Punto Muerto

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¡Vótame en los Premios iVoox 2026! “Punto Muerto” es un programa musical emitido por Radio Belcha los Lunes a las 22:00. También pueden seguirnos en la cuentas de: X: @PuntoMuertoRock Instagram - @PuntoMuertoRock TikTok: @Punto.Muerto12 Threads: @PuntoMuertoRock

23h ago

Los Traidores - Montevideo Agoniza

¡Vótame en los Premios iVoox 2026! La ciudad que no se cura En 1985 Uruguay salía de doce años de dictadura. Había elecciones, palabras nuevas y una ciudad que no sabía muy bien qué hacer con ellas. En ese intersticio —ya no el silencio militar, todavía no la fiesta democrática que algunos prometían— un cuarteto de Montevideo ensayaba en casas y tocaba como si el país fuera un altavoz prestado. Se llamaban Traidores, o Los Traidores. Juan Casanova en la voz, Víctor Nattero en la guitarra, Pablo Dana en el bajo, Alejandro Bourdillón en la batería. Habían aparecido en el compilado Graffiti con dos temas que ya sonaban a himno de vereda: “La lluvia cae sobre Montevideo” y “Juegos de poder”. En la Navidad de 1985, con poca prensa, llenaron el Teatro de Verano con más de cinco mil personas. Al año siguiente Orfeo les grabó el primer disco. Se llamó Montevideo Agoniza. La ironía es perfecta y amarga: el long play original no incluye la canción que le da título. Tampoco “Viviendo en Uruguay”, “Buenos días Presidente”, “Barrio rico” ni “Las noticias nacionales”. La versión más repetida habla de una advertencia a mitad de la grabación —censura estatal o, más probable, el sello protegiéndose— que obligó a dejar afuera lo más punzante y a escribir sobre la marcha, entre otras, “Flores en mi tumba”. Grabaron en los Estudios IFU entre mayo y julio de 1986, con Alfonso Carbone como productor y Daniel Blanco en la consola. El vinilo dura menos de media hora. Doce canciones, casi todas bajo los tres minutos. Punk de The Clash, sombra de The Smiths, new wave de barrio, voz hablada más que cantada. No es un disco de celebración. Es un parte meteorológico: sigue lloviendo sobre una capital que acababa de recobrar el derecho a quejarse. - Solo fotografías arranca con vidas en blanco y negro. Casanova no canta: enuncia. “En las calles de todos los días, solo fotografías / de vidas que no son vidas, que no son nada.” El bajo y la guitarra se cruzan como dos linternas en una esquina. Es la tesis del álbum en dos minutos: mirar la ciudad y no reconocerla como vida, sino como archivo. - Salteándome un lugar es el tema más corto del vinilo. No quiero seguir esperando, dice, porque ya esperé demasiado. Los futuros pintados en una pared —la consigna, el mural, la promesa de la transición— no alcanzan. Después de la dictadura, el punk uruguayo no cantó victoria: cantó que el “después” también podía ser una estafa. - Mentiras tiene una de las letras más nítidas del disco. Qué dirán después de haber arruinado tantas vidas. Los medios, el relato oficial, la mentira que “algún día se ahorcará sola.” Nattero pone una guitarra inquieta, casi de thriller. No nombra generales ni partidos; nombra el mecanismo. Por eso no envejece. - En No estoy loco, la cordura es como una acusación invertida. Quien señala el vacío es el sospechoso. En 1986, decir “no estoy loco” era también decir que el país acababa de pasar doce años llamando locura a la disidencia. - El clásico. El que sobrevivió a las radios los días grises. Equilibrio raro en un disco de urgencias: melodía, espacio, una frase pegada a la ciudad —“otro día en la misma pudrición”— lo bastante fuerte para ser punk y lo bastante oblicua para pasar el filtro que otras no pasaron. No describe un temporal: describe una climatología moral. Con ustedes, La lluvia cae sobre Montevideo. - Bailando en la oscuridad cierra la cara A con un vaivén de cuerpos que no ven. No es un boliche feliz; es el movimiento como defensa. Después de la lluvia, el baile no lava nada: apenas permite no quedarse quieto. - Flores en mi tumba es la canción más larga (cuatro minutos) y, según Nattero, hija de la censura: hubo que escribir cuando sacaron los temas fuertes. El resultado es el centro emotivo del disco: “Tus palabras en mi alma, mi silencio al recordar, un epitafio muy simple, que no podrás pronunciar.” Si el resto del LP golpea, este tema deja la marca. - La muerte no llega gritando; llega vestida. Hay dandismo punk en el título y una frialdad que distingue a Traidores de las bandas que solo gritaban. La elegancia, aquí, es una forma de desprecio. Suena la maravillosa “La muerte elegante”. - Viviana es una reaccionaria es un retrato con nombre propio. Viviana no es un símbolo abstracto: es alguien que eligió el lado cómodo, el órden, la reacción. En un país que salía de la dictadura, acusar de reaccionaria a una persona concreta era más incómodo que cantarle al “sistema.” Sin embargo, todo tiene un giro a final, cuando nos enteramos que a “sus hijos se los quitaron, no la dejaron soñar”. Además, esa guitarra española sobre una base reggae. - El futuro de tus hijos es amenaza y herencia. Qué les queda a los que vienen si esto es lo que hay. No es un tema de esperanza generacional; es una factura pasada al porvenir. - Juegos de poder es el otro tema que ya venía de Graffiti y también tuvo video. Quién mueve los hilos, quién finge que no. La letra parece escrita ayer porque los juegos no cambiaron de tablero: solo de camiseta. - El cierre del vinilo es con Estoy vacío. Confesión sin teatro. El vacío es el saldo de una juventud que atravesó la noche militar y amaneció sin instrucciones. El disco se va como se van ciertas conversaciones en Montevideo: de golpe, con la última frase todavía en la mesa. - Los temas que el vinilo no pudo decir. La reedición de 2007 —y el EP Canciones prohibidas— devolvió lo que el LP escamoteó. “Montevideo agoniza” tuerce el himno nacional: “Uruguayos, la patria o la tumba / con libertad o con gloria, igual van a morir.” Un riff que evoca la marcha patria y un nihilismo que en 1986 era material inflamable. “Barrio rico” apunta a las cabezas vacías y a la cobardía tapada con dinero. “Las noticias nacionales” mira el noticiero como maquinaria. “Viviendo en Uruguay” habla de no haber libertad para vivir como uno quiere. “Buenos días Presidente” saluda al poder con una cortesía que es una bofetada. Sin estos cinco temas, Montevideo Agoniza es un gran disco post-punk. Con ellos, es el documento que la banda quiso grabar: no solo existencialismo de dormitorio, sino un ajuste de cuentas con el presidente, el barrio, el informativo y sobre todo, el Uruguay. - Montevideo Agoniza no compite, en cifras. Compite en otra liga: un país de tres millones de habitantes, mercado discográfico estrecho, radios prudentes y un sello —Orfeo— que medía riesgos. No hay certificaciones públicas detalladas del vinilo de 1986. Lo que sí está documentado es que la reedición en CD de Bizarro Records, en 2007, alcanzó el disco de oro en Uruguay. En las compilaciones de ventas esa marca suele equivaler a unas dos mil copias, el umbral histórico de oro en un mercado de esta escala. Dos mil unidades no son un fenómeno global. En Uruguay, para un disco de post-punk de 1986 reeditado dos décadas después, son una consagración tardía y justa. - El impacto real no se mide solo en el mostrador. En 1986 tocaron en el Velódromo ante cuatro mil personas, otra vez en el Teatro de Verano ante seis mil y cerraron la primera edición de Montevideo Rock ante unos quince mil, en cartel con Sumo y Fito Páez. Hicieron televisión cuando el rock local todavía pedía permiso. Se separaron en 1988, volvieron, se volvieron a ir, grabaron Radio Babilonia y Primavera Digital, festejaron los veinticinco años del debut con shows y un DVD. El título, cuatro décadas más tarde, no suena a pieza de museo: suena a diagnóstico que la ciudad se recita cuando llueve. Hay una tentación de convertir Montevideo Agoniza en postal de la transición: jóvenes libres al fin, guitarra contra los militares. El disco se resiste. No canta el fin de la dictadura; canta lo que quedó en pie cuando la dictadura se fue —la mentira, el barrio rico, el noticiero, la lluvia, el vacío—. Por eso la censura, velada o preventiva, no es un dato pintoresco: es parte de la forma. El álbum que salió a la calle era ya una versión amputada de sí mismo. El que escuchamos hoy, con los bonus, está más cerca de aquella bronca que se grabó en los estudios IFU. Los Traidores no inventaron el rock uruguayo, pero le dieron una de sus frases más duraderas: la capital agoniza, y agonizar, aquí, no es morir del todo. Es seguir de pie bajo la llovizna, con una guitarra barata y una voz que prefiere decir antes que adornar. Media hora de vinilo, cinco canciones escondidas y un oro tardío bastan para explicar por qué, cada tanto, Montevideo vuelve a poner este disco y reconoce el pronóstico. Sigue lloviendo. La ciudad, por ahora, no se cura.
Sep 29

Guns N' Roses - Use Your Illusion II

¡Vótame en los Premios iVoox 2026! Use Your Illusion II es el cuarto álbum de estudio de Guns N’ Roses, publicado el 17 de septiembre de 1991 junto a su hermano Use Your Illusion I. Es el disco más épico y ambicioso de la banda en su etapa clásica. Mientras el volumen I es más directo y rockero (salvando “November Rain”), el II se adentra en canciones largas, orquestales y dramáticas. Y contiene varios de los temas más icónicos de la historia del grupo como: * Civil War * Estranged * You Could Be Mine * Knockin’ on Heaven’s Door * Yesterdays * Locomotive El álbum muestra a Guns N’ Roses en su máximo esplendor creativo y también en su máximo caos interno. Es el sonido de una banda que estaba en la cima del mundo y, al mismo tiempo, empezaba a desintegrarse. En resumen: Use Your Illusion II es el lado más grandilocuente, emotivo y cinematográfico de Guns N’ Roses. - El primer tema de Use Your Illusion II era una mezcla ecléctica de referencias sonoras, incluyendo un sample de Cool Hand Luke, un fragmento silbado de la canción de la Guerra Civil estadounidense "When Johnny Comes Marching Home" y un extracto de un discurso pronunciado por un oficial guerrillero peruano de Sendero Luminoso. Debería haber sido un desastre, pero en cambio se convirtió en una de las epopeyas de hard rock más queridas de Guns N' Roses y en un clásico de sus conciertos con un mensaje antibelicista aún vigente. "Civil War" es la única canción de Use Your Illusion en la que participó Steven Adler, quien fue despedido en 1990 debido a su consumo excesivo de drogas. El baterista expulsado interpretó la canción solo una vez, el 7 de abril de 1990 en Farm Aid IV en Indianápolis, donde se cayó mientras corría hacia el escenario. Esta fue la última aparición en vivo de Adler como miembro de Guns N' Roses. - Guns N' Roses intentaba despedirse de su pasado turbulento, sin saber que un futuro aún más caótico estaba en el horizonte, con esta enérgica y blusera canción. Coescrita por Rose, Billy McCloud y sus amigos de toda la vida, West Arkeen y Del James, "Yesterdays" se estrenó en directo el 14 de enero de 1988 en el club Coconut Teaszer de Hollywood, donde Arkeen y James se unieron al grupo en el escenario, donde actuaron bajo el nombre de Drunk Fux. El bonito videoclip en blanco y negro incluía imágenes de los antiguos miembros de la banda, Steven Adler e Izzy Stradlin, que habían sido reemplazados por Sorum y Clarke, respectivamente. Cuando Adler, recientemente despedido, aparecía en pantalla, Rose cantaba con énfasis: "Algunas cosas podrían ser mejores si simplemente las dejáramos ser". - Cualquier duda sobre el estatus de Guns N' Roses como la banda más grande del mundo a principios de los 90 debería haberse disipado cuando Arnold Schwarzenegger les propuso personalmente incluir "You Could Be Mine" en Terminator 2: El juicio final. Basada en un riff de Stradlin, la potente canción surgió durante los ensayos de Appetite for Destruction con el título "Cocaine Talking", aunque McKagan insistió en que la canción no tenía nada que ver con el consumo de drogas de los miembros de la banda. Si bien "You Could Be Mine" no se incluyó en la versión final del álbum de 1987, la letra "With your bitch-slap rappin' and your cocaine tongue, you get nothin' done" apareció en la portada de Appetite, como un presagio del futuro. - Las diversas controversias de Guns N' Roses eran un imán para la prensa especializada en rock, y en "Get in the Ring", Rose arremetió contra los periodistas que consideraba inescrupulosos. El tema que es una caótica mezcla de blues y punk, con un toque kitsch, fue originalmente de McKagan con el título "Why Do You Look at Me When You Hate Me?" ("¿Por qué me miras cuando me odias?"). Sin embargo,un furioso discurso a mitad de la canción, donde Rose mencionó a periodistas como Mick Wall de Kerrang y Bob Guccione Jr., fundador de Spin, fue lo que más llamó la atención. "Están estafando a los niños mientras ellos pagan con su dinero ganado con tanto esfuerzo para leer sobre las bandas que les interesan, imprimiendo mentiras, creando controversia", despotricó Rose. "¿Quieren provocarme? ¡Provóquenme, hijos de puta! ¡Suban al ring, hijos de puta, y les voy a patear el culo! ¡Punk!", concluye con gracia Axl Rose. - Rose y Stradlin decidieron hacer como el Dr. Frankenstein después de que ambos escribieran la canción "14 Years" para el álbum Use Your Illusion II. Stradlin se encargó de la voz principal en el tema, que la banda interpretó con bastante frecuencia en sus giras hasta que Stradlin se marchó en noviembre de 1991, ya que realmente es un temazo. Muchos interpretaron "14 Years" como una airada despedida a Rose tras la salida de Stradlin de Guns N' Roses, ya que habían sido amigos durante aproximadamente ese tiempo cuando se escribió la canción, pero al presentar la canción al público de Los Ángeles en julio de 1991, Rose se la dedicó a "todos aquellos que tienen la impresión de que somos un éxito de la noche a la mañana". Rose y Stradlin terminaron interpretando "14 Years" juntos en seis conciertos en 2012, lo que sugiere que el tema de la canción no fue motivo de conflicto. - La mítica ”Knockin' on Heaven's Door" de Bob Dylan entró en la órbita de Guns N' Roses durante el verano de 1987, después de que Rose pasara unos días en el hospital tras una pelea con un ayudante del sheriff, a las afueras del club Cathouse en Los Ángeles. "Axl y yo pensábamos en ella", recordó Slash. "Pero nunca quise tocarla con la banda, porque pensaba que ya la había versionado demasiada gente. Una noche Axl vino al lugar donde me alojaba y dijo: 'Hagámoslo'". Debutaron con "Heaven's Door" el 19 de junio de 1987 en el Marquee de Londres, donde Rose dedicó la canción al bajista de Jetboy, Todd Crew (quien murió de una sobredosis de drogas al mes siguiente) e improvisó el "hey, hey, hey" de llamada y respuesta que se convertiría en un sello distintivo de su versión. Esta versión se convirtió en un clásico de sus conciertos durante décadas, y Guns N' Roses la interpretó también el 20 de abril de 1992 en el Concierto Tributo a Freddie Mercury. - "Breakdown" resultó ser un título acertado para la canción de Axl Rose, con predominio del piano. "Las partes de guitarra y bajo tuvieron que ser pensadas y ejecutadas con precisión", señaló Slash en sus memorias de 2007. "Esa canción fue especialmente difícil para Matt; perdió los nervios varias veces intentando que la batería sonara perfecta". Sorum y Rose se encerraron en el estudio una noche para pulir la batería, dando inicio a una maratón de trabajo de tres días antes de que la banda grabara el tema. Fue entonces cuando Sorum comprendió a qué se había apuntado al dejar The Cult para unirse a Guns N' Roses. "Fue una experiencia normal en una banda de rock", dijo. "Pero esto era diferente; la energía era intensa. Las reacciones de la gente eran distintas cuando se enteraban de que también estabas en la banda". Más allá de todo eso, “Breakdown” es una hermosa canción que relata momentos de soledad y confusión, donde no parece haber salida, pero la hay. - Esta balada épica y desgarradora de Use Your Illusion II canalizó la frustración y el dolor de Rose por la disolución de su matrimonio con Erin Everly. Mientras que "November Rain" era una canción sobre no querer lidiar con el amor no correspondido, "'Estranged' trata sobre reconocerlo, estar presente y tener que averiguar qué demonios hacer", dijo Rose en el documental de 1994, Making F@*!ing Videos. "Es como ser catapultado al universo sin poder elegir, y tener que averiguar qué demonios vas a hacer, porque las cosas que querías y por las que trabajaste simplemente no pueden suceder, y no hay nada que puedas hacer al respecto". "Estranged" estuvo acompañada de un videoclip grandilocuente de 4 millones de dólares, en el que Rose saltaba de un petrolero al océano y era rescatado por una manada de delfines, y Slash tocaba un solo sobre las olas como un mesías con sombrero de copa. Si bien no es la última canción del álbum, ese honor se la lleva la industrial “My World”, es un cierre conceptual perfecto no solamente para la obra, sino para toda una etapa de la banda. Luego llegó una gira enorme, caótica y sumamente exitosa; un álbum de covers desparejo, que se vio como una manera de aprovechar el momento comercial y la ruptura altamente promocionada del grupo. Es cierto, Axl siguió adelante solamente junto a Dizzy Reed, grabó el muy buen Chinese Democracy y tiempo después volvió a juntarse con Slash y Duff en una gira tan exitosa como interminable. Dicho eso, esa magia que tenían hasta 1991 se rompió en los últimos acordes de UYI II, o en la despedida de Izzy Stradlin, quizá como consecuencia del enorme esfuerzo que significó llevar a cabo esta épica y monstruosa obra. Esto fue UYI, de Guns N’ Roses, en Punto Muerto.
Sep 21

Guns N' Roses - Use Your Illusion I

¡Vótame en los Premios iVoox 2026! Para cuando lanzaron el tan esperado álbum Use Your Illusion el 17 de septiembre de 1991, Guns N' Roses había pasado de ser una banda de rock callejero de Hollywood a convertirse en la banda de rock más grande del mundo. Esta colección de dos álbumes y 30 canciones mostraba a Guns N' Roses desarrollando el hard rock salvaje, con una actitud punk de su álbum debut, Appetite for Destruction, con extensas baladas de piano (como “November Rain" o "Estranged") y épicas canciones de guitarra casi progresivas ("Coma" o "Locomotive"). Slash e Izzy Stradlin exhibieron su característicos y enérgicos riffs de blues-rock en canciones como "Dust N' Bones" y "Bad Apples", mientras que Axl Rose desató su veneno (y generó aún más controversia) en la misógina "Back Off Bitch" y el panfleto antimediático "Get in the Ring". Como todo en su mundo alrededor de 1991, los álbumes de Use Your Illusion fueron proyectos caóticos y descomunales que cobraron varias bajas en el camino hacia su finalización. El baterista Steven Adler fue despedido en julio de 1990 por su incapacidad para controlar su adicción a la heroína y reemplazado por Matt Sorum. Harto de los diversos vicios de la banda y su agenda disfuncional (por no decir el circo en el que vivían), Izzy Stradlin, ya sobrio, la abandonó en noviembre de 1991, menos de dos meses después del lanzamiento de ambos álbumes. - Los álbumes Use Your Illusion, como todo lo de Guns N' Roses, fueron un éxito rotundo, debutando en los dos primeros puestos de la lista Billboard 200, vendiendo un total de 14 millones de copias en Estados Unidos y más de 30 millones en todo el mundo. La gira Use Your Illusion Tour duró dos años y medio, atrayendo multitudes y generando una controversia interminable. Los Use Your Illusion I y II representan un punto de cambio en el sonido de Guns N' Roses. A pesar de no abandonar sus tendencias hard rock de su primer álbum Appetite for Destruction, Use Your Illusion I demostró, por primera vez elementos de blues, música clásica, heavy metal, punk rock, rock n' roll clásico. Por ejemplo, Axl Rose toca el piano en varias canciones como “November Rain”, que llevaron al grupo a la popularidad masiva entre personas que no escuchaban hard rock o heavy metal. La portada es una sección del fresco denominado “La escuela de Atenas” de Rafael y fue creada por el artista estonio/estadounidense Mark Kostabi. Tanto el disco I como el II tienen el mismo diseño en su portada, cambiando solo el color del dibujo, que en el del I caso es rojo y amarillo, mientras que en el II es de color púrpura y azul. En todo caso, los Use Your Illusion I y II mostraron a Guns N' Roses en sus facetas más grandilocuentes, tiernas y agresivas, demostrando lo mucho que habían evolucionado desde la época anterior a Appetite for Destruction, y lo mucho que tenían que perder. - Seguimos nuestro recorrido por el Use Your Illusion I con el tercer single “Live and Let Die”. Axl Rose y Slash decidieron intentar versionar este clásico de Wings tras darse cuenta de que ambos eran fans. "No creíamos que fuéramos lo suficientemente buenos para hacerlo bien, pero Slash está haciendo la mayoría de los arreglos de cuerda con la guitarra y un armonizador", dijo Rose en 1990. "Para mí es como si Tom Waits se encontrara con Metallica; es la forma en que la canto, tan áspera y rasposa. Está funcionando muy bien, suena como nosotros". Slash, por su parte, elogió los arreglos musicales de Axl: "Cuando hicimos 'Live and Let Die', todo eran sintetizadores; esos instrumentos de viento no son instrumentos de viento. Lo que hizo Axl ahí fue realmente complejo. Pasó horas ajustando todo eso, consiguiendo los matices perfectos". - A medida que crecía la fama de Axl, también lo hacía su notoriedad, y en "Don't Damn Me" respondió a los críticos, quienes, según él, lo atacaban constantemente. "Se trata de mostrarle a la gente que se dé cuenta de su propio poder y sus propias habilidades, en lugar de pensar: 'Axl Rose es Dios'", dijo en 1991. "Si alguien solo me idolatra y no trabaja en su propia vida, entonces hemos fracasado en lo que intentamos expresar en esa canción". "Don't Damn Me" es la única canción de Use Your Illusion I que Guns N' Roses nunca ha tocado en vivo. La razón, según Slash, es puramente práctica: "Eran demasiadas palabras sin pausa para respirar, y simplemente resulta imposible interpretarla en vivo". Por otro lado, la canción tiene uno de los mejores solos de todo el álbum. - Inspirada en la expresión en inglés "beating a dead horse" (“golpeando un caballo muerto”, que alude a un asunto concluido sobre el que no vale la pena insistir), el siguiente tema funciona como un himno de frustración sobre intentar reconstruir la vida tras el fracaso definitivo de una relación amorosa. Además de ser el único autor del penúltimo tema de Use Your Illusion I, Axl también tocó la guitarra acústica en "Dead Horse" y grabó parte del videoclip, que incluye imágenes en directo de la gira Use Your Illusion. Axl se colocó una cámara en la cabeza para grabar en primera persona el concierto de Guns N' Roses en Kansas City el 17 de septiembre de 1992, durante su gira conjunta con Metallica. "Por si les interesa saber qué es este artilugio que llevo en la cabeza", dijo al público, "esta noche estoy grabando un pequeño vídeo". - Matt Sorum conoció a Slash, Duff McKagan e Izzy Stradlin en un estudio de ensayo de North Hollywood en su primer día como baterista de Guns N' Roses en mayo de 1990, e inmediatamente comenzaron a desarrollar los demos acústicas de Stradlin, incluyendo "Dust N' Bones". "Me di cuenta de que Slash y Duff se fijaban en las bases y modificaban los cambios de acordes para crear un riff de conjunto", recordó Sorum en su libro, Double Talkin' Jive. "Básicamente, se copiaban entre sí en la guitarra y el bajo, con la crudeza del roots rock de Izzy superponiéndose. De repente, me di cuenta de que así era precisamente como se creaba el sonido de GNR. Lo que llenaba el estudio en ese momento era realmente el sonido de la banda". Una de mis canciones favoritas del álbum, cantada por el gran Izzy Stradlin, con un talk box de Slash simplemente sublime. “Dust and bones, that’s all right.” - La power ballad "Don't Cry", que alcanzó el Top 10 los Estados Unidos y en otras tantas partes del mundo, tiene la particularidad de aparecer en ambos volúmenes del álbum Use Your Illusion, aunque en versiones marcadamente diferentes. La versión de Use Your Illusion I es mayormente esperanzadora y optimista, con promesas reconfortantes como "estarás bien ahora, cariño", "te sentirás mejor mañana" y "hay un cielo sobre ti". En Use Your Illusion II, sin embargo, la canción se convierte en un himno a la derrota, con Rose (acompañado por Shannon Hoon de Blind Melon en ambas versiones) entonando: "Yo era quien lavaba la sangre de tus manos" y "Sé que lo que querías no es lo que tienes". "Don't Cry" es la primera entrega de la trilogía Illusion, que también incluye "November Rain" y "Estranged", y cuenta con un videoclip épico y multimillonario, del que Stradlin estuvo notablemente ausente, lo que provocó que apareciera brevemente un cartel que decía: "¿Dónde está Izzy?". - La estrofa inicial de este tema con un riff brillante y pegadizo de Izzy Stradlin (“Encontré una cabeza y un brazo en el contenedor de basura”) se inspiró en un macabro suceso real ocurrido durante las sesiones de grabación de Use Your Illusion. “Resultó que la policía encontró un brazo desmembrado y una cabeza en el contenedor de basura detrás del estudio”, escribió Slash en sus memorias. “Lo único que sé es que nosotros no lo hicimos, pero Izzy convirtió el suceso en la letra de "Double Talkin' Jive””. En el escenario, Axl solía dedicar la canción a quien lo hubiera enfadado ese día, sobre todo al actor Warren Beatty, a quien llamaba “parásito”. Por cierto, el tema concluye con uno de los más elegantes solos de Slash, en guitarra clásica, lo que eleva a “Double Talkin' Jive” a la categoría de joya. - Coescrita en los inicios del grupo por Stradlin y su amigo de toda la vida, West Arkeen, "Bad Obsession" canaliza la pasión de Guns N' Roses por los Rolling Stones y Aerosmith en un boogie blues-rock que invita a mover las caderas, repleto de la agresiva guitarra slide de Slash y la armónica y el saxofón tenor del líder de Hanoi Rocks, Michael Monroe. Es una oda febril a la droga predilecta de muchos miembros de la banda, la heroína, con letras que son a la vez sarcásticas y desgarradoras. En un momento, Axl se queja de que su madre es "una zorra ahora", y en otro, confiesa con su exagerado acento del Medio Oeste: "No puedo dejar de pensar en verte una vez más". - “November Rain” representa el punto de conexión entre la ambiciosa y extensa producción de Illusion y la cruda energía de Appetite for Destruction. Axl había trabajado en la canción durante años, y en 1983 le comentó a su excompañero Tracii Guns: “Algún día esta canción será genial.” Esta épica de nueve minutos contaba con elaboradas melodías de piano, cuerdas programadas con sintetizador y no uno, ni dos, sino tres de los mejores solos de guitarra de Slash de todos los tiempos; además de un extravagante videoclip de 1,5 millones de dólares. La inversión valió la pena, ya que “November Rain” alcanzó el puesto número 3 en la lista Billboard Hot 100, convirtiéndose en el segundo mayor éxito de Guns N' Roses, solo superado por “Sweet Child O' Mine”. Perfectamente podríamos decir que nada tan ambicioso había sido logrado por un grupo de rock comercial desde "Bohemian Rhapsody” de Queen, de quienes Axl tuvo influencia para componer esta canción, así como de Elton John.
Sep 15

Nirvana - Nevermind

¡Vótame en los Premios iVoox 2026! ”Vamos, gente Sonrían a su hermano Reúnanse todos Intenten amarse los unos a los otros ahora mismo” Sean bienvenidos a Punto Muerto. - En 2002, a once años del lanzamiento de Nevermind, Dave Grohl y Krist Novoselic —los miembros supervivientes de Nirvana— fueron entrevistados por Rolling Stone. Mientras hablaban, la era de Guns N’ Roses, del Sunset Strip y de anteponer el estilo al contenido se había convertido en una desvaída fotografía de vacaciones; ahora, el entusiasmo de la industria volvía a centrarse en el rock and roll: The Strokes, The White Stripes y el resto de esa nueva ola de música desenfadada y de espíritu cuidadosamente callejero. El hedonismo recuperaba su trono, y la lluvia y la atmósfera sombría de la época de Kurt parecían cosas de hace muchísimo tiempo. - David Fricke, periodista de Rolling Stone que había realizado algunas de las entrevistas más célebres a Nirvana a principios de los años noventa (muy a pesar de la opinión de Kurt de que “Rolling Stone apesta, siempre ha apestado y sigue apestando; que salgamos en la portada no va a hacer que Rolling Stone sea más cool”), le preguntó a Dave Grohl si creía que “Nevermind” había influido en la música que se escuchaba en aquel momento. “Eso sería demasiado egocéntrico”, dijo Grohl. “Me enorgullece haber formado parte de esa banda, haber tenido la oportunidad de significar tanto para tanta gente. Cuando los Foo Fighters damos conciertos, se me acercan chicos, integrantes de bandas nuevas que son enormes, que tienen 22 años, la misma edad que yo tenía cuando grabamos Nevermind, y me dicen que fui una gran influencia para ellos. Y lo único que eso consigue es hacerme sentir viejo, como Neil Young o algo así”. Charles R. Cross, biógrafo de Cobain y exeditor de “The Rocket”, una publicación musical de Seattle, coincide: “Creo que las canciones de Kurt se recordarán mucho después de que se disipe el ruido de su fama y su breve paso por las listas de éxitos. Considero que los temas que compuso estaban tan cargados de emoción y riesgo que seguirán teniendo significado para las generaciones futuras. Me ha sorprendido la cantidad de lectores jóvenes que ha tenido este libro, y creo que ya estamos viendo cómo una nueva generación descubre a Kurt y a Nirvana”. - Se ha escrito más sobre el suicidio de Kurt Cobain que sobre su mejor disco. Sabemos mucho más sobre los últimos años de su vida que sobre casi cualquier otra estrella de su misma talla. Hemos leído su nota de suicidio, visto su cadáver, presenciado el duelo de su esposa y oído hablar de su adicción. Hemos leído los numerosos libros y visto los documentales. Sabemos dónde compró el arma, dónde adquirió su última dosis, y hemos seguido sus últimos pasos. Sabemos prácticamente todo lo que llegaremos a saber sobre su muerte. Solo recientemente, una vez saciado el deseo de información, la atención ha vuelto a centrarse en su legado musical y en lo que este representará. Kurt se esforzó por escapar del impacto de Nevermind, por restarle importancia, por negar su grandeza e incluso por menospreciarlo; sin embargo, sigue siendo la pieza central de su carrera. “Resulta difícil creer que sea un disco tan revolucionario, tanto para los miembros del grupo y su entorno como para el resto del mundo”, declaró Krist Novoselic a David Fricke. “El álbum tiene mucha fuerza, pero no era un *Sgt. Pepper* con orquestas sinfónicas; era simplemente un disco de rock and roll. Podría haber salido en los años setenta o en los ochenta. Quizá eso explique en parte su enorme éxito. Podés perseguir una idea o un concepto concreto, pero este trabajo era austero y estaba cargado de sentimiento. Ahí reside la magia. No había pretensiones”. Nevermind fue un éxito tan inesperado que, incluso mientras lo grababan (conscientes de que habían firmado con un sello importante como Geffen y de que contaban con canciones realmente espectaculares), les resultaba imposible imaginar que llegaría a alcanzar tal magnitud. “No parecía posible”, afirmó Grohl. “Las listas de éxitos estaban copadas por Mariah Carey y Michael Bolton. Daba la sensación de que íbamos a pasar de nuevo por el inefable circuito underground”. - Antes de que la banda comenzara las sesiones con Butch Vig en abril de 1990, para lo que se planeaba como su segundo álbum completo para el sello Sub Pop de Seattle, nada en la historia reciente de Nirvana sugería que alcanzarían el estrellato. Su primer disco, Bleach, costó exactamente 606,15 dólares. No fue más que un éxito menor para un sello discográfico de moda. Y si Cobain tenía algo de la gloriosa sensibilidad pop de Nevermind en sus primeras composiciones, rápidamente la sepultó bajo la retroalimentación y la angustia. En esta situación, la banda atravesó un periodo de dos años de cambios drásticos. Realizaron sus primeras giras nacionales e internacionales. Kurt salió con Tobi Vail, de la banda Bikini Kill, y luego rompieron. Nirvana incorporó a un segundo guitarrista, Jason Everman, quien pronto se marchó y se unió a Soundgarden. El baterista de Nirvana, Chad Channing, también se fue, y a Kurt y Krist les resultó muy difícil encontrar un reemplazo. Su baterista original, Dale Crover, colaboró en una gira de siete fechas por la Costa Oeste; y Dan Peters, de Mudhoney, tocó en el sencillo "Sliver". - El sello Sub Pop estaba en bancarrota. Hasta los cheques de 100 dólares rebotaban porque no tenían fondos. “Decidimos eliminar al intermediario”, dijo Kurt, mientras Sub Pop analizaba los detalles de distribución con un par de grandes sellos. “Me sentía culpable porque quería seguir en su sello, ya que compartían ideas similares. En ese momento, me sentía como el enemigo. Pero no había nada que pudiera hacerme cambiar de opinión. Era demasiado arriesgado”. Butch Vig era un tipo muy simpático y un veterano de la escena punk underground. Había trabajado con Killdozer, Smashing Pumpkins y Tad para sellos independientes. Jonathan Poneman, de Sub Pop, le envió ,material de Nirvana, diciéndole: “Estos chicos van a ser más grandes que los Beatles”. Cuando entraron en Smart Studios en Madison, Wisconsin, Vig rápidamente notó las tensiones entre Kurt, Krist y Chad Channing. Krist le dijo a Vig que quería que la banda sonara potente. Kurt le respondió: “Queremos sonar más lentos y más potentes que Black Sabbath. Baja los agudos”. Vig podía hacerlo, pero también se confesaba como un "fanático del pop". Cuando escuchó las siete canciones que Kurt trajo, rápidamente se dio cuenta de que Kurt finalmente había incorporado su amor por Cheap Trick y The Beatles a su propuesta punk rock. "Las considero canciones pop", dijo Kurt. "No hay canciones tan salvajes y potentes como Paper Cuts o Sifting (de Bleach). Eso es demasiado aburrido. Prefiero algo con un buen estribillo”, concluyó. De las siete canciones que grabaron, cinco terminaron en Nevermind. La versión de Polly que grabaron se incluyó después de una remezcla; otras sufrieron ligeras modificaciones: Breed pasó a llamarse Imodium, Stay Away se convirtió en Pay To Play; e In Bloom y Lithium fueron reelaboradas. - Las sesiones se piratearon extensamente, y a finales de mayo de 1990 Nirvana ya había llamado la atención de la mayoría de las grandes discográficas. Sliver se lanzó como un lanzamiento provisional, y se separaron de Chad Channing. Krist llamó a Butch Vig y le preguntó si estaría interesado en producir un álbum para una gran discográfica. Vig aceptó. Y en septiembre se pusieron en contacto con Dave Grohl. Luego, Kurt llamó a Butch Vig y le dijo: “He encontrado al mejor baterista del mundo”. “Kurt era una especie de baterista”, dijo Dave Grohl a Rolling Stone. “Cuando tocaba la guitarra o componía canciones, si te fijabas en su mandíbula, la movía de un lado a otro, como si tocara la batería con los dientes. Escuchaba en su cabeza lo que quería del ritmo, y eso es difícil de explicar. Creo que una de las razones por las que me querían era porque hacía coros”. - Nirvana firmó con Geffen el 30 de abril de 1991, con Krist Novoselic asumiendo el papel principal como representante de los intereses de la banda. “Ni siquiera le prestábamos atención”, le dijo a David Fricke. “Yo era el que hablaba con el abogado. Un día firmamos todos los papeles y pedimos sándwiches. Comimos sándwiches y firmamos papeles, y eso fue todo. No sabíamos en qué nos estábamos metiendo. Recibimos todo ese dinero como anticipo y lo gastamos todo en estudios, videos e impuestos. Pero recuerdo que insistimos mucho en tener control creativo. Y lo conseguimos”, amplió Novoselic. “Fue increíble”, dice Grohl. “Pasamos de vender cabezales de amplificador y sencillos de Love Buzz para comer a tener millones de dólares. Recuerdo la primera vez que recibimos un cheque de 1000 dólares. Estábamos emocionadísimos. Salí y me compré una pistola de balines y un Nintendo, las cosas que siempre quise de niño”. - Nirvana, sin embargo, mantuvo una sólida ética de trabajo. Recorrían 96 kilómetros diarios para ensayar en Tacoma. Kurt trabajaba incansablemente en las canciones. Krist recuerda que "In Bloom" empezó "sonando como una canción de Bad Brains", pero luego se fue perfeccionando gracias a la persistencia de Kurt. El día que Kurt apareció con el riff inicial de "Smells Like Teen Spirit", hizo que la banda lo tocara sin parar durante una hora y media. "Intentaba escribir la canción pop definitiva", confesó Kurt. "Básicamente, intentaba imitar a Pixies. Tengo que admitirlo. Cuando escuché a Pixies por primera vez, conecté tanto con esa banda que debería haber formado parte de ella. Utilizamos su sentido de la dinámica, alternando momentos suaves
Sep 8

U2 - Easter Lily

¡Vótame en los Premios iVoox 2026! Tan solo seis semanas después del lanzamiento sorpresa de su EP Days of Ash, U2 ha publicado otro EP de seis canciones sin previo aviso. Este se titula Easter Lily y ya está disponible en YouTube y en todas las plataformas de streaming. A diferencia de Days of Ash, Easter Lily no tiene un mensaje político. Las canciones se centran en temas espirituales, la amistad, la pérdida y la esperanza. “Estamos en el estudio, trabajando en un álbum ruidoso, caótico y con un toque de color desmesurado para tocar en vivo… que es donde U2 vive”, declara Bono. “Seguimos recurriendo al rock and roll vibrante como un acto de resistencia contra toda esta atrocidad que vemos en nuestras pantallas. Sin duda, estos son años de incertidumbre para muchos de nosotros, viendo el caos que reina en el mundo”, agrega Bono. “Es una época que nos ha llevado a profundizar en nuestras vidas para encontrar una fuente inagotable de canciones que nos permitan conectar con el momento”, continúa. “Con Easter Lily, terminamos haciéndonos preguntas muy personales como: ¿Nuestras relaciones están a la altura de estos tiempos difíciles? ¿Cuánto luchamos por la amistad? ¿Puede nuestra fe sobrevivir a la distorsión del significado que esos algoritmos tanto les gusta recompensar? ¿Es toda la religión una tontería que sigue destrozándonos…? ¿O hay respuestas que encontrar en sus recovecos? ¿Hay ceremonias, rituales, danzas que nos estamos perdiendo en nuestras vidas? Desde el rito de la primavera hasta la Pascua y su promesa de renacimiento y renovación. El álbum Easter de Patti Smith me dio muchísima esperanza cuando se publicó en 1978. Todavía no tenía 18 años. El título es un homenaje a ella. Intentaremos hacer un gran alboroto y fanfarria más adelante para recordarle al resto del mundo que existimos, pero mientras tanto… esto es entre nosotros”. - El EP comienza con “Song For Hal”, que acabamos de escuchar, un homenaje al fallecido Hal Wilner (el reconocido productor musical estadounidense), con The Edge como vocalista principal. “Rara vez soy el vocalista principal”, dice Edge en una entrevista para el nuevo número del fanzine de U2, Propaganda. “Cuando me preguntan por qué, les explico que tenemos un gran cantante en la banda. Siempre imaginé que Bono sería la voz principal, pero él insistió en que la cantara yo. Le gustó cómo sonaba en mi voz, lo que un gran halago”. A continuación, “In a Life” es una oda a la amistad. “Si bien aceptamos lo absurdo que resulta hablar de fe y amistad en tiempos tan nihilistas, no nos arrepentimos… es una canción emocionalmente directa que para algunos no estará de moda”, dice Edge. “Pero esa es la clave: confrontar y desafiar la frialdad que se infiltra en las relaciones. Al escucharla después de “Song for Hal”, recuerdo que no debo dar por sentada la amistad”. - “Scars” (“Cicatrices” es español) se inspira musicalmente en la escena post-punk de principios de los ochenta. La letra trata sobre la autoaceptación y sobre asumir las cicatrices acumuladas a lo largo de los años. “Las cicatrices son útiles, los errores son útiles, si se pueden asumir”, dice Edge. “Esa es la clave. Cuando se ocultan o se niegan, es una mala noticia. Esa es la raíz del narcisismo, no el amor propio, sino la falsa perfección”, agrega el guitarrista. Bono lleva esta idea a otro nivel con una referencia a las heridas de Cristo, dándole un giro interesante recordándonos que fueron infligidas por el Estado en connivencia con la autoridad religiosa. “Iglesia y Estado son una combinación peligrosa”, comenta The Edge. Préstenle especial atención al trabajo de batería excepcional de Larry Mullen Jr, golpeando sus baquetas contra el borde del redoblante durante los versos y explotando en el coro. De una sutileza maravillosa. - Las raíces de “Resurrection Song” se remontan a una década atrás, a un demo que The Edge creó con el productor Jackknife Lee. “Buscaba una canción con un toque inspirador”, dice Edge. “La banda la llevó a otro nivel. Larry está tocando una de las mejores baterías que ha grabado en este tema”, concluye The Edge. Para aquellos que están cansados de que Bono no pare de hablar de amor, renovación y redención, esta canción es para ustedes. Básicamente, les está diciendo “que se jodan”, porque él aún no ha terminado. Y lo agradezco. Además, The Edge ha logrado crear un gancho interesante, uno capaz de cambiar su perspectiva y, de hecho, incluso sus vidas. - La banda también dedicó mucho tiempo a perfeccionar "Easter Parade" (“Desfile de Pascua” en español). Comenzó como una "reutilización de ideas antiguas de U2" hasta que Bono y el procuctor Jackknife Lee la transformaron en algo nuevo y fresco, aunque la letra conservó un tono muy espiritual. "Supongo que la pregunta es: ¿por qué estas canciones trascendentales ahora?", pregunta Edge. "Nuestra intuición nos dice que nuestro público está tan necesitado como nosotros de algo a lo que aferrarse en estos tiempos difíciles. No escribimos canciones que eviten mostrar un mundo en su trauma, su rabia y su dolor, y en estas canciones más espirituales damos testimonio de la fuente de la fuerza que hemos encontrado para transitar por este mundo". - Easter Lily concluye con “COEXIST (I Will Bless The Lord At All Times?)”, que incluye un paisaje sonoro con Brian Eno en teclados. “Empezamos este tema con Brian Eno”, dice Edge. “Era un riff de Bono sobre estos hermosos acordes de Brian. Bono y Jacknife Lee retomaron la canción y, como un músico de jazz, Bono se entregó por completo. Totalmente desatado. Tuve muy poca participación en este tema, pero es una de mis piezas favoritas que hemos creado recientemente”, complementa el guitarrista. - Las 12 canciones que aparecen en Days of Ash y en Easter Lily no estarán en el próximo álbum de U2. Y cuando comenzaron a trabajar en el LP, no tenían planes de lanzar EPs previos. Estas decisiones se tomaron en gran medida a último momento y requirieron mucha improvisación. “He estado durmiendo un promedio de dos horas por noche”, dice el productor Jackknife Lee en una entrevista para el fanzine Propaganda. “Me siento como si viviera en la Estación Espacial Internacional. He perdido la noción del tiempo. Ha sido muy intenso, pero también muy emocionante. Hay mucha incertidumbre y una mezcla de nerviosismo y emoción, lo cual es una gran fuente de inspiración creativa”. Tras perderse la residencia en Las Vegas de U2, en The Sphere en 2023 y 2024, para recuperarse de cirugías de cuello y espalda, Larry Mullen Jr. ha vuelto a la batería. “Larry ha tenido que aprender un nuevo estilo de batería debido a lesiones anteriores”, dice Jacknife Lee, “pero esto le ha abierto muchísimas posibilidades”. Y yo puedo decir que eso se nota en ambos EP, pero sobre todo en éste “Easter Parade”. Por el momento, no hay una fecha exacta para el lanzamiento del nuevo álbum, que se supone saldrá a finales de este año 2026. Tampoco han revelado ningún plan de gira. Lo que sí tenemos es el primer single, la pegadiza y festiva “Streets Of Dreams”, con su estribillo con una parte en español nombrando “La Calle de Ensueños”, promocionándola con un clip en las calles de Ciudad de México con mucha cercanía a su gente. Si pueden, intenten verlo. Nosotros los seguiremos esperando.
Sep 1

R.E.M. - Out of Time

¡Vótame en los Premios iVoox 2026! “El punto de inflexión es ese momento mágico en el que una idea, tendencia o comportamiento social cruza un umbral, se dispara y se propaga como la pólvora”, explica Malcolm Gladwell en su aclamado libro debut de 2000, El punto de inflexión: Cómo las pequeñas cosas pueden marcar una gran diferencia. Para R.E.M., el punto de inflexión llegó, sin duda, con su álbum de 1991, Out of Time, que catapultó a la banda originaria de Athens, Georgia, de venerados héroes del rock universitario a una poderosa fuerza del rock-pop. - Formada en 1980 por los compañeros de la Universidad de Georgia Michael Stipe (voz), Peter Buck (guitarra), Mike Mills (bajo) y Bill Berry (batería), R.E.M. lanzó sus primeros cinco álbumes de estudio en un lapso de cinco años a través del sello independiente I.R.S. Records. Gracias a álbumes como Murmur (1983), Reckoning (1984), Fables of the Reconstruction (1985), Lifes Rich Pageant (1986) y Document (1987), así como a los himnos “Radio Free Europe”, “So. Central Rain (I'm Sorry)”, “Driver 8”, “Fall on Me”, “The One I Love” y “It's the End of the World as We Know It (And I Feel Fine)”, el grupo cultivó una devota base de seguidores. Si bien la creciente base de fans de R.E.M. en ese momento era más extensa que la de la mayoría de las bandas de rock independiente, su alcance se limitaba principalmente a Estados Unidos, con una modesta presencia en el extranjero, en el mejor de los casos. En 1988, la banda firmó el primero de dos contratos multimillonarios con la importante discográfica Warner Bros. Records, que se comprometió a invertir fuertemente en la distribución y promoción mundial del grupo. Con sencillos notablemente más pulidos y aptos para la radio como "Pop Song 89", "Stand" y "Orange Crush", Green (1988) fue su primer lanzamiento bajo contrato con Warner Bros. y presagió el éxito masivo que llegaría pocos años después. - Lanzado en marzo de 1991 en medio del floreciente movimiento del rock alternativo, casi 10 años después del lanzamiento de su clásico sencillo debut "Radio Free Europe", Out of Time resultó ser un álbum transformador para la banda. “Marcó la transición de ser bastante conocidos a ser realmente conocidos”, explicó Mills a The Guardian en 2014. “Aunque para nosotros la fama fue gradual. Tuvimos mucha suerte, ya que cada disco hasta Automatic for the People (1992) y quizás Monster (1994) vendió más que el anterior. Así que se sintió muy natural y orgánico, en lugar de una avalancha repentina de notoriedad”. - Out of Time también demostró que el éxito comercial era alcanzable para bandas cuyo ADN y sensibilidad eran fundamentalmente indie, allanando el camino para megaestrellas del rock alternativo de principios y mediados de los 90 como Green Day, Nirvana, Pearl Jam y Smashing Pumpkins en Estados Unidos, así como para bandas británicas como Blur, Oasis y Pulp. En una entrevista para la portada de Rolling Stone en 1994, Kurt Cobain declaró: "Si pudiera escribir un par de canciones tan buenas como las que ellos han escrito... no sé cómo esa banda hace lo que hace. Dios, son los mejores. Han manejado su éxito como santos y siguen ofreciendo música genial". Si bien algunos fans y críticos acusaron a R.E.M. de comprometer su sonido característico y su reputación en el indie rock con Out of Time, los sentimientos de Cobain fueron secundados por muchos otros músicos, quienes reconocieron y celebraron su innegable influencia, inspiración e integridad, tanto antes como después de Out of Time. - Incluso con una escucha superficial de Out of Time, resulta evidente que el álbum no se parece a ningún otro disco de R.E.M. anterior. Con un sonido que refleja la experiencia de una banda que ya no se conforma con explotar los temas ya conocidos de sus discos anteriores, sigue siendo la colección de canciones más variada y audaz que jamás hayan creado. “Para mí, Out of Time es un disco lleno de desafíos”, confesó Stipe en una entrevista con el New York Times. “Tras finalizar nuestra gira de 11 meses en 1989 y llegar el momento de componer el nuevo álbum, Peter no quería ni ver una guitarra eléctrica, y mucho menos tocarla. Dado que todos los miembros de la banda son multiinstrumentistas, optaron por instrumentos que les resultaban poco familiares”, continúa Stipe. Como muestra de la liberación del grupo de las expectativas y la rutina, la guitarra acústica, el clavecín, la mandolina y el órgano tienen un papel destacado en Out of Time, lo que resulta en una experiencia auditiva más ecléctica y experimental —pero no por ello menos coherente— en comparación con los álbumes anteriores de R.E.M. - También cabe destacar en las once canciones de Out of Time la ausencia de letras explícitamente políticas, que han sido prácticamente abandonadas y reemplazadas por canciones de amor, un matiz que Stipe reconoció en una entrevista para la revista SPIN en 1991. “Como letrista, no debería estar atado a la idea de que cada canción que escribo tiene que tratar sobre la difícil situación de las personas sin hogar o el medio ambiente”, insistió Stipe. “Uno no puede escribir canciones así sin consecuencias. No puedo hacerlo siempre, y no quiero encasillarme como un cantautor político en una banda de rock. Cada canción de este disco es una canción de amor. Lo político es solo un trasfondo. Es algo que nunca habíamos hecho antes. He escrito canciones de amor, pero eran bastante oscuras y ambiguas. Estas canciones tratan sobre todo tipo de amor, excepto quizás el amor por la patria”. - Es cierto que muchas de las letras de Stipe en Out of Time son —quizás intencionadamente— crípticas, lo que las hace carentes de un significado intuitivo inmediato y abiertas a diversas interpretaciones, una idea con la que Stipe se siente cómodo. “Creo que la música va mucho más allá del pensamiento racional”, declaró Stipe a Rolling Stone. “No tiene por qué tener sentido. ‘Half a World Away’ no tiene sentido para nadie más que para mí. E incluso para mí, es una experiencia totalmente inventada. Está basada en cosas que sé, que vi en la televisión o que me contaron personas que conozco. Es una invención total. Pero hay algo ahí.” Presentada como primer sencillo tres semanas antes del lanzamiento del álbum, la conmovedora “Losing My Religion”, que examina con elocuencia la obsesión y la inseguridad en asuntos del corazón, sigue siendo la canción más exitosa y reconocible de R.E.M. hasta la fecha, aunque no necesariamente la mejor del álbum. Ni la banda ni Warner Bros. esperaban que la canción se volviera tan omnipresente, pero la radio y MTV la popularizaron y la catapultaron a la fama, siendo hoy un clásico imposible de ignorar. - Si bien muchos aún asocian, de forma invariable y miope, el álbum con el recién escuchado megaéxito, existen muchas otras canciones que, con razón, se encuentran entre las mejores y más interesantes de la prolífica carrera de R.E.M. Irónicamente, considerando la evidente facilidad para la radio de "Losing My Religion" y "Shiny Happy People", la animada canción que abre el álbum y cuarto sencillo, "Radio Song" (que escuchamos al principio de Punto Muerto), lamenta las listas de reproducción radiofónicas repetitivas, estableciendo paralelismos con relaciones monótonas que, de igual manera, ofrecen poco o ningún consuelo ni satisfacción. KRS-One, cofundador de Boogie Down Productions e ícono del hip-hop, hace una aparición poco convencional, concluyendo la canción con una rima demasiado breve. Estos dos artistas forman una extraña combinación, pero al final funciona, ya que KRS-One complementa la voz de Stipe de una manera refrescante. Otro momento refrescante es escuchar Mike Mills cantar una de las canciones más bellas de los primeros noventa. Con ustedes, la delicada y celestial “Near Wild Heaven”. - Aunque conozco a muchos amigos que comparten mi aprecio, mi amor, por el tercer sencillo, "Near Wild Heaven", liderado por Mike Mills, una deslumbrante exploración de una relación que roza la grandeza pero nunca la alcanza, mucha menos gente ha defendido abiertamente "Shiny Happy People", el segundo sencillo del álbum. Si bien rivaliza e incluso supera a "Stand" como la composición más descaradamente pop de la carrera de R.E.M., la enérgica "Shiny Happy People" no es necesariamente la sentimental oda a la alegría desenfrenada que algunos podrían pensar. Inspirada en parte por los carteles propagandísticos del gobierno chino tras la masacre de la Plaza de Tiananmén, la canción gira en torno a la idea de que tales visiones utópicas de armonía y júbilo a menudo no son más que una farsa, ideadas para enmascarar las verdades del descontento y la desilusión. Independientemente de las verdaderas inspiraciones de la canción o de si te gusta o no, sospecho que la mayoría estará de acuerdo en que los impresionantes coros de Kate Pierson, de The B-52, banda ateniense compañera de R.E.M., son sin duda lo más destacado. - Los cuatro sencillos de Out of Time están ubicados dentro de las primeras seis pistas del álbum, que también incluyen el único tema instrumental "Endgame", por lo que sería fácil pasar por alto la segunda mitad del LP. Sería un error garrafal, ya que se pueden encontrar auténticas joyas en los últimos veinte minutos. "Texarkana", una reflexión sobre la eterna búsqueda de la plenitud en la vida, y la otra canción que cuenta con la voz principal de Mills, destaca entre todas, con sus melodías de pop-guitarra envolventes y brillantes que recuerdan sutilmente a "The One I Love". "Country Feedback", un lamento sobre la desintegración del amor, y "Half a World Away", una contemplación solemne de la resignación alimentada por la soledad, representan o
May 17

Michael Jackson - Bad

¡Vótame en los Premios iVoox 2026! Según la opinión generalizada, Michael Jackson alcanzó su apogeo artístico con Off the Wall (1979) y Thriller (1982), y Bad (1987) marcó el inicio de un declive lento pero constante. Sin embargo, este periodo de intensa creatividad es mucho mejor de lo que su reputación sugiere. Bad contiene más clásicos del pop que la mayoría de las recopilaciones de grandes éxitos, un repertorio más amplio del que algunos recuerdan y una estética visual innovadora que consolida el legado de Jackson como la primera superestrella genuina de la era del videoclip. Sin duda, lanzar un álbum tras el éxito de Thriller fue una tarea titánica (aproximadamente 38,5 millones de copias vendidas en su momento, siete premios Grammy y siete sencillos en el Top 10 de Billboard), pero Jackson disfrutaba compitiendo consigo mismo, tanto a nivel comercial como artístico. En esta ocasión, su audaz visión era crear un álbum pop que vendiera 100 millones de copias e incorporara sonidos nunca antes escuchados. Con estos ambiciosos objetivos en mente, Jackson compuso más de 60 canciones, con la intención de lanzar 33 de ellas en un álbum triple. El productor Quincy Jones, aunque entusiasmado con la llegada de nuevo material prometedor, sugirió que lo redujera a un solo LP que ofreciera a sus oyentes la máxima intensidad. Entonces, tras cinco años de ausencia, ¿podría Michael Jackson volver a revolucionar el mundo del pop? La respuesta fue un rotundo sí. - En su búsqueda por alcanzar nuevas cotas en el pop, Bad combina la tecnología de estudio más avanzada de la época con melodías irresistibles que provocan movimientos de cabeza y cadera en señal de aprobación. La perfecta fusión de electrónica vibrante y soul clásico en «The Way You Make Me Feel» evoca el espíritu de «P.Y.T. (Pretty Young Thing)». «Es un ritmo shuffle realmente intenso», comentó el tecladista Greg Phillinganes. «Recuerdo lo mucho que me divertí grabando esas partes sincopadas, la línea de bajo, todo eso, y viendo la expresión en la cara de Michael: esa gran sonrisa que significaba que lo habías conseguido». Según se cuenta, «Speed Demon», escrita después de que Jackson recibiera una multa por exceso de velocidad camino al estudio, fusiona voces potentes, líneas de bajo vertiginosas y el rugido de los motores en un funk con viento de frente que te hará vibrar. - “Just Good Friends”, con la colaboración de Stevie Wonder, puede ser el capítulo menos interesante del álbum, pero mezcla sintetizadores alegres y cierto pop adolescente de Motown en una adaptación de “The Girl Is Mine” de Thriller. “Another Part of Me”, es un brillante torbellino de synth-funk, metales de jazz y luces de neón. Curiosamente, este enérgico tema bailable casi pierde su lugar en la lista final frente a la favorita de los fans, “Streetwalker”, pero Jones tomó la decisión correcta al convencer a Jackson de mantenerlo en Bad, ya que se disparó al número 1 y al número 11 en las listas de R&B y pop de Billboard, respectivamente. - Complementando esos ritmos contundentes, Jackson se muestra dispuesto a brindar a sus colaboradores de primer nivel la oportunidad de sacar lo mejor de él con su aporte creativo. Gran parte del mérito corresponde a los excelentes músicos John Barnes, Chris Currell y Paulinho Da Costa, cuyos sintetizadores envolventes, percusión tribal y sitares vibrantes realzan el brillo exótico de "Liberian Girl". La voz principal y los coros de Jackson son sinceros y rebosan sentimiento mientras exalta la belleza africana, algo poco común en el ámbito del pop comercial. "Toda su música es tan diferente", explicó Quincy Jones. "Es decir, 'Liberian Girl', ¿a quién se le ocurriría algo así? Es increíble. Solo las imágenes y todo lo demás. Es una fantasía asombrosa". Cuenta la leyenda que Jackson y Jones consideraron a las reconocidas vocalistas Barbra Streisand, Aretha Franklin y Whitney Houston como posibles compañeras para un dueto en "I Just Can't Stop Loving You". Al no poder contar con ninguna de ellas, Jones reclutó a la relativamente desconocida Siedah Garrett (coautora de “Man in the Mirror” con Glen Ballard), quien no supo de su nuevo papel hasta el día de la grabación. A pesar de la compleja génesis de la canción, su deslumbrante química vocal está tan bien ejecutada que evoca recuerdos de la época dorada de Marvin Gaye y Tammi Terrell. - La feroz “Dirty Diana” profundiza en la naturaleza depredadora de “Billie Jean” al sumergirse en el abismo de pesadilla del fanatismo por las celebridades. Cuando la groupie del título percibe la resistencia de Michael (“Mi chica está en casa, probablemente esté preocupada esta noche”), le lanza una punzante frase a su novia por teléfono (“No va a volver porque se acuesta conmigo”). En el vertiginoso clímax de la canción, Jackson estalla en una ráfaga de gritos mientras Steve Stevens, guitarrista de Billy Idol desde hace mucho tiempo, ofrece un solo electrizante que resuena como un relámpago en un cielo ennegrecido. En un álbum repleto de canciones extraordinarias, «Man in the Mirror» es el pilar emocional y un ejemplo impresionante de la grandeza de Bad cuando todo encaja a la perfección. Este himno inspirador de gospel y pop reflexiona sobre la insensibilidad de la sociedad ante el sufrimiento ajeno («Veo a los niños en la calle sin suficiente para comer / ¿Quién soy yo para ser ciego? Fingiendo no ver sus necesidades»). Mientras estas imágenes desgarradoras conmueven, Jackson y el impresionante coro de Andraé Crouch invitan a ser parte de la solución («Si quieres hacer del mundo un lugar mejor, mírate a ti mismo y cambia»). Rolling Stone elogió posteriormente su interpretación de la canción en los Premios Grammy de 1988, calificándola de «majestuosa y definitiva, como el moonwalk de Motown en su 25 aniversario». Puede que Michael no haya escrito «Man in the Mirror», pero su implicación emocional la convierte en una canción tan ligada a su vida como ninguna otra que haya grabado. - Bad no solo transformó el panorama del pop a través de su música, sino también de su estética, con una serie de innovadores cortometrajes que siguen siendo profundamente influyentes y sumamente ambiciosos. Inspirada libremente en la trágica muerte de Edmund Perry, la historia de "Bad" gira en torno al personaje de Jackson, Daryl, quien celebra el final del semestre escolar antes de regresar a su barrio marginal de Harlem. Sus viejos amigos del barrio (liderados por un joven Wesley Snipes) se burlan de él por su elocuencia y lo incitan a unirse a su banda de atracadores. Cuando Daryl se niega a participar en el plan de robar a un anciano, lo acusan de no estar a su altura. "¿Eres malo [negro] o qué?", pregunta Snipes. La forma en que Daryl/Jackson responde a esta pregunta —con la ayuda del aclamado cineasta Martin Scorsese y el galardonado novelista Richard Price— resulta fascinante, ya que reinventa las posibilidades de la identidad negra, desde las camperas de cuero hasta los movimientos de ballet callejero de West Side Story. Puede que algunas de las obras más grandes y llamativas de Jackson eclipsen a "Bad", pero es una de sus creaciones esenciales, con una conciencia social optimista que merece ser objeto de debate académico. - El sarcasmo es una poderosa herramienta que Jackson utiliza en "Leave Me Alone", desafiando abiertamente el sesgo manifiesto e insidioso de los paparazzi. La enorme popularidad de Jackson prácticamente lo obligó a retirarse de la vida pública en 1987, lo que generó una profunda desconfianza hacia los medios y una tormenta de rumores extravagantes, algunos de los cuales él mismo orquestó para ser ligeramente excéntricos, mientras que otros causaron gran revuelo. El director Jim Blashfield, conocido por su animación stop-motion en "And She Was" de los Talking Heads, pasó tres días filmando a Michael con una cámara de 35 mm antes de que su equipo de animadores cortara y superpusiera cientos de imágenes durante un agotador período de nueve meses. El producto final sumerge a la estrella en un laberinto de rumores sensacionalistas: cantando desde una cámara hiperbárica de oxígeno, paseando por un santuario dedicado a Elizabeth Taylor y actuando junto a los huesos del Hombre Elefante, antes de que un Jackson a tamaño real destruya el ambiente carnavalesco que una vez lo aprisionó (al estilo de Los viajes de Gulliver de Jonathan Swift). A pesar de su imaginación cinematográfica y su autoparodia, «Leave Me Alone» resalta el absurdo que, lamentablemente, marcó la vida de Jackson. - Aunque «Thriller» suele considerarse la mejor obra de teatro musical jamás concebida para una canción pop, es hora de admitir que «Smooth Criminal», dirigida por Colin Chilvers, es igual de significativa. Luciendo ese impecable traje blanco con un misterioso brazalete que acompañó casi durante el resto de la vida de Michael. Deslumbrando al público al introducir una moneda sin esfuerzo en la máquina de discos iluminada con neón. Inventando un vocabulario de baile que sintetice los movimientos clásicos de Fred Astaire, el vibrante juego de pies de James Brown y la alocada animación de los Looney Tunes, todo a la vez. Presentando una inclinación antigravedad de gánster antes de empuñar una ametralladora Tommy de época justo cuando su captura parece inminente. Además de todo eso, estos elementos sirven como pieza central de su largometraje de 1988, Moonwalker, así como de un videojuego arcade de SEGA del mismo nombre. Una intrincada mezcla de musicales de la MGM y cine negro detectivesco, "Smooth Criminal" es, si no el espectáculo definitivo de Michael Jackson, sin duda está entre los mejores. Como capítulo final de la saga de Michael Jackson y Quincy Jones, Bad establ
May 10

Michael Jackson - Thriller

¡Vótame en los Premios iVoox 2026! Thriller. Tan solo mencionar el álbum evoca una serie de imágenes icónicas y estadísticas que batieron récords. Es el álbum más vendido de todos los tiempos. Permaneció un récord de 37 semanas en el número 1 (incluyendo dos rachas consecutivas de 17 semanas). Fue el álbum más vendido del año durante dos años consecutivos, en 1983 y 1984. Fue el primer álbum en generar 7 sencillos en el Top Ten. Ayudó a Michael Jackson a establecer un récord de premios GRAMMY en una sola noche con ocho estatuillas. Sus videos transformaron lo que podían ser los clips promocionales y rompieron las barreras raciales de la incipiente MTV; evocando imágenes de calles iluminadas, camperas de cuero de colores, zombis bailando, medias brillantes, guantes blancos con lentejuelas y moonwalks. Se convirtió en el modelo a seguir para alcanzar el éxito, superando las ventas conjuntas del resto de los álbumes del Top 10 de todos los tiempos. Como dijo Quincy Jones, "salvó a la industria discográfica" y catapultó a Michael a la cima del estrellato. Pero antes de todo eso, antes de los premios y los elogios, simplemente existía Thriller, el sucesor del emblemático álbum Off The Wall (1979) de Jackson. Jackson, que ya no era considerado solo el niño prodigio de The Jackson 5 que escuchábamos al principio, había demostrado ser un artista solista vibrante y consolidado con su innovador éxito que desafió la música disco. - Con Thriller, Jackson quería seguir impulsando su creatividad. Su objetivo era crear un álbum que no estuviera limitado por clasificaciones de género basadas en prejuicios raciales ni por la difusión radiofónica. Quería un álbum donde cada canción fuera un éxito rotundo: un álbum de puro Thriller, sin relleno, por así decirlo. Jackson se reunió con el productor Quincy Jones y el ingeniero Bruce Swedien en los estudios Westlake el 14 de abril de 1982 para comenzar a trabajar en Thriller. La primera canción grabada, y que finalmente se convertiría en el primer sencillo del álbum, fue el famoso dúo entre Paul McCartney y Jackson, "The Girl Is Mine", una canción melódica y agradable que, si bien era encantadora, no presagiaba el éxito arrollador que estaba por venir. Tras un largo descanso, Jackson y su equipo regresaron al estudio a finales de año y retomaron el trabajo en el nuevo álbum. Las sesiones se prolongaron hasta el 8 de noviembre y en ellas el equipo redujo una colección de treinta canciones (que Jones había inflado hasta los cientos) a las nueve finales que conformarían el álbum definitivo. Cuando Thriller debutó el 30 de noviembre de 1982, los ecos de Off The Wall y del álbum más reciente de los Jackson, Triumph (1980), cumplieron con las expectativas de los compradores. Con "The Girl Is Mine" en el Top 10, muchos se preguntaron si era un indicio de la nueva dirección que Jackson estaba tomando. Una cosa era segura: esto no era el "Don't Stop Til You Get Enough Part II" que muchos esperaban. En retrospectiva, "The Girl Is Mine" podría haber sido el primer sencillo de sacrificio para lanzar el gran dúo y dejar espacio para lo que estaba por venir. - Al sonar Thriller, una sucesión vertiginosa de tres éxitos marcó el comienzo de una nueva era para Jackson. Cualquier temor sobre si estaba abandonando el funk pronto se disipó al ritmo enérgico y la hipnótica línea de bajo de "Wanna Be Startin' Somethin'" que llenaron el ambiente. Cargada de energía, se percibe una urgencia palpable, como si Jackson estuviera ansioso por escuchar Thriller. Con cada verso de "Startin' Somethin'", se incorporan más adornos instrumentales: metales que perforan las líneas melódicas, sintetizadores que giran y palmas percusivas que resuenan. La combinación eleva la canción a otro nivel con cada nuevo estribillo. Jackson canta sobre un mundo ávido de chismes, que se deleita con rumores e insinuaciones (incluso dedicando un verso a abordar el tema del embarazo adolescente). Curiosamente, la primera vez que la escuchaste fue por la mención de "Billie Jean" en una breve aparición lírica que se desarrollaría más adelante en varias canciones. La voz de Jackson es mordaz, intensa e incluso burlona en el puente, donde canta: "Eres un vegetal / Se alimentan de ti". Para rematar esta épica introducción, Jackson cambia el tono, pasando de la paranoia y la persecución a la esperanza y el empoderamiento, mientras la canción alcanza su clímax con un cántico (ahora frecuentemente sampleado) que la eleva a otro nivel, convirtiéndola en una de las mejores canciones de apertura de un álbum en la historia de la música pop. - Como ya había hecho con Off The Wall, Jackson complementa sus propias creaciones con canciones de compositores externos, entre ellos Rod Temperton. Temperton terminó contribuyendo con tres temas, incluyendo el ritmo funk-soul de “Baby Be Mine” (que acabamos de escuchar), donde Jackson muestra una voz más desenfadada que en el resto del álbum. La producción, y en especial la voz de Jackson, elevan la canción por encima de lo que cabría esperar en un álbum de un artista menos talentoso. Junto con “The Girl Is Mine” en la secuencia, el impulso generado por “Wanna Be Startin’ Somethin’” disminuye un poco antes de repuntar con el épico tema que cierra la primera cara del disco. Es difícil no evocar las imágenes del emblemático cortometraje en cuanto se escucha el inicio de “Thriller”, pero antes de que esas imágenes icónicas se grabaran en nuestra memoria colectiva, solo existía este tema pegadizo, aunque peculiar, en medio de un álbum por demás maduro. Originalmente escrita como una melodía optimista llamada "Starlight", la letra fue modificada a petición de Jackson y Jones, quienes consideraron que la canción debía tener un tono más oscuro. Encargado de la tarea, Temperton regresó con esta oda al terror de serie B, y Jackson lo llevó a otro nivel. "Thriller" es a la vez una novedad y una seria candidata para ponerte a bailar. Su ritmo contagioso te atrapa como uno de los espectros de la canción y no te suelta, mientras que la voz de Jackson transmite una sensación de pavor antes de estallar en emoción en el estribillo demoledor. Como cierre de la primera cara del disco, "Thriller" reaviva la emoción con la que comenzó el álbum y te deja ansioso por lo que viene después. - Desde sus primeros toques electrónicas, "Beat It" sonaba diferente a todo lo que habías escuchado de Jackson a lo largo de su carrera. Era más dura. Más cruda. Más visceral. Era rock. Ha desaparecido la suavidad y la dulzura que solían caracterizar su voz, sustituidas por una interpretación más desafiante y afilada. Repleta de estribillos pegadizos y una gran sensibilidad musical, "Beat It" se inspira en el mundo urbano que lo rodea, mientras Jackson transmite la presión de un joven que necesita demostrar su valía en un entorno callejero hostil. Para dar forma a esta audaz incursión en el mundo del rock, llegó la genialidad de combinar la potente voz de Jackson con la destreza rockera de Eddie Van Halen. Los inconfundibles riffs de Van Halen estallan mientras toca la guitarra como un mago, y su solo ahora se siente como una inclusión natural, en lugar de la arriesgada combinación de rock "blanco" con un artista "negro". Una combinación que no solo amplió el panorama musical, sino que también acabó con los formatos de radio segregados. - Si alguna vez existió una canción emblemática de Michael Jackson, sin duda sería la obra maestra sonora que es "Billie Jean". La nitidez del primer compás es asombrosa. Un simple ritmo de un solo paso, pero su impacto tiene tal energía y fuerza que resulta casi irresistible. Y entonces entra el bajo. Con una mezcla de contundencia y profundidad, el bajo recorre la canción con tal potencia sonora que literalmente vibra en los altavoces. Para la mayoría de las canciones, estos dos elementos bastarían para convertirla en un clásico instantáneo, pero musicalmente Jackson aporta tantos detalles que la elevan de ser una de las mejores canciones que grabó a ser una de las mejores canciones jamás grabadas por nadie, sin duda alguna. Desde la interpretación lírica percusiva hasta las ricas armonías, pasando por los coros que contrastan y los tentadores adornos musicales, "Billie Jean" es lo más cercano a la perfección musical que jamás encontrarás. En cada frase, en cada nota, hay algo que capta la atención del oído y lo mantiene entretenido. También desarrolla un motivo lírico que se convertiría en un motivo familiar, y bastante revelador, que presenta las interacciones de Jackson con las mujeres bajo el arquetipo de la femme fatale. ¿Quién iba a imaginar que cuestionar la paternidad podría ser tan pegadizo? Pero ese es uno de los talentos líricos de Jackson: lograr que cantes una canción tan pegadiza, tanto en sus rimas como en su interpretación, que no es hasta mucho después que te detenés a investigar su significado. Junto con «Beat It» y «Wanna Be Startin’ Somethin’», «Billie Jean» muestra una creciente madurez en la composición de Jackson, tanto musical como líricamente, y evidencia cómo su voz se va consolidando en el estilo característico que lo haría famoso (y que a menudo era y es imitado). - Es fácil olvidar el poder de Thriller cuando la mayoría de sus canciones se han convertido en clásicos a lo largo del tiempo. Dicho eso, al reescuchar la inquietante, seductora e íntima "Human Nature", su belleza se revela constantemente. Con la introducción onírica de sintetizadores sutiles y una guitarra seductora, el corazón de "Human Nature" reside en el misterio de la letra y la dulce y etérea interpretación vocal de Jackson. Compuesta por Steve Porcaro, exmiembro de Toto, y el letrista John Bettis, "Human Nature" posee una cualidad melódica et

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