EAM podcast

El Antepenúltimo Mohicano
  • 5.0 (1)
  • TV & Film
  • Biweekly

Podcasts de la revista El Antepenúltimo Mohicano. Este es un espacio abierto para nuestros colaboradores o invitados, sin limitaciones de formatos o temas. Clásicos y no tan clásicos, películas de festivales, estrenos, especiales sobre géneros o directores... Creemos en la charla distendida y en la idea de que hablar de cine sirve para prolongar el disfrute de las películas. Coordinan: José Luis Forte y Miguel Muñoz Garnica https://www.elantepenultimomohicano.com/

  1. 18h ago

    59. H. P. Lovecraft en Shinjuku: «La sombra sobre Innsmouth» (1992) + «Marebito» (2004)

    Nuestro último programa especial de Halloween 2026 está hilado por la figura de Chiaki J. Konaka. Además de ser uno de los guionistas más singulares del J-Horror y el anime, se trata de uno de los grandes cultivadores del legado de H. P. Lovecraft en Japón. En su faceta como escritor, Konaka ha publicado numerosos relatos directamente inscritos en la tradición de los Mitos de Cthulhu. Su fascinación por Lovecraft también ha atravesado su trabajo audiovisual. «La sombra sobre Innsmouth» (Atsushi Nasuda, 1992), una producción televisiva escrita por Konaka, adapta el relato homónimo con enorme fidelidad, aun sometiéndolo a la torsión de trasladar la geografía lovecraftiana a un contexto tan insospechado como el Japón contemporáneo. En «Marebito» (Takashi Shimizu, 2004), extrema este contraste. La historia ideada por Konaka sitúa bajo el subsuelo de Tokio una realidad paralela ciclópea y monstruosa, que se inspira en el escenario de «En las montañas de la locura», la célebre novela corta del genio de Providence. Para analizar ambas películas, en este podcast se dan cita tres lovecraftófilos convencidos: Miguel Muñoz Garnica, José Luis Forte y Julio Bernad.

    59. H. P. Lovecraft en Shinjuku: «La sombra sobre Innsmouth» (1992) + «Marebito» (2004)

  2. 6d ago

    58. Gótico recalcitrante: «El fantasma» (1963) + «Danza macabra» (1964)

    Para los amantes del terror, hay pocas épocas tan apasionantes como el periodo que va de finales de los cincuenta a mediados de los sesenta: la edad de oro del horror gótico, cultivado por la Hammer en Inglaterra, American International en Estados Unidos y una multitud de productoras en Italia. De todas estas vetas, quizá sea la italiana la más recalcitrantemente gótica. Cineastas como Riccardo Freda y Mario Bava abrieron el camino a películas que combinaban la herencia de la literatura gótica decimonónica —caserones sombríos, criptas y mausoleos, ruinas, amores tóxicos y personajes degenerados...— con la exaltación de lo macabro propia de Edgar Allan Poe. De este filón traemos dos joyas al podcast, ambas protagonizadas por el rostro por excelencia de aquel gótico italiano: Barbara Steele. «El fantasma» (Lo spettro, 1963), dirigida por Freda, es una historia de encierro malsano en una mansión, apariciones sobrenaturales y amores ponzoñosos que parece, de por sí, una destilación de lo gótico. «Danza macabra» (1964), de Antonio Margheriti, es en cambio una rendición al hechizo de la casa encantada, a sus sombras y telarañas, hasta el punto de que en muchos momentos parece un prolongado ritual de entrada en el terror. Con este festín gótico-macabro, les ofrecemos la tercera entrega de nuestros especiales pre-Halloween de 2026. Tras los micros, Miguel Muñoz Garnica, José Luis Forte, Lourdes Esqueda y Julio Bernad.

    58. Gótico recalcitrante: «El fantasma» (1963) + «Danza macabra» (1964)

  3. Oct 16

    57. La estirpe del científico loco: «El hombre invisible» (1933) + «The Man Who Could Cheat Death» (1959)

    Los límites de la ciencia, y de su mano la figura del «científico loco» que se atreve a desafiarlos, fueron uno de los motivos predilectos del terror literario decimonónico. El cine de terror del siglo XX encontró ahí un terreno extraordinariamente fértil. El hombre invisible creado por H. G. Wells en 1897 nos ofrece un excelente ejemplo. Universal lo incorporó a su gran ciclo de terror de los años treinta y volvió a confiar para ello en James Whale, responsable de «Frankenstein» (1931), otra historia paradigmática sobre la transgresión de las leyes de la naturaleza. «El hombre invisible» (1933), un clásico imperecedero, es otra muestra del talento de Whale para combinar terror y comedia afilada. En este caso, además, la mixtura de géneros ya estaba presente en la novela de Wells. Del terror de Universal en los treinta saltamos a otro momento clave del género cinematográfico: los primeros éxitos de la Hammer a finales de los cincuenta. Como Whale, el genial Terence Fisher ya había dirigido dos películas sobre el doctor Frankenstein cuando acometió un curioso proyecto: «The Man Who Could Cheat Death» (1959), adaptación de la obra teatral «The Man in Half Moon Street», de Barré Lyndon, sobre un doctor que ha encontrado la fórmula de la inmortalidad. A una historia fecunda en cuestiones morales, Fisher añade ecos de Frankenstein y Jack el Destripador para crear un perfecto heredero de la estirpe de «científicos locos» decimonónicos. Comentamos la novela de Wells y las dos películas, lo que nos permite volver a dos de los directores favoritos de este podcast. Y, con ello, continuamos nuestra temporada de programas de terror camino de Halloween. Tras los micros, Lourdes Esqueda, José Luis Forte y Miguel Muñoz Garnica.

    57. La estirpe del científico loco: «El hombre invisible» (1933) + «The Man Who Could Cheat Death» (1959)

  4. Oct 7

    56. Los zombis echan a andar: «La legión de los hombres sin alma» (1932) + «La rebelión de los zombies» (1936)

    A comienzos de los años treinta, llegó el furor zombi a Estados Unidos. Un libro de William B. Seabrook sobre sus vivencias en Haití puso de moda la figura del zombi tomada del vudú: un muerto sacado de su tumba mediante las malas artes de un hechicero y privado de su voluntad para trabajar como esclavo. Victor Halperin, productor y director independiente, no tardó en querer capitalizar el fenómeno. Aprovechando también el éxito del cine de monstruos de la Universal, consiguió contratar a Bela Lugosi y puso en marcha una película que recogía el imaginario popularizado por el libro de Seabrook: «La legión de los hombres sin alma» (White Zombie, 1932). Una pareja de enamorados llega a Haití para casarse en la plantación de un rico terrateniente, que se enamora de ella sin ser correspondido. Despechado, recurre a los servicios de un hechicero vudú para zombificarla y someterla a su voluntad amatoria. Con este argumento nació la primera película de zombis de la historia. Pese a sus humildes condiciones de producción, su poderosa expresividad visual, más cercana al cine mudo, la mantiene hoy como una experiencia fascinante para el espectador. Cuatro años después, Halperin trató de repetir la fórmula con «La rebelión de los zombies» (Revolt of the Zombies, 1936). No consiguió repetir el éxito ni los logros expresivos de la primera y, además, le valió un pleito judicial por intentar explotar comercialmente unos derechos sobre «La legión de los hombres sin alma» que ya había vendido. Con esta doble sesión de no-muertos inauguramos una nueva temporada de programas previos a Halloween. A lo largo del mes de octubre, hasta el día 31, celebraremos varias sesiones de terror, locura y muerte. Tras los micros de este programa están Miguel Muñoz Garnica, José Luis Forte y Lourdes Esqueda.

    56. Los zombis echan a andar: «La legión de los hombres sin alma» (1932) + «La rebelión de los zombies» (1936)

  5. Sep 25

    55. Godzilla integral (III): Mutaciones de la era Millennium

    Llegamos a la tercera parada de nuestro recorrido por todas las películas japonesas de Godzilla. Solo cuatro años después de haber explotado la muerte definitiva del monstruo como estrategia de marketing, la Toho volvió a resucitarlo con «Godzilla 2000» (1999). Inauguró así la serie Millennium, que con seis entregas —una por año— culminó en la pantagruélica «Godzilla: Final Wars» (2004). El detonante de tan apresurada resurrección fue el estreno, en 1998, de la primera película estadounidense de Godzilla, dirigida por Roland Emmerich y que, casi treinta años después, mantiene su vigencia como blanco del desprecio de los fans. Para Toho, sin embargo, la operación resultó muy provechosa. Además de los ingresos derivados de la licencia, la enorme difusión internacional de la película volvió a poner a Godzilla en el centro de la cultura popular y, tras la mala fama que no tardó en cosechar entre los aficionados, permitió a la compañía presentar el regreso de la saga japonesa como el refugio del público godzillofílico. La era Millennium estuvo marcada por la improvisación y la discontinuidad. Frente al relato unitario de la Heisei, Toho apostó por películas que podían reinventar su propia relación con el pasado: funcionar como nuevas continuaciones de la «Godzilla» de 1954 o incorporar a su continuidad distintas películas y monstruos de la era Showa. Solo «Godzilla Against Mechagodzilla» (2002) y «Godzilla: Tokyo S.O.S.» (2003) forman una continuidad directa entre sí. Toho también abrió la saga a colaboraciones puntuales con cineastas ajenos a sus directores de plantilla, que pudieron imprimirle su sello más personal. Es el caso de Shusuke Kaneko, que con su trilogía de «Gamera» en los noventa se había ganado la admiración de los aficionados al kaiju y fue reclutado para dirigir la memorable «Godzilla, Mothra and King Ghidorah: Giant Monsters All-Out Attack» (2001). O el del director de culto Ryūhei Kitamura, que con «Godzilla: Final Wars» trasladó a la saga su gusto por la acción desenfrenada, las explosiones continuas y el disparate narrativo. Tras los micros siguen Miguel Muñoz Garnica, José Luis Forte y Julio Bernad.

    55. Godzilla integral (III): Mutaciones de la era Millennium

  6. Sep 1

    54. Godzilla integral (II): Resurrección y muerte en la era Heisei

    Continúa nuestro viaje por todas las películas japonesas de Godzilla, con una segunda parada en la era Heisei: los siete títulos producidos por Toho entre 1984 y 1995. Frente a las fuertes oscilaciones de la anterior era Showa entre lo lúgubre, lo infantil y lo delirante, encontramos aquí una mayor continuidad narrativa y estética, consolidada sobre todo a partir de «Godzilla vs. Biollante» (1989) por el guionista y director Kazuki Ōmori y el director de efectos especiales Kōichi Kawakita. La acción, la tecnología de vanguardia y la geopolítica son algunas de sus principales fijaciones, aunque las películas también van mutando al compás del blockbuster de éxito más reciente al que copiar sin complejos. La era Heisei buscó además distanciarse del tono infantil y del carácter amigable que había adquirido el Godzilla de los setenta, por entonces absolutamente denostados. De ahí que sus creadores decidieran resucitar al kaiju original de «Godzilla. Japón bajo el terror del monstruo» (1954) y plantearan su primera entrega, «El retorno de Godzilla» (1984), como una secuela directa que obviaba toda la producción posterior. Con ello recuperaron su carácter amenazante, pero sin perder la ambivalencia característica de la saga entre la hostilidad y el afecto hacia el gran monstruo de Japón. Y tampoco consiguieron desprenderse del todo, aunque a veces parecieran pretenderlo, de su inclinación al delirio argumental: viajes en el tiempo, cíborgs, mechas, poderes psíquicos y monstruos del espacio conviven con una voluntad constante de tomarse en serio a Godzilla. Una tensión entre solemnidad y desmesura inseparable del enorme mito nacional en el que ya se había convertido la criatura. De ahí que una de las apuestas más fuertes de la Toho fuera la muerte anunciada del monstruo en la última entrega Heisei, «Godzilla vs. Destoroyah» (1995), cerrando así el ciclo que había comenzado once años antes con su resurrección. Tras los micros continúan Miguel Muñoz Garnica y José Luis Forte, a los que se suma Julio Bernad, nuestro paleontólogo de confianza.

    54. Godzilla integral (II): Resurrección y muerte en la era Heisei

  7. Jul 15

    53. La comedia según Mitchell Leisen: «Una chica afortunada» (1937) + «Medianoche» (1939)

    Entre los años treinta y los cuarenta, Mitchell Leisen encadenó una racha de éxitos de taquilla que lo convirtieron en el director de confianza de la Paramount. Hoy se le recuerda sobre todo por sus comedias, pero también se desenvolvió con soltura en otros registros como el melodrama, el cine negro y el musical. Contó con las grandes estrellas de la compañía, presupuestos generosos y sus mejores guionistas. Entre ellos, Preston Sturges y el dúo que formaban Billy Wilder y Charles Brackett. La costumbre de Leisen de reescribir sus libretos (habitual en Hollywood) no les sentó bien a estos últimos. Tanto Wilder como Sturges hicieron carrera como directores precisamente para blindar sus guiones, enfadados por los cambios a los que gente como Leisen los sometía. Quizá por ser el villano de su historia, a Leisen se le ha tendido a considerar un mero artesano sin personalidad, cuyo principal mérito era depredar las buenas historias de otros —tanto Wilder como Sturges, en distintas declaraciones, alimentaron este desdén—. Y es cierto que nunca tuvo pretensiones autorales. Con todo, en este podcast hemos escogido dos de sus películas más celebradas para abordar esta cuestión: las comedias de enredo «Una chica afortunada» (Easy Living, 1937) y «Medianoche» (Midnight, 1939). La primera escrita por Sturges, la segunda por Wilder y Brackett. Atendiendo a los cambios que sabemos que Leisen hizo y al carácter propio que les imprimió, planteamos la tesis de que la autoría de Leisen es fruto de la síntesis de la personalidad narrativa de sus guionistas y del estilo más fantasioso y cálido del cineasta, que a su vez es una forma de interiorizar el estilo distintivo de la Paramount de los años treinta. Tras los micros, Miguel Muñoz Garnica, José Luis Forte y Lourdes Esqueda.

    53. La comedia según Mitchell Leisen: «Una chica afortunada» (1937) + «Medianoche» (1939)

  8. Jul 7

    52. Presente, pasado y futuro de Henry James: «La bestia» (2023) + «Hombre de dos mundos» (1951)

    En este pase doble nos adentramos en dos adaptaciones cinematográficas de Henry James, autor clave de la literatura modernista, y reconocido por su exploración de la psicología de los personajes, su interés por la percepción del tiempo y las decisiones que definen una vida. Hablamos primero de «La bestia» (La bête, Bertrand Bonello, 2023), una versión libre de la novela corta «La bestia en la jungla» (1903). Bonello convierte el relato introspectivo de James en una película que salta entre temporalidades y géneros para cuestionar qué significa ser humano en un mundo cada vez más artificial. En el episodio analizamos sus motivos visuales, sus decisiones estéticas, y las preguntas del cineasta sobre el ser y las apariencias. Después comentamos «Hombre de dos mundos» (The House in the Square, Roy Ward Baker, 1951), adaptación de la novela inconclusa «El sentido del pasado» (1917). Aquí James suma a sus temas habituales, como el paso del tiempo y la vida no vivida, el choque cultural entre el Viejo y el Nuevo Mundo, junto con un viaje temporal que pone en primer plano la idealización de lo desconocido y la noción de predestinación. Un episodio sobre atmósferas interiores y personajes atrapados entre lo que fueron, lo que son y lo que pudieron haber sido. Tras los micros de este programa henryjamesiano están Lourdes Esqueda, José Luis Forte y Miguel Muñoz Garnica.

    52. Presente, pasado y futuro de Henry James: «La bestia» (2023) + «Hombre de dos mundos» (1951)
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