Clásicos en el Aire

javito13

https://www.ivoox.com/podcast-clasicos-aire_sq_f12479171_1.html Descubre “Clásicos en el Aire”! En este podcast, cada episodio te transporta directamente a las mejores películas del cine clásico a través de su audio. Escucha los diálogos cautivadores, la música inolvidable y las escenas que han dejado huella en la historia del cine. Perfecto para los amantes del cine que desean revivir sus películas favoritas en un formato diferente. ¡Sintoniza y deja que la magia del cine clásico hable por sí misma! Nota: Todas las películas de éste podcast son de dominio público y libres de derechos. https://www.ivoox.vip/plus?affiliate-code=af5b0e46baf4ad937869c044bd46bcbf https://www.ivoox.vip/premium?affiliate-code=0313ce6ca481986b3f6c1b4a348b6745 https://www.ivoox.vip/plus?affiliate-code=af5b0e46baf4ad937869c044bd46bcbf

  1. 3d ago

    Las Cuatro Hermanitas (de George Cukor con Katharine Hepburn) (1933)

    ¡Gracias por escuchar este episodio! Puedes disfrutar de más contenido y seguir nuestro programa completo en iVoox: https://www.ivoox.com/podcast-clasicos-aire_sq_f12479171_1.html Si prefieres escuchar este episodio directamente en iVoox, haz clic aquí https://go.ivoox.com/rf/179507902 Tu apoyo en iVoox nos ayuda a crecer y a seguir creando contenido. ¡Gracias por estar ahí! Ficha técnica Título original: Little Women Año: 1933 Director: George Cukor Productores: Merian C. Cooper y Kenneth Macgowan Guion: Sarah Y. Mason y Victor Heerman, basado en la novela de Louisa May Alcott Fotografía: Henry W. Gerrard Montaje: Jack Kitchin Música: Max Steiner Estudio: RKO Radio Pictures Duración: 115 minutos País: Estados Unidos Idioma original: Inglés Formato: Blanco y negro Género: Drama, romance, cine familiar Reparto principal: Katharine Hepburn como Jo March Joan Bennett como Amy March Frances Dee como Meg March Jean Parker como Beth March Spring Byington como Marmee March Douglass Montgomery como Laurie Paul Lukas como el profesor Bhaer Edna May Oliver como la tía March Sinopsis: Durante la Guerra de Secesión estadounidense, las cuatro hermanas March —Meg, Jo, Beth y Amy— afrontan el paso de la adolescencia a la edad adulta mientras su padre combate en el frente. Cada una posee una personalidad muy diferente y deberá enfrentarse a sus propios sueños, desilusiones, sacrificios y descubrimientos sentimentales. Unidas por un profundo cariño familiar y guiadas por el ejemplo de su madre, aprenderán que crecer implica aceptar tanto las alegrías como las pérdidas que trae la vida. Datos económicos: La película fue uno de los grandes éxitos de 1933 para RKO Radio Pictures. Su extraordinaria acogida ayudó a fortalecer la situación económica del estudio durante los difíciles años de la Gran Depresión y se convirtió en una de las películas más taquilleras del año. Además, consolidó definitivamente a Katharine Hepburn como una de las grandes estrellas de Hollywood, después de algunos trabajos anteriores que ya habían llamado la atención de la crítica. Recepción en su época: La crítica fue prácticamente unánime en sus elogios. Se alabó especialmente la dirección de George Cukor, la fidelidad a la novela de Louisa May Alcott y la extraordinaria interpretación de Katharine Hepburn como Jo March. El público respondió de manera entusiasta, convirtiendo la película en uno de los mayores acontecimientos cinematográficos del año. Durante décadas fue considerada la adaptación definitiva de la novela. Premios y nominaciones: La película obtuvo tres nominaciones a los Premios Óscar: Mejor película. Mejor director para George Cukor. Mejor guion adaptado.Ganó, concedido a Sarah Y. Mason y Victor Heerman. National Board of Review: Top Ten Films del año Festival de Venecia: Medalla de Oro Mejor Actriz para Katharine Hepburn Datos y curiosidades Katharine Hepburn llevaba años soñando con interpretar a Jo March. Había leído la novela cuando era niña y siempre decía que Jo era el personaje literario con el que más se identificaba. De hecho, su propia madre la llamaba cariñosamente "Jo" cuando era pequeña. George Cukor y Hepburn iniciaron aquí una de las colaboraciones más importantes de la historia de Hollywood. El director quedó fascinado por la inteligencia y la naturalidad de la actriz, y volverían a trabajar juntos en numerosas ocasiones durante casi cuarenta años. El guion pasó por varias versiones antes de encontrar la definitiva. Tanto Cukor como Hepburn afirmaron posteriormente que los primeros borradores no conseguían captar el espíritu de la novela y hubo que rehacer gran parte del libreto antes de comenzar el rodaje. La recreación de la casa de las hermanas March fue uno de los mayores orgullos del departamento artístico. Se consultaron ilustraciones y documentos históricos para conseguir un ambiente lo más fiel posible al de la Nueva Inglaterra del siglo XIX. Max Steiner compuso una de las bandas sonoras más delicadas de su primera etapa en Hollywood. Muchos críticos consideran que su música fue decisiva para reforzar la carga emocional de la película y abrir el camino a sus futuras obras maestras. Retrospectiva y legado: Hoy Las cuatro hermanitas sigue siendo considerada por numerosos críticos la mejor adaptación cinematográfica de la novela de Louisa May Alcott. Su influencia puede apreciarse en prácticamente todas las versiones posteriores, especialmente en las de 1949, 1994 y 2019, que inevitablemente han sido comparadas con el trabajo de George Cukor. La interpretación de Katharine Hepburn continúa siendo una de las composiciones más admiradas de toda su carrera y suele figurar entre las mejores heroínas de la historia del cine clásico. Asimismo, la película consolidó definitivamente la reputación de George Cukor como uno de los grandes directores de actrices de Hollywood. Comentario final: Las cuatro hermanitas posee una cualidad muy difícil de conseguir: emociona sin recurrir al sentimentalismo fácil. George Cukor dirige con una sensibilidad extraordinaria un reparto en estado de gracia, donde cada una de las hermanas posee una personalidad perfectamente definida. Sin embargo, es Katharine Hepburn quien eleva la película a otra categoría. Su Jo March rebosa inteligencia, rebeldía, humor y vulnerabilidad, convirtiéndose en uno de los grandes personajes femeninos del cine clásico. La puesta en escena es elegante, la fotografía transmite una cálida sensación de hogar y la música de Max Steiner envuelve cada momento con una delicadeza excepcional. Más de noventa años después de su estreno, Las cuatro hermanitas sigue conservando intacta su capacidad para conmover. No solo es una magnífica adaptación literaria, sino una de las grandes películas familiares de todos los tiempos y una de las obras fundamentales de la etapa dorada de Hollywood. Una obra maestra imprescindible. https://www.ivoox.vip/premium?affiliate-code=985097bbe4dc8c1b333282b900e6636c https://www.ivoox.vip/premium?affiliate-code=0313ce6ca481986b3f6c1b4a348b6745  https://www.ivoox.vip/plus?affiliate-code=af5b0e46baf4ad937869c044bd46bcb

    Las Cuatro Hermanitas (de George Cukor con Katharine Hepburn) (1933)
  2. Aug 19

    El Chantajista (con Carole Lombard) (1929)

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País: Estados Unidos Idioma original: Inglés Formato: Blanco y negro Género: Drama criminal, cine negro, thriller (Pre-Code) Reparto principal: Robert Armstrong como Mahlon Keane Carole Lombard como Rhoda Philbrooke Roland Drew como Tony Vaughan Paul Hurst como el policía Mehaffy Jeanette Loff como Millie Chapman John Loder como Jack Oakhurst Hedda Hopper como Karen Lee Sinopsis: En los últimos años de la Ley Seca, el elegante mafioso Mahlon Keane conoce a Rhoda Philbrooke, una mujer que hace trampas en una partida de póker para conseguir dinero con el que ayudar al hombre al que ama: un violinista alcohólico. Keane se enamora de Rhoda y utiliza su poder dentro del mundo del crimen para intentar conquistarla, mientras se enfrenta a bandas rivales y a una espiral de violencia que amenaza con destruir todo aquello que desea proteger. Más que una película de gánsteres al uso, El chantajista es un melodrama criminal donde el amor, la redención y la ambición se mezclan en plena era de la Prohibición. Datos económicos: Como muchas producciones de Pathé Exchange durante la transición al cine sonoro, no existen cifras fiables sobre su presupuesto o recaudación. No obstante, la película obtuvo una acogida comercial discreta. No fue un gran éxito, aunque contribuyó a consolidar el auge del cine de gánsteres que pocos años después alcanzarían títulos mucho más conocidos como Little Caesar o The Public Enemy. Recepción en su época: La crítica destacó la atmósfera criminal y la presencia de un joven Robert Armstrong, aunque consideró que la película acusaba las limitaciones propias de los primeros filmes sonoros. El público recibió favorablemente la historia, especialmente por su combinación de romance y crimen, aunque nunca llegó a convertirse en uno de los grandes éxitos de 1929. Con el paso de los años quedó prácticamente olvidada debido a la desaparición de muchas copias y a la enorme competencia de títulos posteriores del mismo género. Datos y curiosidades: Uno de los mayores atractivos de la película es poder contemplar a una jovencísima Carole Lombard, todavía acreditada como "Carol Lombard", antes de convertirse en una de las grandes reinas de la comedia sofisticada de Hollywood. Fue uno de los primeros papeles importantes de su carrera. Inicialmente el estudio había pensado en contratar a Constance Bennett como protagonista femenina. Incluso llegó a anunciarse oficialmente, pero abandonó el proyecto antes del inicio del rodaje y fue sustituida por Carole Lombard, una decisión que terminaría siendo muy beneficiosa para la joven actriz. El rodaje sufrió varios retrasos porque los estudios de Pathé estaban ocupados con otras producciones sonoras. Aquellos años fueron especialmente complicados para Hollywood debido a la adaptación tecnológica que exigía el nuevo cine hablado. Como ocurría en muchos de los primeros "talkies", los enormes micrófonos limitaban enormemente el movimiento de cámara. Esto explica que gran parte de la película tenga un estilo bastante teatral, con planos largos y escasos desplazamientos. La presencia de Hedda Hopper resulta especialmente curiosa. En aquel momento aún era actriz secundaria; años después abandonaría prácticamente la interpretación para convertirse en la columnista de cotilleos más temida de Hollywood, capaz de hundir carreras con sus artículos. Abundaban los rumores alrededor de Carole Lombard. Su simpatía y carácter extrovertido hacían que la prensa la relacionara constantemente con compañeros de profesión. Poco después iniciaría romances muy comentados en Hollywood y acabaría protagonizando una de las historias de amor más famosas del cine junto a Clark Gable. Robert Armstrong y Carole Lombard ya habían coincidido anteriormente en varias producciones de Pathé y mantenían una excelente relación profesional. Su química en pantalla fue destacada por varios críticos de la época. La película pertenece al denominado período Pre-Code, es decir, anterior a la estricta aplicación del Código Hays en 1934. Gracias a ello presenta criminales relativamente sofisticados, referencias al juego, al alcohol, al adulterio y a la corrupción con una libertad que pocos años después habría sido imposible. Retrospectiva y legado: Hoy El chantajista se contempla sobre todo como un interesante documento de la transición entre el cine mudo y el sonoro. Aunque no posee la fuerza narrativa de los grandes clásicos del cine de gánsteres de los años treinta, resulta muy valiosa por mostrar cómo Hollywood empezaba a construir los códigos del género. También tiene un enorme interés para los admiradores de Carole Lombard, ya que permite descubrir una faceta dramática muy distinta de la actriz antes de convertirse en una de las grandes estrellas de la comedia. Además, forma parte de ese reducido grupo de películas criminales tempranas que ayudaron a sentar las bases del futuro cine negro estadounidense. Comentario final: El chantajista es una película modesta, pero posee un encanto histórico difícil de encontrar en producciones posteriores. Su ritmo es pausado y en ocasiones evidencia las limitaciones técnicas de los primeros años del cine sonoro, pero también transmite una autenticidad muy especial. La mezcla de melodrama romántico y relato criminal funciona mejor de lo que podría esperarse, y Robert Armstrong ofrece un protagonista sorprendentemente complejo, alejado del simple estereotipo del gánster. Sin embargo, quien realmente llama la atención es una joven Carole Lombard. Incluso antes de convertirse en una estrella, ya irradiaba una naturalidad y un magnetismo que anticipaban la brillante carrera que estaba por llegar. Quizá no sea una obra imprescindible del género, pero sí una pieza muy recomendable para quienes disfrutan descubriendo los orígenes del cine de gánsteres y las primeras grandes producciones sonoras de Hollywood. https://www.ivoox.vip/premium?affiliate-code=985097bbe4dc8c1b333282b900e6636c https://www.ivoox.vip/premium?affiliate-code=0313ce6ca481986b3f6c1b4a348b6745  https://www.ivoox.vip/plus?affiliate-code=af5b0e46baf4ad937869c044bd46bcbf

    El Chantajista (con Carole Lombard) (1929)
  3. Aug 13

    El Hombre de la Torre Eiffel (con Charles Laughton) (1949)

    Nota sobre esta versión El audio de este podcast corresponde a la versión íntegra de 97 minutos de El hombre de la Torre Eiffel (1949). Un par de secuencias el audio se escuchan en inglés. No se trata de un fallo: todo indica que esas escenas no llegaron a doblarse al castellano, ya que el doblaje español se realizó sobre una versión más corta distribuida en España. Por ello, se han conservado en su idioma original para mantener la película completa. ¡Gracias por escuchar este episodio! Puedes disfrutar de más contenido y seguir nuestro programa completo en iVoox: https://www.ivoox.com/podcast-clasicos-aire_sq_f12479171_1.html Si prefieres escuchar este episodio directamente en iVoox, haz clic aquí https://go.ivoox.com/rf/178891293 Tu apoyo en iVoox nos ayuda a crecer y a seguir creando contenido. ¡Gracias por estar ahí! Ficha técnica Título original: The Man on the Eiffel Tower Año: 1949 Director: Burgess Meredith (Con intervención no acreditada de Charles Laughton e Irving Allen durante la producción). Productores: Irving Allen y Franchot Tone Guion: Harry Brown, basado en la novela La tête d'un homme de Georges Simenon Fotografía: Stanley Cortez Montaje: Louis Sackin Música: Michel Michelet Estudios: A&T Film Production y Gray-Film Distribución: RKO Radio Pictures Duración: 97 minutos País: Estados Unidos / Francia Idioma original: Inglés (con algunos diálogos en francés) Formato: Color (Ansco Color) Género: Cine negro, thriller, policíaco, misterio Reparto principal: Charles Laughton como el inspector Jules Maigret Franchot Tone como Johann Radek Burgess Meredith como Joseph Heurtin Robert Hutton como Bill Kirby Jean Wallace como Edna Wallace Patricia Roc como Helen Kirby Belita como Gisella Heurtin Sinopsis: Tras el asesinato de una anciana en París, el célebre inspector Jules Maigret inicia una investigación que pronto le conduce hasta Johann Radek, un brillante y arrogante estudiante obsesionado con demostrar su superioridad intelectual. Aunque Maigret está convencido de que Radek es el asesino, carece de pruebas para detenerlo. Comienza entonces un intenso duelo psicológico entre ambos, una partida de ajedrez en la que cada movimiento puede resultar decisivo y que terminará conduciendo el enfrentamiento hasta uno de los monumentos más emblemáticos del mundo: la Torre Eiffel. Datos económicos: La película fue una producción independiente con un presupuesto cercano a los 900.000 dólares, una cifra considerable para la época. Sin embargo, su estreno fue una decepción comercial. La recaudación quedó por debajo de las expectativas y la película fue considerada un fracaso económico, lo que afectó especialmente a sus productores. Durante muchos años apenas pudo verse debido a problemas relacionados con los derechos de distribución. Recepción en su época: La crítica valoró positivamente la interpretación de Charles Laughton como el inspector Maigret y la fotografía rodada en escenarios reales de París. No obstante, algunos periodistas consideraron que el ritmo era demasiado pausado y que la adaptación de la novela de Simenon perdía parte de la profundidad psicológica del original. El público tampoco respondió con entusiasmo, lo que contribuyó a que la película desapareciera rápidamente de las salas Datos y curiosidades: El rodaje estuvo marcado por uno de los conflictos más sonados de la producción. El productor Irving Allen comenzó dirigiendo la película, pero apenas tres días después Charles Laughton amenazó con abandonar el proyecto si no era sustituido. Finalmente, Burgess Meredith asumió oficialmente la dirección, aunque Laughton también dirigió algunas escenas en las que aparecía Meredith. Fue una de las primeras películas estadounidenses rodadas casi íntegramente en localizaciones reales de París y la primera filmada allí completamente en color mediante el proceso Ansco Color, algo muy llamativo para el público de la época. La relación entre Charles Laughton y Franchot Tone fue cordial, pero ambos mantenían formas de interpretar completamente opuestas. Mientras Laughton preparaba minuciosamente cada escena, Tone prefería trabajar de forma mucho más espontánea, lo que provocó algunos desacuerdos creativos durante el rodaje. La actriz Jean Wallace era entonces esposa de Franchot Tone, circunstancia que despertó el interés de la prensa del corazón. Algunas revistas insinuaron que la pareja atravesaba una crisis durante el rodaje europeo, aunque nunca apareció ninguna prueba sólida y ambos continuaron juntos varios años más. Tras su fracaso comercial, Irving Allen recompró los derechos de la película y esta permaneció prácticamente desaparecida durante décadas. Muchos aficionados llegaron a creer que se había perdido definitivamente hasta que aparecieron copias conservadas, una de ellas procedente del patrimonio de Burgess Meredith, lo que permitió su restauración y posterior edición en vídeo. Retrospectiva y legado: Con el paso del tiempo, El hombre de la Torre Eiffel ha experimentado una notable revalorización. Hoy se aprecia especialmente por su magnífico uso de las localizaciones parisinas, por la interpretación de Charles Laughton como Maigret y por constituir una de las adaptaciones más tempranas de la obra de Georges Simenon para el cine internacional. Aunque sigue sin figurar entre las mejores películas del cine negro, muchos aficionados la consideran una pequeña joya injustamente olvidada que merece ser redescubierta. Comentario final: El hombre de la Torre Eiffel posee el encanto de esas películas imperfectas que terminan encontrando su lugar con el paso del tiempo. Su mayor virtud reside en el duelo interpretativo entre Charles Laughton y Franchot Tone. El primero construye un Maigret sereno, inteligente y paciente; el segundo compone un villano arrogante cuya necesidad de demostrar su superioridad acaba convirtiéndose en su mayor debilidad. Visualmente resulta muy atractiva gracias a sus escenarios reales de París y a una espectacular secuencia final ambientada en la Torre Eiffel, que aún conserva una notable capacidad para generar tensión. Aunque el ritmo puede parecer pausado para el espectador actual y algunos cambios respecto a la novela de Simenon resultan discutibles, sigue siendo un thriller elegante, atmosférico y muy recomendable para los amantes del cine negro clásico y de las historias de detectives. https://www.ivoox.vip/premium?affiliate-code=985097bbe4dc8c1b333282b900e6636c https://www.ivoox.vip/premium?affiliate-code=0313ce6ca481986b3f6c1b4a348b6745  https://www.ivoox.vip/plus?affiliate-code=af5b0e46baf4ad937869c044bd46bcbf

    El Hombre de la Torre Eiffel (con Charles Laughton) (1949)
  4. Aug 8

    Camino de Odio (con Robert Mitchum) (1958) (Thunder Road)

    ¡Gracias por escuchar este episodio! Puedes disfrutar de más contenido y seguir nuestro programa completo en iVoox: https://www.ivoox.com/podcast-clasicos-aire_sq_f12479171_1.html Si prefieres escuchar este episodio directamente en iVoox, haz clic aquí https://www.ivoox.com/camino-odio-con-robert-mitchum-1958-thunder-audios-mp3_rf_178626005_1.html Tu apoyo en iVoox nos ayuda a crecer y a seguir creando contenido. ¡Gracias por estar ahí! Ficha técnica Título original: Thunder Road Año: 1958 Director: Arthur Ripley Productor: Robert Mitchum Guion: Robert Mitchum, Walter Wise y James Atlee Phillips Fotografía: Joseph F. Biroc Montaje: Aaron Stell Música: Jack Marshall y la canción principal The Ballad of Thunder Road, escrita por Robert Mitchum y Don Raye.Estudio: D.R.M. Productions Distribución: United Artists Duración: 92 minutos País: Estados Unidos Idioma original: Inglés Formato: Blanco y negro Género: Cine negro, drama criminal, acción Reparto principal Robert Mitchum como Lucas Doolin Gene Barry como Troy Barrett Jacques Aubuchon como Carl Kogan Keely Smith como Francie Wymore James Mitchum como Robin Doolin Trevor Bardette como Vernon Doolin Sandra Knight como Roxanna Ledbetter Sinopsis: Lucas Doolin, un veterano de la Guerra de Corea, trabaja transportando whisky ilegal elaborado por su familia en las montañas de Tennessee y Kentucky. Conduce automóviles especialmente preparados para escapar de la policía mientras intenta mantener vivo un negocio que forma parte de la tradición familiar. Pero la llegada de un poderoso grupo de gánsteres dispuesto a monopolizar el contrabando y la creciente presión de las autoridades convierten cada viaje en una carrera a vida o muerte. En medio de este conflicto, Lucas deberá decidir hasta dónde está dispuesto a llegar para proteger a los suyos. Datos económicos: Camino de odio fue una producción independiente de presupuesto modesto impulsada casi por completo por Robert Mitchum. La película obtuvo una buena acogida comercial, especialmente en los estados del sur de Estados Unidos, donde el tema del contrabando de licor formaba parte del imaginario popular. Con el paso de los años, su éxito continuó gracias a reposiciones televisivas y al creciente interés por el cine de culto, convirtiéndose en una de las películas más personales de Mitchum. Recepción en su época: La crítica se mostró dividida. Algunos periodistas la consideraron un thriller de acción eficaz, mientras que otros pensaban que exageraba el romanticismo del mundo de los contrabandistas. El público respondió mucho mejor que la crítica, especialmente en el sur de Estados Unidos, donde la película adquirió rápidamente un estatus casi legendario. Datos y curiosidades: Aunque oficialmente el director fue Arthur Ripley, numerosos historiadores sostienen que Robert Mitchum tuvo un control creativo enorme sobre la producción. Se afirma incluso que dirigió personalmente algunas escenas, especialmente las de acción y persecuciones. La película nació de una historia escrita por el propio Mitchum, inspirada en relatos que había escuchado durante su juventud sobre los conductores que transportaban whisky clandestino por las carreteras de los Apalaches. Ese mundo acabaría siendo uno de los antecedentes directos de las competiciones ilegales que dieron origen a la NASCAR. Uno de los detalles más comentados del rodaje fue la participación de James Mitchum, hijo de Robert Mitchum. Padre e hijo interpretan a dos hermanos en la película, una colaboración que despertó mucho interés en la prensa de la época. La cantante Keely Smith fue elegida para aportar un toque musical y glamuroso a la historia. En aquellos años era una celebridad gracias a su matrimonio artístico y sentimental con Louis Prima. Robert Mitchum ya tenía fama de ser uno de los actores más indisciplinados de Hollywood. Durante esta producción, sin embargo, varios miembros del equipo recordaron que se mostró sorprendentemente implicado y protector con el proyecto, precisamente porque lo consideraba una historia muy personal. La canción "The Ballad of Thunder Road", escrita por Mitchum, terminó convirtiéndose en un éxito radiofónico y contribuyó enormemente a la popularidad de la película. Muchos espectadores conocieron primero la canción y después acudieron al cine para ver la historia. Las escenas de conducción se rodaron con coches modificados de verdad y a gran velocidad, sin los estrictos protocolos de seguridad actuales. Varias secuencias obligaron a repetir peligrosas maniobras en carreteras abiertas, algo impensable en una producción moderna. Retrospectiva y legado: Con el paso del tiempo, Camino de odio ha dejado de verse únicamente como un thriller criminal para convertirse en una pieza fundamental de la cultura popular estadounidense. Hoy está considerada una de las películas que mejor retratan el mundo del contrabando de licor en los Apalaches y una clara precursora del cine de persecuciones automovilísticas que triunfaría décadas después con títulos como Bullitt, Punto límite: Cero o Smokey and the Bandit. También ha adquirido un enorme valor como obra profundamente personal de Robert Mitchum, quien no solo la protagonizó, sino que imprimió en ella buena parte de su propia visión del cine y de la América rural. Comentario final: Camino de odio es mucho más que una película sobre coches rápidos y contrabandistas. Bajo su apariencia de thriller de serie B se esconde un retrato melancólico del final de una forma de vida y del choque entre las viejas tradiciones rurales y la modernización de Estados Unidos. Robert Mitchum construye uno de esos personajes lacónicos que tan bien sabía interpretar: un hombre duro, resignado y consciente de que pertenece a un mundo que está desapareciendo. Las persecuciones siguen teniendo una fuerza sorprendente gracias a su autenticidad, sin trucos digitales ni efectos espectaculares. Todo resulta físico, peligroso y creíble. tCon los años, la película ha pasado de ser un modesto éxito regional a convertirse en un clásico de culto, apreciado tanto por los aficionados al cine negro como por quienes disfrutan del cine de carretera y de acción más genuino. https://www.ivoox.vip/premium?affiliate-code=985097bbe4dc8c1b333282b900e6636c https://www.ivoox.vip/premium?affiliate-code=0313ce6ca481986b3f6c1b4a348b6745  https://www.ivoox.vip/plus?affiliate-code=af5b0e46baf4ad937869c044bd46bcbf

    Camino de Odio (con Robert Mitchum) (1958) (Thunder Road)
  5. Aug 3

    El Carnaval de las Almas (1962)

    ¡Gracias por escuchar este episodio! Puedes disfrutar de más contenido y seguir nuestro programa completo en iVoox: https://www.ivoox.com/podcast-clasicos-aire_sq_f12479171_1.html Si prefieres escuchar este episodio directamente en iVoox, haz clic aquí https://go.ivoox.com/rf/178337699 Tu apoyo en iVoox nos ayuda a crecer y a seguir creando contenido. ¡Gracias por estar ahí! Ficha técnica Título original: Carnival of Souls Año: 1962 Director: Herk Harvey Productor: Herk Harvey y John Clifford Guion: John Clifford Fotografía: Maurice Prather Montaje: Dan Palmquist Música: Gene Moore, basada en gran parte en obras para órgano de Johann Sebastian Bach Estudio: HarNor Productions Duración: 78 minutos aprox. País: Estados Unidos Idioma original: Inglés Formato: Blanco y negro Género: Terror psicológico, misterio, cine fantástico Reparto principal Candace Hilligoss como Mary Henry Sidney Berger como John Linden Frances Feist como la señora Thomas Art Ellison como el doctor Samuels Herk Harvey como el Hombre Fantasma Sinopsis Después de sobrevivir aparentemente a un terrible accidente de tráfico en el que un coche cae a un río, Mary Henry acepta un empleo como organista en una iglesia de otra ciudad para intentar rehacer su vida. Sin embargo, pronto comienza a experimentar inquietantes episodios de aislamiento, extrañas visiones y la constante aparición de un misterioso hombre de rostro espectral que parece perseguirla. Todo ello la conduce hacia un antiguo pabellón de feria abandonado, un lugar que ejerce sobre ella una atracción tan irresistible como inexplicable. Datos económicos La película fue producida con un presupuesto estimado de apenas 30.000 dólares, una cifra extraordinariamente baja incluso para los estándares del cine independiente de principios de los años sesenta. Su estreno comercial pasó prácticamente desapercibido y la distribución fue muy limitada. Durante años apenas obtuvo beneficios y cayó en el olvido. Sin embargo, a partir de las décadas de 1980 y 1990 comenzó a redescubrirse gracias a las emisiones televisivas y al mercado doméstico, convirtiéndose finalmente en una de las películas de culto más importantes del cine fantástico estadounidense. Recepción en su época En el momento de su estreno, El carnaval de las almas recibió muy poca atención por parte de la crítica. Muchos cines la proyectaron como complemento de programas dobles de serie B y apenas fue comentada en la prensa especializada. El público tampoco respondió de manera significativa, en parte porque se trataba de una producción independiente sin grandes estrellas y con un estilo muy diferente al cine de terror convencional de la época. Datos y curiosidades: La idea de la película surgió después de que Herk Harvey visitara el abandonado pabellón de baile del Saltair Pavilion. El edificio, semiderruido y completamente vacío, le produjo tal impresión que decidió construir toda la historia alrededor de aquel lugar. Herk Harvey trabajaba habitualmente realizando películas educativas e industriales para una pequeña productora de Kansas. El carnaval de las almas fue prácticamente su único largometraje de ficción, lo que hace todavía más sorprendente el enorme prestigio que alcanzó posteriormente. Candace Hilligoss fue elegida entre decenas de aspirantes y, durante años, afirmó que nunca imaginó que aquella modesta producción acabaría convirtiéndose en una película de culto internacional. Uno de los aspectos más curiosos es que el inquietante "Hombre Fantasma" está interpretado por el propio Herk Harvey. El director pensó que nadie comprendería exactamente el tipo de presencia inquietante que buscaba y decidió maquillarse él mismo para el papel. El presupuesto era tan reducido que buena parte de los figurantes de la escena final eran amigos, familiares y vecinos del equipo técnico que aceptaron participar gratuitamente. Durante el rodaje se utilizaron numerosas localizaciones reales sin apenas permisos oficiales, algo bastante habitual en el cine independiente de la época. Candace Hilligoss, años después comentó en entrevistas que nunca consiguió sacar un gran rendimiento económico de la fama posterior de la película y que durante décadas apenas fue reconocida por el público. Solo con el auge de los festivales de cine fantástico comenzó a recibir el reconocimiento que merecía. También circuló durante años el falso rumor de que el rodaje había estado "embrujado" debido a diversos pequeños accidentes técnicos ocurridos durante la filmación. En realidad, no existen pruebas de ello y todo parece haber nacido como una leyenda alimentada por los aficionados al terror. Retrospectiva y legado Pocas películas han experimentado una revalorización tan espectacular como El carnaval de las almas. Hoy está considerada una de las grandes obras del terror psicológico del siglo XX y una de las precursoras del cine de horror existencial. Su influencia puede apreciarse en directores como George A. Romero, David Lynch, David Cronenberg, Roman Polanski o M. Night Shyamalan, que han reconocido o mostrado afinidades con su atmósfera onírica y su manera de sugerir el horror más que mostrarlo. Actualmente suele figurar en numerosas listas de las mejores películas de terror de bajo presupuesto jamás realizadas y es objeto habitual de estudios académicos sobre el cine fantástico. Comentario final: El carnaval de las almas demuestra que el verdadero terror no necesita monstruos, grandes efectos especiales ni violencia explícita. Basta una atmósfera capaz de sembrar una duda constante en el espectador. La película posee un carácter hipnótico muy poco común. Sus silencios, sus espacios vacíos, la inquietante música de órgano y la interpretación casi ausente de Candace Hilligoss crean una sensación de extrañeza que permanece mucho después de terminar la proyección. Es cierto que algunas limitaciones presupuestarias son evidentes y que su ritmo pausado puede sorprender a quien espere un relato de terror convencional. Pero precisamente esa austeridad juega a su favor, dotando a la película de una autenticidad difícil de reproducir. Más de sesenta años después de su estreno, El carnaval de las almas sigue siendo una experiencia fascinante y perturbadora. No solo es una de las grandes películas de culto del cine fantástico, sino también una demostración de que una idea brillante, ejecutada con inteligencia, puede alcanzar la inmortalidad cinematográfica. https://www.ivoox.vip/premium?affiliate-code=985097bbe4dc8c1b333282b900e6636c https://www.ivoox.vip/premium?affiliate-code=0313ce6ca481986b3f6c1b4a348b6745  https://www.ivoox.vip/plus?affiliate-code=af5b0e46baf4ad937869c044bd46bcbf

    El Carnaval de las Almas (1962)
  6. Jul 24

    Ana Karenina (con Vivien Leigh) (1948)

    ¡Gracias por escuchar este episodio! Puedes disfrutar de más contenido y seguir nuestro programa completo en iVoox: https://www.ivoox.com/podcast-clasicos-aire_sq_f12479171_1.html Si prefieres escuchar este episodio directamente en iVoox, haz clic aquí https://go.ivoox.com/rf/177864143 Tu apoyo en iVoox nos ayuda a crecer y a seguir creando contenido. ¡Gracias por estar ahí! Es el Montaje Estadounidense de 112 minutos de duración, el montaje original británico es de 139 minutos. Ficha técnica Título original: Anna Karenina Año: 1948 Director: Julien Duvivier Productor: Alexander Korda Guion: Jean Anouilh, Julien Duvivier, Guy Morgan y Julien Green, basado en la célebre novela de León Tolstói Fotografía: Henri Alekan Montaje: Russell Lloyd Música: Constant Lambert Estudio: London Film Productions Distribución: British Lion Films (Reino Unido) Duración: 139 minutos (montaje original británico) 112 minutos (montaje estadounidense) 105 minutos (montaje Alemán) País: Reino Unido Idioma original: Inglés Formato: Blanco y negro Género: Drama romántico Reparto principal Vivien Leigh como Ana Karenina Ralph Richardson como Alexei Karenin Kieron Moore como el conde Alexei Vronsky Sally Ann Howes como Kitty Hugh Dempster como Stiva Oblonsky Mary Kerridge como Dolly Oblonsky Sinopsis: En la alta sociedad de la Rusia imperial, Ana Karenina disfruta de una posición privilegiada y de un matrimonio respetable. Sin embargo, su vida cambia radicalmente cuando conoce al apuesto conde Vronsky, de quien se enamora apasionadamente. Su relación desencadena un escándalo que desafía las estrictas normas sociales de la época y obliga a Ana a enfrentarse al rechazo, la culpa y el conflicto entre el deber y el deseo. La película retrata con enorme sensibilidad el coste emocional de un amor imposible en una sociedad dominada por las apariencias. Datos económicos La película obtuvo una buena acogida comercial, especialmente en el Reino Unido y en varios países europeos. Aunque no alcanzó la repercusión internacional de otras adaptaciones de la novela de Tolstói, recuperó su inversión y reforzó el prestigio de Vivien Leigh como una de las grandes estrellas del cine británico de posguerra. Recepción en su época: La crítica elogió especialmente la interpretación de Vivien Leigh, considerada por muchos como el mayor atractivo de la película. También fueron muy valorados la cuidada fotografía, el refinado diseño artístico y la elegante dirección de Julien Duvivier. El público respondió favorablemente, sobre todo los amantes del drama clásico y de las adaptaciones literarias. Algunos críticos, sin embargo, consideraron que la película simplificaba parte de la complejidad psicológica de la novela original. Datos y curiosidades: El rodaje coincidió con un momento especialmente delicado en la vida personal de Vivien Leigh. Aunque todavía no había sido diagnosticada oficialmente con trastorno bipolar, ya sufría episodios de inestabilidad emocional que afectaban ocasionalmente al trabajo. Pese a ello, quienes trabajaron con ella destacaron su enorme profesionalidad y su extraordinaria capacidad para transformarse delante de la cámara. Durante el rodaje continuaban siendo objeto de enorme atención mediática ella y su marido, Laurence Olivier. La prensa británica seguía cada uno de sus movimientos y no faltaron rumores sobre supuestas crisis matrimoniales provocadas por las largas ausencias profesionales de ambos. Aunque aquellas especulaciones eran frecuentes, la pareja mantuvo públicamente una imagen de absoluta unión durante esos años. La elección de Kieron Moore para interpretar a Vronsky fue bastante discutida. Algunos ejecutivos consideraban que carecía del carisma suficiente para compartir protagonismo con Vivien Leigh, cuya presencia en pantalla era tan poderosa que terminaba eclipsando a buena parte del reparto. La magnífica fotografía de Henri Alekan fue uno de los aspectos más comentados del rodaje. Alekan utilizó una iluminación muy delicada para resaltar la belleza de Vivien Leigh, inspirándose en los retratos pictóricos del siglo XIX. Años después sería mundialmente reconocido por su trabajo en La bella y la bestia (1946) y, décadas más tarde, en El cielo sobre Berlín (1987). Alexander Korda pretendía inicialmente realizar una producción todavía más ambiciosa, con mayor presupuesto y rodaje en localizaciones europeas, pero las limitaciones económicas de la posguerra obligaron a reconstruir gran parte de la Rusia imperial en estudios británicos. Retrospectiva y legado: Con el paso del tiempo, Ana Karenina ha quedado algo eclipsada por otras adaptaciones de la novela de Tolstói, especialmente la protagonizada por Greta Garbo en 1935 y la de Keira Knightley en 2012. Sin embargo, muchos especialistas consideran que esta versión contiene una de las interpretaciones más intensas y emocionalmente complejas de Vivien Leigh. Su elegante puesta en escena y su exquisita fotografía la convierten en una de las adaptaciones más refinadas de la obra. Hoy sigue siendo una referencia imprescindible para los aficionados al cine clásico británico y para quienes desean descubrir una aproximación sobria y profundamente romántica al universo de Tolstói. Comentario final: Ana Karenina es un drama de gran elegancia formal que encuentra su verdadera fuerza en el extraordinario trabajo de Vivien Leigh. Su interpretación logra transmitir la evolución de un personaje atrapado entre la pasión y las rígidas normas sociales con una intensidad pocas veces vista. Julien Duvivier evita el exceso melodramático y apuesta por una narración contenida, donde las miradas, los silencios y los pequeños gestos poseen tanta importancia como los grandes momentos de la historia. Aunque inevitablemente simplifica algunos aspectos de la inmensa novela de Tolstói, la película conserva toda la tragedia y la humanidad del personaje principal. Más de siete décadas después de su estreno, continúa siendo una de las adaptaciones cinematográficas más bellas y emotivas de uno de los grandes clásicos de la literatura universal. https://www.ivoox.vip/premium?affiliate-code=985097bbe4dc8c1b333282b900e6636c https://www.ivoox.vip/premium?affiliate-code=0313ce6ca481986b3f6c1b4a348b6745  https://www.ivoox.vip/plus?affiliate-code=af5b0e46baf4ad937869c044bd46bcbf

    Ana Karenina (con Vivien Leigh) (1948)
  7. Jul 17

    Cimarrón (Óscar Mejor Película 1931)

    ¡Gracias por escuchar este episodio! Puedes disfrutar de más contenido y seguir nuestro programa completo en iVoox: https://www.ivoox.com/podcast-clasicos-aire_sq_f12479171_1.html Si prefieres escuchar este episodio directamente en iVoox, haz clic aquí https://go.ivoox.com/rf/177489768 Tu apoyo en iVoox nos ayuda a crecer y a seguir creando contenido. ¡Gracias por estar ahí! Ficha técnica Título original: Cimarron Año: 1931 Director: Wesley Ruggles Productor: William LeBaron Guion: Howard Estabrook, basado en la novela de Edna Ferber Fotografía: Edward Cronjager Montaje: William Hamilton Música: Max Steiner Estudio: RKO Radio Pictures Duración: 123 minutos aprox. País: Estados Unidos Idioma original: Inglés Formato: Blanco y negro Género: Western, drama épico, histórico Reparto principal: Richard Dix como Yancey Cravat Irene Dunne como Sabra Cravat Estelle Taylor como Dixie Lee Nance O'Neil como Felice Venable William Collier Jr. como The Kid Roscoe Ates como Jesse Rickey Sinopsis: A finales del siglo XIX, miles de colonos participan en la gran carrera por las tierras de Oklahoma, uno de los episodios más salvajes y caóticos de la expansión estadounidense hacia el oeste. En ese contexto emerge Yancey Cravat, un aventurero idealista, impulsivo y carismático que intentará construir una nueva vida junto a su esposa Sabra mientras el territorio evoluciona desde frontera salvaje hasta sociedad moderna. La película sigue varias décadas de cambios históricos, mostrando cómo los sueños, las ambiciones y las contradicciones de Estados Unidos se reflejan en la vida de una familia marcada por la aventura y la inestabilidad. Datos económicos: Cimarrón fue una de las producciones más caras de comienzos de los años 30. RKO Radio Pictures invirtió enormes cantidades de dinero en decorados, extras y escenas multitudinarias. Aunque la película funcionó razonablemente bien, sus costes fueron tan elevados que no resultó tan rentable como el estudio esperaba. Aun así, terminó convirtiéndose en una obra prestigiosa y fundamental para la historia de Hollywood. Recepción en su época: La crítica de la época quedó impresionada por la escala de la producción. Se habló de Cimarrón como uno de los primeros westerns verdaderamente épicos del cine sonoro. El público respondió con interés, especialmente por las espectaculares escenas de masas y la ambición narrativa de la película. Sin embargo, algunos espectadores encontraron excesiva su larga duración. Premios y nominaciones OSCARS: Ganadora del Óscar a: Mejor Película Mejor Guion Adaptado Mejor Dirección Artística Nominada:  Mejor Actor para Richard Dix Mejor Actriz para Irene Dunne Mejor Director para Wesley Ruggles Mejor Fotografía Fue el primer western en ganar el Óscar a Mejor Película. Datos y curiosidades: La famosa secuencia de la carrera por las tierras de Oklahoma fue considerada absolutamente monumental para la época. Participaron miles de extras, caballos, carros y animales reales, y la escena tardó semanas en organizarse. Durante el rodaje hubo numerosos accidentes leves debido al caos de las escenas multitudinarias. Algunos extras resultaron heridos por caídas de caballos y atropellos con carretas, algo que en aquellos años era tristemente bastante habitual en Hollywood. Richard Dix vivía una etapa complicada personalmente. Tenía fama de ser muy profesional, pero también de sufrir una fuerte inseguridad respecto a su carrera con la llegada del cine sonoro. Según varios testimonios de la época, el enorme esfuerzo físico y emocional del rodaje terminó agotándolo. Por otro lado, la relación entre Richard Dix e Irene Dunne fue objeto de rumores constantes. Nunca llegó a confirmarse un romance, pero la prensa sensacionalista insinuó varias veces que entre ambos existía una química que iba más allá de la pantalla. Lo curioso es que Dunne siempre evitó alimentar ese tipo de historias y mantenía una imagen pública extremadamente elegante y reservada. También hubo tensiones importantes entre el estudio y el equipo creativo debido al presupuesto descontrolado. RKO Radio Pictures estaba atravesando dificultades económicas y algunos ejecutivos llegaron a pensar que la película podía hundir financieramente al estudio. Retrospectiva y legado: Con los años, Cimarrón ha quedado como una película históricamente importantísima, aunque no siempre fácil de ver para el público moderno. Se la reconoce como pionera del western épico y como una superproducción adelantada a su tiempo. Su influencia puede rastrearse en muchas películas posteriores sobre la conquista del Oeste estadounidense. Sigue siendo una obra fundamental para entender cómo Hollywood empezó a construir el gran cine histórico y épico sonoro. Comentario final: Cimarrón es una película gigantesca en ambición. Se nota que Hollywood quería demostrar al mundo que el cine sonoro podía hacer algo más que personas hablando frente a una cámara. Hay momentos donde el film parece desbordarse a sí mismo: décadas de historia, cambios sociales, romance, western, política, drama familiar… todo mezclado en una sola obra monumental. No siempre funciona con fluidez, y algunas partes pueden sentirse anticuadas hoy. Pero cuando la película acierta, lo hace a lo grande. La secuencia inicial de la carrera por las tierras sigue teniendo una fuerza impresionante incluso casi un siglo después. https://www.ivoox.vip/premium?affiliate-code=985097bbe4dc8c1b333282b900e6636c https://www.ivoox.vip/premium?affiliate-code=0313ce6ca481986b3f6c1b4a348b6745  https://www.ivoox.vip/plus?affiliate-code=af5b0e46baf4ad937869c044bd46bcbf

    Cimarrón (Óscar Mejor Película 1931)
  8. Jul 10

    Blancanieves y los Siete Enanitos

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País: Estados Unidos Idioma original: Inglés Formato: Technicolor Género: Animación, fantasía, musical Reparto principal (voces originales): Adriana Caselotti como Blancanieves Lucille La Verne como la Reina / Bruja Harry Stockwell como el Príncipe Pinto Colvig como Gruñón y Dormilón Billy Gilbert como Estornudo Sinopsis: Una joven princesa llamada Blancanieves despierta los celos de su malvada madrastra, obsesionada con ser la mujer más bella del reino. Obligada a huir al bosque para salvar su vida, encuentra refugio en la casa de siete peculiares enanitos. Pero la Reina no piensa detenerse y prepara un plan mortal para acabar definitivamente con ella. Entre magia, canciones y peligros, Blancanieves descubrirá tanto la crueldad como la bondad del mundo que la rodea. Datos económicos: Blancanieves y los siete enanitos fue una apuesta gigantesca y arriesgadísima para Walt Disney Productions. Muchos en Hollywood la llamaban despectivamente “la locura de Disney”, convencidos de que nadie soportaría un largometraje de dibujos animados. La producción terminó costando muchísimo más de lo previsto, pero el estreno fue un fenómeno extraordinario. La película se convirtió en uno de los mayores éxitos comerciales de su época y salvó económicamente al estudio, permitiendo la expansión de Disney y la construcción de nuevos estudios de animación. Recepción en su época: La crítica quedó absolutamente fascinada. Numerosos periodistas la describieron como un avance revolucionario para el cine. El público respondió de forma masiva y emocional. Mucha gente nunca había visto una película de animación con semejante nivel de detalle, dramatismo y sofisticación técnica. La película se convirtió rápidamente en un acontecimiento cultural mundial. Premios: Nominada al Oscara la Mejor Música La película recibió un Óscar honorífico especial para Walt Disney: una estatuilla grande acompañada de siete miniaturas, entregadas por Shirley Temple en una de las ceremonias más recordadas de Hollywood. Anécdotas y curiosidades de rodaje: El proceso de producción fue agotador y obsesivo. Walt Disney exigía un nivel de perfección nunca visto en animación, lo que generó jornadas maratonianas y una enorme presión sobre los animadores. Muchos trabajadores del estudio pensaban sinceramente que la película arruinaría a Disney. El presupuesto se disparó continuamente y hubo momentos en los que el estudio estuvo cerca del colapso financiero. Adriana Caselotti, la voz original de Blancanieves, vivió una situación muy peculiar. Disney quería que la voz del personaje fuera “única” y prácticamente le prohibió trabajar en otros proyectos importantes para no romper la ilusión del personaje. Esto afectó bastante a su carrera posterior. La actriz Lucille La Verne realizó la voz de la Reina y de la Bruja. Para conseguir el tono monstruoso de la anciana, se dice que retiró parcialmente su dentadura postiza durante la grabación, creando esa voz áspera tan característica. En el estudio también hubo rumores constantes sobre el carácter controlador de Walt Disney. Algunos animadores lo admiraban profundamente y otros lo consideraban extremadamente exigente hasta el límite de la obsesión. Otro detalle curioso es que las escenas románticas de Blancanieves se animaron utilizando actores reales filmados previamente como referencia, una técnica pionera que ayudó a dar naturalismo a los movimientos. La película también estuvo rodeada de pequeñas polémicas internas. Algunos artistas consideraban que los enanitos estaban recibiendo mucha más atención creativa que la propia protagonista, algo que efectivamente terminó ocurriendo: muchos espectadores recuerdan más a los enanitos que a Blancanieves. Retrospectiva y legado: Hoy, Blancanieves y los siete enanitos es considerada una de las películas más importantes de la historia del cine. No solo revolucionó la animación: demostró que el dibujo animado podía sostener emociones complejas, narrativa larga y éxito comercial masivo. Su influencia es gigantesca. Sin esta película probablemente no existirían muchas de las grandes producciones animadas modernas. Además, sigue siendo uno de los símbolos más reconocibles de The Walt Disney Company y del cine familiar mundial. Comentario final: Blancanieves y los Siete Enanitos sigue impresionando incluso décadas después porque no transmite la sensación de ser simplemente “la primera”. Transmite la sensación de estar hecha por gente que quería cambiar el cine. Visualmente tiene momentos de una belleza sorprendente, especialmente en las secuencias del bosque y en las escenas más oscuras relacionadas con la Reina. Pero lo más importante es su capacidad para mezclar inocencia infantil, terror, humor y emoción dentro de una misma película sin perder el equilibrio. Puede que hoy algunos aspectos narrativos resulten simples o ingenuos, pero su fuerza histórica y emocional sigue siendo enorme. Es una película que no solo abrió un camino: prácticamente inventó uno nuevo. https://www.ivoox.vip/premium?affiliate-code=985097bbe4dc8c1b333282b900e6636c https://www.ivoox.vip/premium?affiliate-code=0313ce6ca481986b3f6c1b4a348b6745  https://www.ivoox.vip/plus?affiliate-code=af5b0e46baf4ad937869c044bd46bcbf

    Blancanieves y los Siete Enanitos

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https://www.ivoox.com/podcast-clasicos-aire_sq_f12479171_1.html Descubre “Clásicos en el Aire”! En este podcast, cada episodio te transporta directamente a las mejores películas del cine clásico a través de su audio. Escucha los diálogos cautivadores, la música inolvidable y las escenas que han dejado huella en la historia del cine. Perfecto para los amantes del cine que desean revivir sus películas favoritas en un formato diferente. ¡Sintoniza y deja que la magia del cine clásico hable por sí misma! Nota: Todas las películas de éste podcast son de dominio público y libres de derechos. https://www.ivoox.vip/plus?affiliate-code=af5b0e46baf4ad937869c044bd46bcbf https://www.ivoox.vip/premium?affiliate-code=0313ce6ca481986b3f6c1b4a348b6745 https://www.ivoox.vip/plus?affiliate-code=af5b0e46baf4ad937869c044bd46bcbf