Par-Impar

esRadio
  • 4,8 (398)
  • ENTREVISTAS DE CINE
  • SEMANAL

Par Impar son Juanma González y Dani Palacios, que comentan todas las películas, series y otros aspectos de cultura popular que se te puedan ocurrir. Todo con invitados, música, y mucho sentido del humor.

  1. HACE 37 MIN

    'Alas de mariposa' y 'La madre muerta' con Juanma Bajo Ulloa, y el precio de ser independiente en España

    El director de 'Airbag' reivindica la libertad creativa en esRadio frente a la censura ideológica y la uniformidad de las plataformas. En este episodio de esRadio, Juanma González y Dani Palacios reciben al aclamado cineasta vitoriano Juanma Bajo Ulloa en una charla que destila amor por el séptimo arte y una ácida crítica a la deriva ideológica de la industria actual. El programa arranca con una irónica reflexión sobre las subvenciones estatales al cine, evidenciando cómo el sistema imperante premia la docilidad ideológica y los perfiles normativos en detrimento del verdadero talento independiente. Este contexto sirve como marco idóneo para analizar la trayectoria de un director que siempre se ha negado a someter su visión artística a los dictados del poder político y cultural. El motivo principal del encuentro es el lanzamiento por parte de la distribuidora de las cuidadas ediciones en formato Blu-ray de sus dos primeras y laureadas películas, Alas de mariposa y La madre muerta. Bajo Ulloa defiende un cine con alma, concebido como una experiencia terapéutica y personal que busca remover los sentimientos del espectador. El realizador critica duramente la uniformidad del pensamiento único que impera en las producciones contemporáneas de plataformas de streaming como Netflix, las cuales, a su juicio, entregan productos planos y masticados que anulan la capacidad de interpretación del público a través de predecibles manuales de instrucciones morales. La conversación se detiene detalladamente en su último trabajo, El mal, una obra que ha logrado mantenerse en cartelera durante meses en salas independientes como el Pequeño Cine Estudio de Madrid gracias al boca a boca y al empeño de su autor por conectar con la audiencia. El cineasta se muestra implacable al analizar el secuestro de la cultura por parte de la corrección política y las directrices de la Agenda 2030. Denuncia que el actual cine de subvención no busca la belleza ni la catarsis, sino la propaganda y el cumplimiento de cuotas ideológicas que promueven el sectarismo y el victimismo. Esta censura sutil pero implacable ha provocado que incluso el cine familiar se vea colonizado por consignas políticas, privando a las nuevas generaciones de una fantasía en libertad y de historias que desafíen su intelecto en lugar de adormecerlo. Al rememorar el arrollador éxito de Airbag, su película más taquillera, Bajo Ulloa destapa las miserias de una industria que nunca le perdonó aquel triunfo incontestable. Revela que el proyecto pudo salir adelante al margen del sistema tradicional de financiación gracias al mecenazgo de pelotaris y cocineros vascos, lo que le garantizó una absoluta libertad creativa. La respuesta de las élites culturales y la prensa de izquierdas ante este éxito popular fue el vacío y el ninguneo, demostrando que en el panorama cultural se castiga con saña a quien se atreve a triunfar sin pasar por el aro de los comisarios políticos de turno. Fiel a su estilo, el director detalla los elementos que configuran su universo visual, caracterizado por un tono gótico y atemporal donde evita conscientemente la tecnología moderna para construir verdaderas fábulas cinematográficas. Analiza la maestría de su planificación en escenas míticas de La madre muerta, donde el suspense, el humor negro y la sordidez se entrelazan de manera magistral. Reivindica la importancia de la composición formal y el montaje frente a la desidia técnica de las realizaciones actuales, asegurando que cada plano debe poseer una función expresiva única que atrape la mirada del espectador. La entrevista concluye con una interesante comparación entre el cine de Bajo Ulloa y el aclamado cine coreano contemporáneo de directores como Park Chan-wook, creador de Oldboy, destacando la asombrosa afinidad que comparten en el uso del suspense mezclado con la tragedia y el humor salvaje. El broche de oro musical lo pone el videoclip de la canción Problemas de la mítica banda de rock Barricada, dirigido en su día por el propio Bajo Ulloa. En un emotivo tramo final, el cineasta asume con orgullo el elevado peaje de su coherencia artística, prefiriendo la marginación del sistema antes que renunciar a su libertad, recordándonos que el verdadero arte siempre será indomable y ajeno a los dictados de cualquier ingeniería social de corte estatal.

    1 h 23 min

  2. 15 MAY

    Por qué Florentino Pérez es un personaje de cine y La isla de las Tentaciones da para slasher

    En 'Par en Par' sugieren convertir el 'reality' de parejas en género de horror, mientras ensalzan la Zaragoza nocturna filmada en 'Nuestros amantes'. En esta nueva entrega del programa Par en Par en esRadio, los presentadores Juanma González y Dani Palacios arrancan la emisión con una charla distendida sobre sus preferencias culinarias, centrándose especialmente en la receta de la ensaladilla rusa. Entre bromas sobre el uso de pepinillos, alcaparras o apio, los colaboradores establecen un tono cercano antes de sumergirse en la actualidad del sector del cine y las plataformas de streaming. Uno de los puntos cómicos de la conversación surge cuando Juanma González relata su frustración con el sistema de audio de su vehículo. Debido a un error de programación en el software, el equipo reproduce las canciones por orden alfabético cada vez que se pone al volante, lo que le obliga a escuchar sistemáticamente la banda sonora instrumental de Cazafantasmas 2. En concreto, menciona la pieza A Baby Carriage Meets the Traffic, que se ha convertido en la banda sonora involuntaria de sus trayectos diarios. Entrando en materia de ficción, los presentadores analizan la serie Berlín, el spin-off de La Casa de Papel disponible en Netflix. Dani Palacios destaca que le resulta más atractiva que la serie original por su tono cómico y ligero, resaltando la interpretación de Pedro Alonso como un galán rancio y pomposo. Esta atmósfera permite al espectador disfrutar de una trama de atracos menos densa y con un carisma muy particular en sus diálogos. Juanma González aprovecha el espacio para ensalzar la película Nuestros Amantes, dirigida por Miguel Ángel Lamata. El presentador confiesa estar obsesionado con este filme, que ha visionado recientemente en varias ocasiones. Lo que más destaca es la Zaragoza nocturna que captura la cámara, describiéndola como una ciudad hermosa y cinematográfica que sirve de escenario perfecto para una comedia romántica nada convencional, protagonizada por Michelle Jenner y Eduardo Noriega. En un giro creativo, surge la propuesta de transformar el popular reality de parejas La Isla de las Tentaciones en una producción del subgénero de horror slasher. Los colaboradores imaginan cómo la dinámica de fiestas y celos del programa de Telecinco encajaría perfectamente en una película de terror donde un asesino acabara con los concursantes. Mencionan a personajes como Leila y David, sugiriendo que la tensión del formato daría mucho juego en la gran pantalla bajo una óptica siniestra. La conversación también viaja hacia el mundo del manga y el anime con la recomendación de Dandadan. Dani Palacios describe esta obra como una mezcla explosiva de fantasmas, extraterrestres y situaciones picantes, destacando el personaje de la turboabuela, un espíritu que termina habitando en un gato de porcelana. Según los presentadores, es una de las historias más divertidas y originales que se pueden encontrar actualmente en el mercado nipón. El bloque dedicado a Michael Jackson cuenta con la participación de Ana Meijide para analizar el impacto del Rey del Pop. Los contertulios debaten sobre la necesidad de separar al artista del hombre, reconociendo el trauma infantil que marcó su vida y su obsesión por Neverland. Se mencionan álbumes icónicos como Thriller, Bad y Dangerous, subrayando que, a pesar de las controversias, su legado musical sigue siendo uno de los pilares de la cultura popular del siglo XX. Finalmente, el programa aborda la reciente rueda de prensa de Florentino Pérez, presidente del Real Madrid. Los presentadores ven en el mandatario blanco a un personaje digno de cine, destacando su aura de poder y su carisma innegable. Comparan su estilo con el de antiguos presidentes del fútbol español como Joan Gaspart o Jesús Gil, aunque resaltando la distinción y el control que ejerce Florentino. También hubo espacio para la autocrítica deportiva hacia el Atlético de Madrid, señalando que al club rojiblanco se le suele permitir una falta de exigencia que no se ve en otros grandes equipos.

    1 h 27 min

  3. 8 MAY

    'Fin de semana al desnudo' (1974), o la España ardiente que empezaba a asomar la patita

    El podcast de cine de Libertad Digital examina la evolución de la censura y el aperturismo social a través de dos obras que marcaron la historia. En una nueva entrega de Pari Par, el podcast de cine y series de esRadio, los presentadores Juanma González y Dani Palacios cuentan con la participación de la Alicia Parente para desgranar dos joyas de la comedia española dirigidas por Mariano Ozores: Operación Secretaría y Fin de semana al desnudo. El eje central de la conversación gira en torno al fenómeno del landismo y la figura de Alfredo Landa, quien interpreta al carismático Rodolfo Cisneros. Mientras que en la cinta de 1966, Operación Secretaría, la trama se desarrolla en blanco y negro con un tono más contenido, la versión de 1974, Fin de semana al desnudo, se sumerge de lleno en el aperturismo del tardofranquismo, utilizando el color y una mayor carga de tensión sexual para atraer al público de la época. Uno de los puntos más destacados por los colaboradores de Libertad Digital es el duelo interpretativo entre las dos grandes cómicas que protagonizan ambas versiones: Gracita Morales y Lina Morgan. La charla también aborda las curiosas reglas de la censura cinematográfica de aquel periodo. En 1974, las normas se habían relajado lo suficiente como para permitir algunos excesos lujuriosos. Secuencias memorables como la batalla de tartas en el despacho del notario, un claro homenaje de Mariano Ozores al cine de Blake Edwards; el final de la película, donde el personaje de Alfredo Landa acaba escayolado y derrotado por las mujeres... El equipo concluye reivindicando el cine industrial de los años sesenta y setenta como una industria que funcionaba, generaba beneficios y entretenía a un público que abarrotaba las salas para ver a sus musas, como la mítica Carmen Sevilla, en la gran pantalla.

    1 h 30 min

  4. 1 MAY

    'La Matanza de Texas' (1974) con Javier Botet: el ejercicio de sadismo más apasionante del cine

    En compañía del actor Javier Botet dedicamos el programa a la mítica La matanza de Texas de Tobe Hooper. En esta nueva entrega de Par Impar, el programa sobre cine de esRadio, Juanma González y Dani Palacios reciben al actor Javier Botet para desgranar una de las obras más perturbadoras de la historia del séptimo arte: La Matanza de Texas (1974). Botet, cuya carrera se ha forjado dando vida a las criaturas más aterradoras del cine actual, aporta una visión privilegiada sobre la película de Tobe Hooper, calificándola como un ejercicio de puro sadismo cinematográfico. Una película rodada con presupuesto ínfimo, lo que paradójicamente potenció su impacto visual y emocional. Rodada en condiciones extremas durante un verano asfixiante en el estado de Texas, los actores tuvieron que lidiar con temperaturas superiores a los cuarenta grados, olores nauseabundos provenientes de esqueletos de animales reales y un agotamiento físico que traspasa la pantalla. Esta precariedad, lejos de ser un defecto, dotó a la producción de un realismo documental que incomoda al espectador moderno. Uno de los puntos centrales del debate es la figura de Leatherface, interpretado originalmente por Gunnar Hansen. Se analiza cómo este personaje rompió los moldes de los asesinos del cine de terror previo, presentándose no como un monstruo sobrenatural, sino como un matarife rudo y desequilibrado que opera bajo una lógica familiar perversa. La escena de su primera aparición, marcada por el golpe seco de un mazo y el posterior cierre violento de una puerta metálica, es descrita como una obra maestra del montaje y el diseño de sonido, donde el ruido industrial sustituye a las partituras convencionales para generar una angustia inmediata. La conversación también profundiza en el trasfondo social de la obra, conectándola con el trauma nacional provocado por la guerra de Vietnam. La Matanza de Texas funciona como una crítica mordaz a la sociedad estadounidense de los años setenta, mostrando la descomposición del sueño americano en las zonas rurales más olvidadas. El análisis se extiende a la influencia de Ed Gein en el guion y cómo esta historia de canibalismo familiar refleja un espíritu transgresor y sucio que también se puede rastrear en ciertos exponentes del cine español de la época, como La Semana del Asesino de Eloy de la Iglesia.

    1 h 19 min

  5. 24 ABR

    'Insidious' (2010): viaje astral con Norma Ruiz, Miguel Ángel Lamata y una insidiosa ahorcada

    En compañía de la actriz Norma Ruiz y el director Miguel Ángel Lamata, que presentan La ahorcada, hablamos de la mítica Insidious (2010). En una nueva entrega del programa Par-impar de esRadio, los presentadores Juanma González y Dani Palacios se sumergen en el análisis de una de las obras más influyentes del cine de terror contemporáneo: Insidious (2010). Para este recorrido por lo sobrenatural, cuentan con la presencia del director Miguel Ángel Lamata y la actriz Norma Ruiz, quienes visitan los estudios de Libertad Digital para presentar su proyecto cinematográfico titulado La ahorcada. El grupo destaca la maestría de James Wan para revolucionar el género con un presupuesto ínfimo de apenas un millón de dólares. Los tertulianos coinciden en que la película no solo fue un éxito de taquilla, recaudando cerca de cien millones, sino que estableció un nuevo estándar para el cine de terror moderno. La clave de este éxito radica en la capacidad de Wan para utilizar elementos cotidianos y convertirlos en fuentes de angustia absoluta, como el uso de la canción Tiptoe Through the Tulips. El audio arranca con una animada charla sobre el proceso de rodaje de La ahorcada, una película que, según explican sus creadores, transita entre el thriller psicológico y el horror más clásico. Lamata relata con detalle la atmósfera inquietante que vivieron durante la grabación en la provincia de Teruel, específicamente en un antiguo orfanato abandonado en la calle Comandante Aguado. Este escenario real, cargado de historia y leyendas locales, proporcionó el entorno perfecto para la película, pero también regaló al equipo experiencias que rozaron lo paranormal. La conversación aborda el concepto central de la trama: la proyección o viaje astral. Explican cómo la película subvierte el tropo de la casa encantada para revelar que no es el lugar el que está maldito, sino el niño. Este giro narrativo convierte al cuerpo del pequeño en un recipiente vacío que los espíritus del más allá anhelan ocupar. Miguel Ángel Lamata reflexiona sobre cómo esta idea de vulnerabilidad durante el sueño es un miedo universal que conecta profundamente con el espectador. Los colaboradores de esRadio analizan también la estética de los fantasmas de Wan. A diferencia de otras producciones donde los espectros son etéreos o digitales, en Insidious las presencias son físicas y casi tangibles, lo que aumenta la sensación de peligro inminente. Destacan especialmente el diseño del demonio de cara roja, conocido entre los fans como el Lipstick-Face Demon, y cómo su aparición mediante un jump scare detrás de Patrick Wilson se ha convertido en una de las imágenes más icónicas del siglo XXI.

    1 h 34 min

  6. 17 ABR

    'Carrie' (1976), la escandalosa película de mujeres que hoy no se podría rodar

    Carrie, el gran éxito de terror de Brian De Palma, es objeto de debate con la escritora Mayte Navales. En este nuevo episodio de Par Impar los presentadores Juanma González y Dani Palacios reciben a la escritora Mayte Navales para conversar sobre Carrie, la gran adaptación de Stephen King que realizó Brian De Palma, y también de su nuevo proyecto, la novela La ahorcada, una obra de terror con la que podemos establecer similitudes. Carrie, la adaptación cinematográfica que Brian De Palma realizó sobre la primera novela de Stephen King. Los contertulios analizan la figura de la protagonista de La ahorcada en relación con el arquetipo que representa Carrie White. Ambas historias presentan a mujeres que transitan de ser víctimas de un entorno hostil a convertirse en ejecutoras implacables. ¿Como se lleva en la actualidad el tema de la venganza femenina tras años de abusos, soledad y fanatismo religioso?. Al igual que en la obra de King, el componente sobrenatural actúa como un catalizador de la furia acumulada contra una sociedad que carece de compasión. Durante la conversación, se rememoran anécdotas fascinantes sobre la producción de Carrie en 1976. Se menciona cómo Stephen King llegó a tirar el manuscrito a la basura, siendo rescatado por su esposa, Tabitha. También se destaca la entrega de Sissy Spacek, quien se presentó al casting con el pelo sucio y un vestido de marinera para convencer a De Palma de que ella era la actriz idónea para encarnar la vulnerabilidad y el terror de la joven Carrie. Los presentadores elogian la iconografía religiosa presente en el filme, especialmente la muerte de la madre, interpretada por Piper Laurie, que evoca una versión macabra de San Sebastián. Un punto clave de la charla es la técnica visual de Brian De Palma. Se discute el uso del split-screen y los planos secuencia, herramientas que el director utilizó para generar una tensión insoportable en escenas icónicas como el baile de graduación. Navales comenta que en la película de La ahorcada también se ha buscado esa elegancia visual, alejándose del simple susto fácil para construir una atmósfera de terror gótico contemporáneo. La autora señala que su historia es, en esencia, un relato sobre la maldad humana y cómo esta se ensaña con los más débiles. La estética de los años 70 también es objeto de análisis. Los presentadores observan que los adolescentes en las películas de esa época, como en Carrie, lucían mucho más maduros que los de series actuales como Stranger Things o Euphoria. Este realismo sucio y adulto de la década de los 70 aportó a la película una crudeza que la convirtió en un clásico de culto instantáneo. Además, se resalta la banda sonora de Pino Donaggio, capaz de alternar melodías románticas con sonidos estridentes y pesadillescos, una dualidad que Navales también ha intentado reflejar en su obra mediante referencias a músicos como Eric Clapton y Raimundo Amador. Hacia el final del programa, se discute el impacto del final inesperado de Carrie, un recurso que marcó una tendencia en el género de terror. Maite Navales explica que La ahorcada también juega con las expectativas del espectador, ofreciendo un desenlace que invita a la reflexión sobre el ciclo de la violencia. Para cerrar el episodio, los participantes disfrutan de temas musicales emblemáticos como Carrie de la banda Europe y el clásico Because the Night de Patti Smith, celebrando el talento de Navales para revivir la esencia del terror clásico en el panorama editorial y cinematográfico actual.

    1 h 29 min

  7. 10 ABR

    'El baile de los vampiros' (1967), o lo que se pierden los que cancelaron a Polanski

    Nuevo podcast de Par-Impar en torno a la clásica comedia de terror de Roman Polanski, El baile de los vampiros. El baile de los vampiros, o The Fearless Vampire Killers, parece una parodia de las películas de terror de la Hammer y la Universal... pero es de todo menos inofensiva. Roman Polanski, a un año de dirigir La semilla del diablo, realizó una comedia cartoon que tiene tanto de Scooby Doo como de sus títulos más inhumanos y pesimistas. Pero El baile de los vampiros es también la película por la que se recuerda a la célebre y malograda Sharon Tate, pareja de Polanski y tristemente asesinada en unos acontecimientos que todavía se recuerdan. En este nuevo podcast de cine de Par-Impar, Juanma González y Dani Palacios conversan sobre este clásico de la comedia negra en la que Polanski consiguió inyectar un inesperado pesimismo a su cuento de vampiros... además de un punto de vista muy europeo. El hecho de filmar con tanto lujo una parodia ya habla por sí mismo. n este nuevo podcast de cine de Par-Impar, Juanma González y Dani Palacios conversan sobre este clásico de la comedia negra en la que Polanski consiguió inyectar un inesperado pesimismo a su cuento de vampiros... además de un punto de vista muy europeo. El hecho de filmar con tanto lujo una parodia ya habla por sí mismo. La película representa un punto de inflexión en la carrera del director polaco, marcando su transición desde el cine de autor europeo más introspectivo, como Repulsión o Cuchillo en el agua, hacia una producción con vocación más internacional y comercial. Los colaboradores destacan que Polanski realiza aquí un homenaje satírico a las producciones de la Hammer Films, pero lo hace con una factura técnica y una elegancia visual que superan con creces a las obras originales que parodia. A diferencia de las parodias actuales que suelen caer en lo burdo, esta cinta mantiene un equilibrio perfecto entre la comedia y el género de terror, logrando inquietar al espectador mientras lo divierte. La figura de Sharon Tate ocupa una parte central de la conversación. La forma en que Polanski la filma trasciende la mera dirección; es la mirada de un hombre profundamente enamorado de su musa. Cada plano de Tate en la película, desde su primera aparición en la tina hasta el baile final, está cargado de una luminosidad y una perfección estética que hoy, conociendo su trágico final a manos de la secta de Charles Manson, adquiere una cualidad casi espectral. El programa recuerda cómo directores posteriores, como Quentin Tarantino en Érase una vez en... Hollywood, han intentado recuperar esa luz que Polanski capturó de manera definitiva en esta obra maestra del 67. Todo esto y mucho más en el episodio de Par-Impar. Te recordamos que puedes pinchar en el enlace para acceder a la web del programa y otros episodios.

    1 h 15 min

  8. 3 ABR

    'Heat' (1995), la hipnótica obra maestra de los 90 con Pacino y De Niro mirándose fijamente

    El podcast de cine de esRadio conversa sobre Heat, el thriller de los noventa que juntó a Al Pacino y Robert De Niro. Pocas películas tienen tan claro que aspiran a clásico del séptimo arte como Heat. Cuando se estrenó a mediados de los noventa, el film de Michael Mann se promocionó como la ansiada reunión de dos ídolos, Robert De Niro y Al Pacino, por mucho que ambos compartan más bien pocas escenas en las tres hodas de pelicula. Pero el tiempo ha situado el film todavía más arriba en el panteón de las películas más influyentes de finales de siglo. En este nuevo podcast de Par-Impar, Juanma González y Dani Palacios conversan con José Fortaña, del podcast CineActual, sobre este fenomenal thriller de los noventa. Y ojo, lo hacen con un reducido público en el estudio, por lo que no te extrañes si oyes alguna propuesta fuera de micrófonos. La película es célebre, ante todo, por reunir en una misma pantalla a dos titanes de la interpretación: Al Pacino y Robert De Niro. El término original Heat hace referencia a la presión policial que siente el delincuente mientras disecciona la vida de dos profesionales en extremos opuestos de la ley que, sin embargo, comparten una ética de trabajo implacable y una soledad compartida que los hace extrañamente similares. Uno de los puntos fuertes destacados es el estilo visual de Michael Mann. Se subraya su capacidad para dotar a las escenas de una atmósfera hipnótica, apoyada en la fotografía de Dante Spinotti y una banda sonora ambiental, con temas de Moby, que rehúye los tópicos del cine de acción convencional. La película no tiene prisa; se toma casi tres horas para desarrollar no solo la trama del gran atraco al banco, sino también la maraña de subtramas personales que humanizan a todo el equipo de criminales y policías. El personaje de Robert De Niro, Neil McCauley, encarna al criminal disciplinado cuya máxima es no tener nada en la vida que no puedas dejar atrás en treinta segundos si sientes la presencia de la justicia a la vuelta de la esquina. Frente a él, el Vincent Hanna de Al Pacino es un detective consumido por su oficio, cuya vida personal es un desastre de matrimonios fallidos, pero que posee una agudeza intelectual que le permite reconocer en McCauley a un igual. Asimismo, el podcast reflexiona sobre el papel de las mujeres en este universo. Personajes interpretados por Ashley Judd o Diane Venora no son simples adornos, sino el reflejo del sacrificio emocional que conlleva la obsesión por el deber o el crimen. La fragilidad masculina se hace evidente cuando estos hombres ven cómo sus mundos afectivos se desmoronan por su incapacidad de conciliar la vida profesional con la personal.

    1 h 38 min
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Par Impar son Juanma González y Dani Palacios, que comentan todas las películas, series y otros aspectos de cultura popular que se te puedan ocurrir. Todo con invitados, música, y mucho sentido del humor.

Ficha técnica

  • Canal
    esRadio
  • Creado por
    esRadio
  • Años en activo
    2019 - 2026
  • Episodios
    308
  • Clasificación
    Explícito
  • Sitio web del podcast
    Par-Impar

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