joy Division o Cocteau Twins, su desesperación ha sido durante mucho tiempo malinterpretada como música de fondo. - La producción del álbum utiliza una serie de técnicas de hip hop, como samples, scratching y creación de loops (es decir, bucles musicales). El álbum no fue grabado digitalmente, si bien tomaron muestras de música de otros discos, pero también grabaron su propia música original, que luego se grabó en discos de vinilo antes de manipularlos en platinas para samplearlos. Para crear un sonido vintage, Barrow dijo que desgastaron los discos de vinilo que habían grabado "colocándolos en el piso del estudio, caminando sobre ellos y usándolos como patinetas", y también grabaron el sonido a través de un amplificador roto. Para la canción "Sour Times", el álbum usa "The Danube Incident" de Lalo Schifrin y "Spin It Jig" de Smokey Brooks; para "Strangers", "Elegant People" de Weather Report; para "Wandering Star", "Magic Mountain" de War; para "Biscuit", "I'll Never Fall in Love Again" de Johnnie Ray; y para "Glory Box", "Ike's Rap II" de Isaac Hayes. Dummy se lanzó en agosto de 1994 y ayudó a cimentar la reputación de Bristol como la capital mundial del trip hop, un género incipiente al que a menudo se hacía referencia simplemente como "el sonido de Bristol". La portada del álbum es una imagen de la vocalista Beth Gibbons tomada de To Kill a Dead Man, el cortometraje que creó el grupo, cuya banda sonora compuesta por ella misma le valió a la Portishead su contrato discográfico. - El contraste del que hablábamos, la banda sonora sexy contra la poesía solitaria, siempre está en juego en Dummy. Es un álbum que se disfruta tanto que las letras sombrías y opacas a menudo se pasan por alto. La apasionante emoción de su sonido parece anular sentimientos como: "¿Quién soy yo, qué y por qué / Porque todo lo que me queda son mis recuerdos de ayer / Oh, estos tiempos amargos". “Sour Times” tiene un gancho enorme, que la mayoría de nosotros sin darnos cuenta, usaríamos sin dudar para "crear el ambiente" en una determinada situación. - Si bien Dummy es un álbum electrónico mezclado por expertos en la materia, Barrow es mucho más un discípulo del hip-hop que de la próspera escena rave británica de 1994. “Wandering Star” tiene los golpes sombríos ​​y pesados ​​del bajo y el scratching distintivo de los raperos minimalistas de los 80, como Eric B. y Rakim, pero con el melodioso arrullo de Gibbons que te canta "la oscuridad, la negrura, para siempre". “Numb” es otra oda a la desesperanza, ambientada en escasos ritmos de hip-hop. Gibbons se lamenta, “pero esta soledad / simplemente no me dejará en paz ”, un sentimiento que generalmente se encuentra a kilómetros de distancia de las voces características interpretadas en temas de e

    59 min
  3. Aerosmith - Pump

    15 SEPT

    Aerosmith - Pump

    En algún momento de los primeros meses del año 1990, salí caminando de casa hasta una disquería (El Palacio de la Música de 18 y Paraguay), sabiendo que quería cassettes de dos artistas: Guns N' Roses y Aerosmith. No tenía ningún detalle más allá de eso. Simplemente sabía que disfrutaba de Guns N' Roses, que escuchaba en mi walkman durante el recorrido (más precisamente el Appetite For Destruction) y sabía por entrevistas que Guns N' Roses amaba a Aerosmith. Fui a la zona donde Appetite for Destruction todavía tenía un hogar, a pesar de que había estado disponible ya por años, y ya tenía su segundo álbum Lies. Luego fui al sector de la letra A, donde vi el álbum Pump, con su portada mostrando un camión montado en la parte trasera de un camión más grande. No entendía las imágenes sexuales (y todavía no lo entiendo), pero en ese momento había escuchado y me había gustado "Love in an Elevator", así que tomé el cassette, sin molestarme en profundizar más en el catálogo de Aerosmith. Pasé los siguientes cuatro años escuchando ambos álbumes yendo y viniendo del liceo. Ése es el legado de Pump: su estatus como uno de los grandes álbumes de hard rock de los años 1980 y 1990. Seguro que Guns N' Roses fueron influenciados por Aerosmith. Abrieron para Aerosmith en la gira Permanent Vacation (1987) y compartieron sello discográfico (Geffen), pero Aerosmith también estaba prestando atención a Guns N' Roses y a la industria musical en su conjunto. Sabían que la supervivencia a largo plazo requería una actualización de su sonido que ya estaba funcionando en otras partes. El sonido funciona porque Aerosmith, en esencia, se estaba influenciando a sí mismo. La calidad de Pump es sorprendente. Ellos estaban bastante avanzados en su carrera y no muchas bandas obtienen un segundo aire como Pump. E incluso si contamos el renacimiento de la banda con el regreso de los guitarristas Joe Perry y Brad Whitford en 1984, Pump todavía está en lo más profundo de su catálogo. No fue un álbum de regreso. Era más bien una declaración de “todavía estamos juntos”. - Aerosmith se descarriló en 1979, cuando el guitarrista principal Joe Perry dejó la banda. Whitford se fue un par de años después, dejando al grupo a la deriva. Ambos regresaron a la banda a mediados de los 80 para algunos álbumes en vivo y el disco Done with Mirrors (1985). Todos se pusieron sobrios y la banda hizo Permanent Vacation, lo que se consideró su gran regreso. El álbum fue un éxito y dio lugar a Pump, uno de sus álbumes más vendidos. También se habla mucho de cómo el renacimiento de Aerosmith los implicó trabajar con compositores externos. Y Pump tiene algunas canciones geniales, pero no es lo único que lo convierte en un álbum tan sorprendente. La energía del disco es igualmente importante. La voz del cantante Steven Tyler es positiva y maravillosamente irregular. Tyler puede ser un líder frustrante. Es un cantante de rock más que capaz, pero entre sus bufandas, sus trajes ceñidos y su patológico complejo de Mick Jagger, puede degenerar fácilmente en la sátira. Sin embargo, en Pump está tan sobrio y concentrado como puede hacerlo, cantando con desesperación, como si estuviera tratando de ganarse a una multitud hostil en un bar pequeño. La banda parece seguir el ejemplo de Tyler, manteniendo su cabeza colectiva gacha y repasando las canciones con fuego interno. - El álbum comienza con "Young Lust", coescrita por Tyler y Perry con el compositor externo Jim Vallance, está impulsada por un ritmo de batería maníaco de Joey Kramer y la voz de Tyler, que canta con gritos melódicos espectaculares. Hay toques de guitarra slide y armónica, pero esta pista de blues es implacablemente agresiva, como un automóvil sin frenos que se precipita cuesta abajo por una colina empinada. Esto indica inmediatamente que este no es el mismo Aerosmith que se recuerda en las cintas de ocho pistas. Ahí e

    1h 1m
  4. Talking Heads - Stop Making Sense

    14 SEPT

    Talking Heads - Stop Making Sense

    Lanzado hace 40 años, Stop Making Sense de Talking Heads es uno de los mejores álbumes en vivo de todos los tiempos. Por otro lado, también es la banda sonora de una película del mismo nombre, lo que la convierte en una de las mejores bandas sonoras de una de las mejores películas de conciertos de la historia. Lo que significa que me enfrento al desafío de rendir un homenaje adecuado al álbum en sí, que es lo que hacemos aquí en Punto Muerto, en lugar de quedar atrapado y convertir esto en un homenaje solamente a la película. Lo que hace esto aún más difícil es que la banda sonora y la película están lógicamente fuertemente vinculadas. Entonces, si bien voy a tratar de concentrarme en celebrar la calidad increíble y atemporal del álbum Stop Making Sense, me disculparán si dedico algo de tiempo a hablar sobre la calidad increíble y eterna de la película Stop Making Sense. Los Talking Heads fueron realmente impresionantes y atemporales. Etiquetados como una banda New Wave o Art Rock, se unieron mientras asistían a la Escuela de Diseño de Rhode Islan. Compuesto por David Byrne (voz principal y guitarra), Tina Weymouth (bajo), Chris Frantz (batería) y Jerry Harrison (teclados y guitarra), el grupo comenzó a lanzar álbumes a finales de los años 1970. A mediados de la década de 1980, habían obtenido una buena cantidad de éxito y reconocimiento, y pudieron realizar una gira por los EEUU muy innovadora. Años antes de que la gente comenzara a describir las conciertos como “experiencias multimedia”, Talking Heads estaba a la vanguardia cuando se trataba de montar un espectáculo complejo que presentaba muchas partes móviles, además del grupo que tocaba muy buena música. La discusión sobre la banda sonora de Stop Making Sense también es un poco complicada porque hay varias versiones del álbum. Y no todas las versiones fueron creadas de la misma forma. La primera versión disponible comercialmente no dio del todo en el blanco: tiene solo ocho canciones, presenta versiones editadas/acortadas y está secuenciada fuera de orden. El último de esos tres errores es especialmente atroz, considerando que el espectáculo escénico está estructurado de manera meticulosa; por lo que saltearse el orden natural frustra el propósito. Afortunadamente, el álbum fue reeditado en 1999, con las canciones en el orden correcto tal como aparecen en la película, lo que lo convierte esencialmente en una versión en audio de la misma. Este tributo refleja esencialmente esa versión de la banda sonora, que se reeditó nuevamente en 2023, para celebrar 40 aniversario y la restauración de la película. Todas las canciones están remasterizadas y el álbum incluye dos temas que no aparecieron en la versión teatral de la película. La película Stop Making Sense se centra únicamente en la actuación de Talking Heads en el escenario. El director Jonathan Demme filmó cuatro de los shows del grupo en diciembre en el Hollywood Pantages Theatre y mantuvo toda la acción en el escenario. No hay imágenes de entrevistas con el grupo ni de nadie más. De hecho, apenas hay tomas del público. - Talking Heads estaban de gira para promocionar su álbum Speaking in Tongues (1983), lanzado apenas seis meses antes. Esto se refleja en el setlist del show, que incluye dos tercios del álbum. Speaking in Tongues fue el lanzamiento más exitoso y de mayor acceso comercial del grupo, ampliando su atractivo para la generación MTV. Los Talking Heads son conocidos por su estilo musical ecléctico que se basa en una amplia variedad de géneros, pero a lo largo de Stop Making Sense se apegan principalmente a su material más influenciado por el rock y el soul/funk. Suena muy bien, ya que dan nueva vida tanto a los temas establecidos como a los nuevos (en ese momento, claro está). Junto con la formación principal, el grupo incorporó varios colaboradores dentro de las sesiones de grabación de Speaking In Tongues pa

    58 min
  5. Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota - Montevideo 2001

    13 SEPT

    Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota - Montevideo 2001

    Los Redondos tocan el 22 de abril en Uruguay Encontrar lugares para tocar viene siendo un problema para los Redonditos de Ricota. A una semana de que Poli anunciara que tocarían el 3 y 4 de mayo en River "si la comuna porteña lo autoriza", la manager confirmó a Clarín que Patricio Rey decidió cruzar el Río de la Plata. "Ya está abrochado. El recital se hace el domingo 22 de abril en el estadio Centenario de Montevideo. Es una alegría para nosotros. Nos encanta Uruguay y, además, Momo Sampler está inspirado en los carnavales y en la murga uruguaya", dijo Poli. El escenario estará dispuesto frente a la tribuna Olímpica del estadio, lo que reducirá su capacidad de más de 50.000 espectadores a 20.000. El miércoles 18 hay una fecha de fútbol uruguayo: esa misma noche, apenas terminado el partido, se comenzará a armar el escenario de 32 metros de ancho. Poli encuentra una ventaja extra para este recital, que tiene que ver con la seguridad. "El tema de tener que salir del país implica que los menores viajen con autorización de los padres y que todos deban mostrar documentos. Creo que va a ser un control interesante: va a desalentar a esa gente que tiene intenciones violentas y no de escuchar en paz un recital de rock and roll". La organización del megaevento corresponde a Radio El Espectador, una emisora que siempre tuvo buenas relaciones con la banda. Los Redondos ya habían actuado en Montevideo en 1991 (en el estadio Peñarol) y en 1992 (en el Teatro de Verano y en el bar de jazz La Esquina). Tienen allí una legión de seguidores que no es masiva pero sí fanática. La masividad seguramente será aportada desde este lado del charco. El lunes se ponen en venta las entradas en la disquería Suite (Cabildo 1917) y en el sitio de internet www.forolatino.com. Nota del diario argentino Clarín anunciando el show de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota del 22 de Abril del 2001. - 20 años de 'Momo sampler': cómo fue la presentación del último disco de los Redondos en Uruguay Una nota de Claudio Kleiman para el diario argentino La Nación. Sería el principio del fin, pero en ese momento nadie lo sabía. Lo que sí está claro, y más aún con la perspectiva de los 20 años transcurridos, es que Momo sampler representaba una divisoria de aguas. Si bien en ese momento no podía saberse si el disco era una "actualización doctrinaria" del sonido y la estética redonda de cara al nuevo siglo o el cierre de una etapa, hay en sus canciones cierto aire crepuscular. Y esto iba a quedar de manifiesto durante los shows con los que la banda estrenó el disco, en el estadio Centenario de Montevideo, Uruguay, el 22 y 23 de abril de 2001. Los himnos triunfales de banderas al viento y baile colectivo quedan delimitados a los comienzos (de la primera y la segunda parte), el final y los bises, cuando emergen los clásicos y las huestes dan rienda suelta a los cánticos. En los demás, predomina cierto tono oscuro, ominoso, que el público absorbe con respeto, curiosidad, e incluso entusiasmo, pero sin festividad. Aunque por entonces las cosas no estaban tan claras, y lo que primaba era el júbilo por la celebración de una nueva "misa ricotera". La banda estaba orgullosa de mostrar un flamante trabajo, y lo hacía saber con la audacia que los caracterizaba: interpretando el disco en su totalidad (¡11 canciones!), un gesto inusual para un show de estadios. El folclore ricotero estuvo presente en toda su magnitud. Las bandas llegaron desde todos los lugares de Argentina y por todos los medios posibles, incluyendo el Buquebús, la lancha a Carmelo con ómnibus posterior, autos particulares, combis y micros fletados especialmente. A esto hay que sumarle la gran cantidad de público local, algunos muy jóvenes, que habían crecido escuchando sobre la leyenda redonda y no se iban a perder la oportunidad de experimentarla en carne y hueso. Por eso el Indio, cuya relación con Uruguay había ido creciendo durante esos

    1h 2m
  6. U2 - Zoo TV Live In Dublin

    5 SEPT

    U2 - Zoo TV Live In Dublin

    El Zoo TV Tour fue una gira mundial de conciertos de la banda de rock irlandesa U2. Organizada en apoyo de su álbum de 1991, Achtung Baby, la gira visitó arenas y estadios de 1992 a 1993 y su objetivo era reflejar la nueva dirección musical del grupo en ese disco. En contraste con las austeras configuraciones escénicas de U2 en giras anteriores, el Zoo TV Tour fue un espectáculo multimedia revolucionario, satirizando la televisión y la sobresaturación de los medios al intentar inculcar una "sobrecarga sensorial" en su audiencia. Para escapar de su reputación de ser rectos y demasiado serios, U2 adoptó una imagen más irónica y autocrítica durante la gira. Hasta si se quiere más alegre. Zoo TV y Achtung Baby fueron fundamentales para la reinvención del grupo en la década de 1990. - El concepto de la gira se inspiró en la programación televisiva de la época, la cobertura de la Guerra del Golfo y el efecto desensibilizante de los medios de comunicación como el recién estrenado canal de noticias CNN. Los escenarios presentaban docenas de grandes pantallas de video que mostraban efectos visuales, videoclips y frases de texto parpadeantes, junto con un sistema de iluminación fabricado parcialmente con automóviles Trabant, fabricados en la República Democrática Alemana. Los shows incorporaron zapping de canales de TV, llamadas de broma, confesionarios en vídeo, una odalizca bailando la danza del vientre y hasta en un momento transmisiones vía satélite en vivo con Sarajevo devastada por la guerra. En el escenario, Bono interpretó a varios personajes o alter egos que concibió específicamente para la gira, incluido el ególatra vestido de cuero "The Fly", el codicioso televangelista "Mirror Ball Man" y el diabólico "Mr MacPhisto". A diferencia de otras giras de U2, cada uno de los shows de Zoo TV abrió con seis a ocho canciones nuevas consecutivas antes de que se tocara material más antiguo. La gira, que constó de cinco legs y 157 shows, comenzó en Lakeland, Florida, el 29 de febrero de 1992 y finalizó en Tokio, Japón, el 10 de diciembre de 1993. La gira alternó entre América del Norte y Europa durante los primeros cuatro legs antes de visitar Oceanía y Japón. Después de dos legs en arenas, la producción del programa se amplió a los estadios para los tres legs finales, que se denominaron "Outside Broadcast", "Zooropa" y "Zoomerang/New Zooland", respectivamente. Aunque la gira provocó diversas reacciones por parte de los críticos musicales, en general fue excelentemente bien recibida. Fue la gira norteamericana más taquillera de 1992 y en total vendió alrededor de 5,3 millones de entradas y recaudó 151 millones de dólares. El álbum de 1993 de la banda, Zooropa, se grabó durante una pausa en la gira y amplió sus temas sobre los medios de comunicación en vivo. La gira fue representada en la película del concierto de 1994, ganadora del premio Grammy, Zoo TV: Live from Sydney. Y los críticos consideran el Zoo TV Tour como una de las giras más memorables y revolucionarias de la historia del rock. Tan es así, que en 2002 Tom Doyle de la revista Q la llamó "la gira de rock más espectacular hecha por cualquier banda". - “Zoo TV Live in Dublin” es un EP de U2 que contiene temas de sus dos shows realizados en Dublín en la gira Zoo TV en 1993. El EP se anunció el 25 de julio de 2024, aunque desde principios de mayo se rumoreaba su edición. El EP se lanzó en vinilo amarillo (de 12 pulgadas), CD y formato digital, incluida una mezcla Dolby Atmos de las pistas. El disco de 12 pulgadas y el CD se lanzaron en Universal Music Recordings y por supuesto están disponibles en todo el mundo. El vinilo incluye “Zoo Station”, “Mysterious Ways” y “Tryin’ to Throw Your Arms Around the World” en la cara A del disco color amarillo neón, con cara B incluyendo las canciones “Stay (Faraway, So Close!)” y “Love is Blindness”. En Japón también

    60 min
  7. The Rolling Stones - Steel Wheels

    5 SEPT

    The Rolling Stones - Steel Wheels

    En los años 80, los fans de los Rolling Stones se habían acostumbrado a la turbulencia que rodeaba a la banda. Las consecuencias del álbum de 1986 del grupo, Dirty Work, fueron tan tóxicas que, durante un breve período, pareció que nunca encontrarían el camino de regreso. Entre 1986 y 1988, los Stones estuvieron efectivamente en pausa mientras el núcleo creativo de la banda, Mick Jagger y Keith Richards, lanzaban discos en solitario e intercambiaban críticas en la prensa. Dicho eso, si bien fue necesario mediar un poco, sus diferencias finalmente fueron superadas por el poder de su larga asociación y (si se quiere) amistad. El 29 de agosto de 1989, llegó la prueba en forma de su álbum número 21 en los Estados Unidos, titulado Steel Wheels. "Hemos estado juntos durante años y una de las consecuencias de la ruptura fue darnos cuenta de que estábamos unidos, nos gustara o no", se rió Richards más tarde. "Me gusta que toque el arpa, hombre. Y me gusta ver su trasero frente a mí cuando toco la guitarra, haciendo sus cosas. Me gustan de él todas las cosas que probablemente odia de sí mismo". Jagger estuvo de acuerdo: "Como lo hemos estado haciendo durante tanto tiempo, realmente no tenemos que discutirlo. Cuando se nos ocurre un lick, un riff o un estribillo, ya sabemos si está bien o mal" - Jagger y Richards probaron el terreno en Barbados y se reunieron para intentar componer juntos a principios de 1988. Como descubrieron rápidamente, el tiempo libre no había diluido su química creativa. En poco tiempo, habían producido docenas de canciones nuevas. "Acabamos de empezar. Y en dos días, nos dimos cuenta de que teníamos cinco o seis canciones en marcha", recordó Richards más tarde. "Tuve que llevar a Mick a algunas discotecas, que no son mis lugares favoritos en el mundo, porque a Mick le gusta salir y bailar por la noche. Así que lo hice. Ese fue mi sacrificio. Le seguí la corriente. Y fue entonces cuando supe que podíamos trabajar juntos". Incluso después de terminar Steel Wheels, Jagger sostuvo que las carreras en solitario de los distintos miembros eran esenciales para la supervivencia de los Rolling Stones, si bien según todas las apariencias, él necesitaba esa salida, esa especie de escape, más que nadie. - "Si Keith hubiera vendido como lo hace Michael Jackson, aún así habría regresado a los Stones. Lo habría dejado todo para volver", insistió el guitarrista Ron Wood, cuyos esfuerzos como intermediario entre los compositores en disputa fueron esenciales por ayudar a sanar la brecha entre ellos. "Lo que me sorprendió fue que Mick no vendiera tanto”, añadió. "Eso probablemente también lo sorprendió, y tal vez le hizo darse cuenta de la fuerza de la banda, pero una vez que él y Keith pasaron algún tiempo juntos en Barbados, se dieron cuenta de que la amistad era más larga y más fuerte que cualquier comentario en un periódico o una revista". Después de incursionar con el productor Steve Lillywhite para el desparejo álbum (siendo benévolo) Dirty Work, la banda se reunió con su socio Chris Kimsey para coproducir Steel Wheels. Después de haber trabajado como ingeniero en Sticky Fingers y Some Girls, Kimsey conocía bien los puntos fuertes del grupo y ayudó a encaminarlos hacia lo que equivalía a un disco orientado a las raíces: grabado limpiamente y con algunos toques modernos, pero claramente un trabajo de los Rolling Stones. "Lo que preocupa a la mayoría de la gente hoy en día no es el ritmo en sí, sino el sonido de lo que crea el ritmo. Tienen estos juguetes nuevos, cosas que se estrellan y hacen wooo-wooo, y lo que realmente falta es ritmo”, se quejaba Richards después del lanzamiento de Steel Wheels, explicando su enfoque para hacer música a finales de los 80. "Toda esta mierda no me seduce. Es como una gran tienda en este momento y nadie puede salir de la sección de juguetes". - Un lugar de Steel Wheels encontró a la banda ejerciend

    1h 1m
  8. Iron Maiden - Powerslave

    30 AUG

    Iron Maiden - Powerslave

    La comunidad del heavy metal ya estaba presa de la fiebre de Iron Maiden cuando la banda lanzó su quinto álbum de estudio, Powerslave, el 3 de setiembre de 1984. Desde The Number of the Beast de 1982, Maiden demostró ser una de las bandas más emocionantes e inteligentes que surgieron de la Nueva Ola del Heavy Metal británico. Cuando lanzaron Powerslave, su mascota Eddie the Head era casi tan conocida entre los fans como los propios músicos, y la banda aprovechó al máximo el afecto de su público por Eddie, adornando la figura zombie con un tocado egipcio que recuerda al Rey Tut y presentando su imagen de dibujos animados en el arte de los sencillos “2 Minutes To Midnight” y “Aces High”. Powerslave se destaca como el primer álbum de la banda que cuenta con la misma integración que su anterior lanzamiento de estudio. De hecho, esta alineación permanecería intacta para dos lanzamientos de estudio más. También es su último álbum hasta la fecha que incluye una pieza instrumental, y el único hasta Senjutsu (2021) en el que el miembro y guitarrista Dave Murray no tiene ningún crédito de composición. - Lo que realmente hizo de Powerslave un lanzamiento magistral fue el trabajo del bajista y compositor Steve Harris, quien escribió cuatro de las ocho canciones, incluida la majestuosa “Rime of the Ancient Mariner”, una canción de casi 14 minutos de duración inspirada en el épic0 poema del mismo nombre de Samuel Taylor Coleridge. La canción presentaba numerosos movimientos y citaba varias líneas del poema original, entre ellas: “Agua, agua por todas partes y todas las tablas se encogieron/ Agua, agua por todas partes ni una gota para beber”. “Rime of the Ancient Mariner” fue el tema más largo de Maiden durante muchos años hasta que la banda lanzó la canción de 18 minutos “Empire of the Clouds” en su álbum de 2015 The Book of Souls. - Para el álbum, Harris escribió canciones sobre una variedad de temas: la mitología del antiguo Egipto (“Powerslave”), los pilotos de combate de la Segunda Guerra Mundial (“Aces High”), la inutilidad y el sinsentido de tiroteos al estilo occidental (“The Duellists”), el poema de Coleridge antes mencionado (“Rime of the Ancient Mariner”) y la carrera armamentista (“2 Minutes to Midnight”) para brindar a los oyentes una nueva perspectiva de la banda que se extendía mucho más allá de las historias de venganza y lo oculto. Por ejemplo, el título de la canción “2 Minutes to Midnight” hace referencia al Reloj del Juicio Final, el reloj simbólico utilizado por el Bulletin of the Atomic Scientists (Boletín de Científicos Atómicos), que representa una cuenta regresiva para una posible catástrofe global. En septiembre de 1953, el reloj llegó a dos minutos para la medianoche, lo más cerca que estuvo jamás en el siglo XX, cuando Estados Unidos y la Unión Soviética probaron bombas de hidrógeno con nueve meses de diferencia. El reloj atómico, fijado a los 12 minutos para la medianoche en 1972, retrocedió a partir de entonces entre las tensiones entre Estados Unidos y la Unión Soviética, llegando a tres minutos para la medianoche en 1984 (el año en que se lanzó esta canción) y en ese momento la lectura del reloj más peligrosa desde 1953. Según Dickinson, la canción aborda críticamente "el romance de la guerra" en general y no la Guerra Fría en particular. "Steve dice que si vuelve a oír que estamos atrapados en historias sobre Satanás y otras cosas, significará que la gente nunca entenderá a Iron Maiden", agregó el vocalista Bruce Dickinson a la revista Metal Attack en 1984. - Iron Maiden comenzó a trabajar en Powerslave en febrero de 1984 y escribió canciones hasta marzo, cuando ingresaron a Compass Point Studios en Nassau, Bahamas, con el productor Martin Birch. La banda terminó de grabar sus temas en mayo y mezcló el álbum en junio en Electric Lady Studios en la ciudad de New Yor

    59 min

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