Ocene

RTVSLO – Ars

Literarne, gledališke, glasbene in filmske ocene.

  1. 4d ago

    Vinko Möderndorfer: Življenje ali gledališče

    Piše Pia Zala Meden, bereta Ana Bohte in Igor Velše. Knjiga avtobiografskih esejev Vinka Möderndorferja Življenje ali gledališče je razdeljena na dva večja vsebinska dela in krajši uvodni razmislek. Najprej avtor razmišlja o pomenu gledališča v življenju gledališkega umetnika in postavi vprašanje, ali je pomembnejše gledališče ali življenje. Möderndorfer pravi, da sta neločljivi ter da je gledališče življenje in nasprotno. Življenje avtor tukaj razume predvsem kot družbeno-političen pojem in trdi, da je vsak dober umetnik vpet v takšno življenje, saj je le tako njegova umetnost lahko dobra in relevantna. Tako ima tudi še tako zimzeleno umetniško delo, kot je na primer Shakespearjeva tragedija Romeo in Julija, obdobja, ko je bolj ali manj relevantno, pač glede na to, kaj se takrat dogaja v družbi. Möderndorfer v uvodnem delu – ki deluje kot svetovnonazorski in estetski temelj ter okvir celotne knjige esejev – zaključi, da je najbolj družbeno relevantna dramska zvrst (in s tem tudi najbližja življenju) komedija, saj razkrinkava kapitalistično brutalnost na način, da se ji lahko smejimo. Smejimo pa se tudi na svoj račun in na račun oblastnikov – zato politika nikoli ni naklonjena komediji. “Oblastniki prenesejo, če jih pisatelj kritično obravnava v resni drami, ošpice pa dobijo, če slišijo salve smeha na svoj račun”. Möderndorfer izpostavlja, da tudi slovenska gledališča niso pretirano naklonjena gojenju slovenske komedije in raje uprizarjajo tuje komediografe. Konec uvodnega dela nameni še vprašanjem o delu režiserja. Prestavlja dva načina analize in ju primerja z Nietzschejevim razlikovanjem med apoliničnim in dionizičnim. Na koncu se spet vrne k odnosu med življenjem in gledališčem in zaključi, da so gledališčniki večji od življenja. S tem avtor že napove prvi pomembnejši sklop esejev, v katerih piše o svojem osebnem in profesionalnem odnosu s slovenskimi igralci, pa tudi o nekaj dramatikih in skladatelju. Zapisi so zelo osebni, a nikoli sentimentalni. O odnosih piše lucidno in stvarno. Prav to pogosto deluje posebej ganljivo, največkrat ko piše o zadnjih srečanjih. Takšen je na primer konec zapisa o Matjažu Vipotniku: “Zadnjič sem ga srečal na dan premiere svoje drame, ki so jo tisti večer uprizorili v SNG Drama. Srečal sem ga pred lekarno na Prulah. Nasmehnil se je in rekel: 'Nocoj pridem na premiero. Še to pogledam, pa adijo gledališče.’ Ni prišel. Preveč slabo se je počutil.” Ob vseh gledališčnikih, ki so večji od življenja, izpostavlja njihovo prepletenost z gledališčem, pri nekaterih tudi s politiko. Tudi o tistih, ki so ga razočarali, in o tistih, s katerimi politično ni na istem bregu, piše spoštljivo in vedno dostojanstveno. In tudi če ljudi, o katerih piše, ne poznamo, to niti ni pomembno, saj nas prepriča Möderndorferjev slog, skozi katerega se odraža tudi njegovo razumevanje odnosov. Njegov izraz je jasen in preprost, a istočasno globok in odmerjen. Proti koncu prvega dela se posveča predvsem politično aktivnim gledališčnikom, na primer Tonetu Partljiču, Ervinu Fritzu in Rudiju Šeligu, in s tem napove drugi sklop esejev, v katerem piše o slovenski, svetovni in kulturni politiki ter položaju umetnika v Sloveniji. V zadnjem delu Möderndorferjeve knjige so zbrani eseji, v katerih razmišlja o prekarnosti slovenskih umetnikov in neposluhu politikov za umetnost. Trdi, da imajo politiki veliko raje kulturo, pa še to zabavno kulturo, ker jih ta ne ogroža, umetnost pa jim je vedno postranska, prepogosto celo pozabljena. Pripravil je pregled odnosa politike do kulture zadnjih šestdesetih let, najprej v Jugoslaviji, nato v samostojni Sloveniji. Kot razlog za zapostavljenost umetnosti razume dejstvo, da politika umetnosti ne razume več v narodotvorni funkciji – Möderndorfer tu sledi Dušanu Pirjevcu, ki je narodotvorno funkcijo literature zaradi pomanjkanja drugih institucionalnih oblik narodne zavesti poimenoval prešernovska struktura. Slovenci smo vendar že dobili svojo državo, kaj nam bo torej umetnost! Razmišlja tudi o vojni v Ukrajini, genocidu v Gazi, vojni med Iranom in ZDA in o muzeju Hiša Wannseejske konference … S svojimi razmisleki v praksi uresničuje svojo tezo z začetka knjige, da je umetnik lahko dober le, če spremlja in kritično pretresa dogajanje v družbi in politiki. Möderndorfer je v teh esejih posmehljiv, drugod skrajno resen, melanholičen, a nikoli vdan, ob tem pa prav ob najresnejših temah bralca tudi nasmeji. Nekaj esejev zaključi izrazito bojevito in pozove bralce k dejanjem, če bo politika v prihodnosti še vedno zapostavljala umetnost. V zadnjem eseju, naslovljenem Glosa ob koncu sveta, poudari pomen Prešerna – brez njegovih “Poezij ne bi bilo države Slovenije! Ne bi bilo Slovencev, ne bi bilo slovenskega jezika!! France Prešeren je ustvaril slovensko državo!” – in bolj pesimistično zaključi, da bi sestopil s svojega spomenika na osrednjem ljubljanskem trgu “ter se odpeljal neznano kam. Ampak ne more. Narejen je iz brona. Nima duše. Tako kot je tudi njegov narod, ki ga je ustvaril z močjo svoje poezije, nima več.” Kljub ponavljanju nekaterih misli je Gledališče ali življenje knjiga, v kateri Vinko Möderndorfer skrajno trezno skozi osebne primere opozori na probleme slovenske kulturne politike, ob tem pa pomen gledališke umetnosti prikaže na posameznih primerih največjih slovenskih gledaliških ustvarjalcev. Bralcem, ki – osebno ali drugače – poznajo položaj slovenske umetnosti, knjiga ne ponuja novih dejstev, jih pa zelo jasno predstavi in smiselno zgodovinsko pojasni. Möderndorfer je spretno zastavil temeljno idejo knjige, ki povezuje osebne eseje o umetnikih in družbeno angažirane eseje o politiki. Tako je tudi avtor s knjigo postavil primer, kaj naj bi po njegovem počel dober umetnik, ki družbi nastavlja ogledalo.

  2. 4d ago

    Maja B. Kranjc: Kjer teče košuta

    Piše: Tonja Jelen, bereta Igor Velše in Maja Bohte. Drugi roman pesnice, pisateljice, dramaturginje in klinične psihologinje Maje B. Kranjc Kjer teče košuta razčlenjuje individualne zgodbe in medosebne odnose ter razkraja navidezno podobo sreče in popolnosti. Osrednje gonilo fabule je beg. Ne nazadnje pa se v beg lahko podamo vsi – ali fizično ali mentalno. Delo se uspešno loteva dveh pripovednih tokov, in sicer prvoosebne izpovedi Lane in tretjeosebne pripovedi prebežnikov, predvsem Sirca Karima. Vsak od njiju se znajde na begu, vendar imata vsak svoj razlog. Pisateljica dobro predstavi razloge in s tem izrisuje karakterja, ter tako postavi tudi ogledalo družbi, predvsem mlajši generaciji. Do nje je kritična, prav tako do njenih staršev. Pri tem mislim predvsem na moč, ki jo imajo zaradi službenega položaja in denarja. To se najbolj vidi zaradi nesprejetja odgovornosti ob še tako resnih in krutih dejanjih. Najbolj negativen lik Matjaž ni sposoben sprejeti odgovornosti in priznati svoje napake v najbolj osrednjem in ključnem prizoru, ki vsem spremeni življenje, vendar skušajo to vsaj zaenkrat skriti in preložiti. Antijunak se sklicuje na očetovo avtoriteto in kljub študiju medicine ne ravna humano in odgovorno. Prej nekoliko izgubljena Lana, ki se v svetu ne znajde prav zaradi takih Matjažev in Ev, postaja moralna zmagovalka. A tudi njej ni prizaneseno, ko jo pod drobnogled vzame Karim. Poudariti je treba tudi pogled na srednjo generacijo. Tega orisuje predvsem Lana, nekoliko bežno tudi Eva. Čeprav je z vidika najstnikov pogled dokaj kritičen, je upravičen in nujen. Pisateljica pod vprašaj daje vzgojo, starševske zglede ter njihove reakcije in ravnanje. Vse našteto pa dosledno utemelji, pri čemer ne gre spregledati avtoričinega profesionalnega dela z mladimi in njihovimi stiskami. Kljub temu pa najbolj ranljivi pogosto ravnajo manj škodljivo kot tisti, ki so predstavljeni kot najbolj popolni in perspektivni. A njihova podoba se počasi začne luščiti in prefinjeno razgrinjati, ko so prisiljeni bivati skupaj v počitniški hiši. Pri tem posebno avtoriteto pridobi Matjaž, ki spominja na lik Vladimirja Matjaža Zupančiča. Jemanje svoboščin, prilaščanje najbolj osebnih reči drugega, zaklepanje v sobo, samo da se ne bi razkrila kruta resnica. Osrednje sidro ostaja krivda, ki najbolj razkraja sostorilki. Roman Kjer teče košuta obravnava problematiko sodobnega evropskega človeka, pri čemer iz osebne zgodbe razvije kolektivne stiske in seveda moči, Tisto, od česar in kogar mladi v Evropi bežijo in se upirajo, si ljudje iz vojnih stanj želijo. Karim daje Lani vedeti prav to. Tudi zato Lana in Karim ne moreta biti skupaj, pri čemer je stereotipna oznaka prebežnika nekoliko preočitna in prevelika. Mladi sirski junak si želi boljše in lepše življenje, a najprej mora preživeti: »Krutost večinoma izhaja iz načel preživetja. Spomni se na paranojo Asadovega režima. Tudi ta ni nič drugega kot skrb za samoohranitev. Ljubezen spada v isto kategorijo, večno ohranjanje sebe in zagotovitev svoje ponovitve, pa četudi zgolj v drobnih delcih kromosomov.« Prehod v polnoletnost začne kazati prve znake družbene razslojenosti, moč in nemoč, ugled in nevidnost. To roman s psihološke in sociološke perspektive večplastno izriše. Že avtoričin romaneskni prvenec Klopotec je to dobro izpeljal. Nakazane medgeneracijske travme se kažejo v ponavljanju vzorca, česar se junakinja romana vedno bolj zaveda. Pomembno funkcijo v romanu ima jezik. Pri osebnem doživljanju in internih pogovorih je v ospredju materinščina, angleščina deluje kot sporazumevalno orodje. Poetičen jezik se kaže v orisih narave, doživljanju ljubezni, Karimovih spominih na sorodnike in bolečine. Ekspresivnost, skorajda hektiko je čutiti v Laninih odzivih na družbo in dogajanje. Velik pomen imajo simboli, kot je denimo modra ruta, prav tako košuta. Maja B. Kranjc je smiselno razgradila like, pri čemer je predvsem opolnomočila izgubljeno Lano. Čeprav se znajde na razpotju, lahko upa. Kljub temu pa je v ospredju tudi nujen občutek osebne in družbene odgovornosti. Hkrati pa roman Kjer teče košuta podaja zavedanje o tem, kako ne znamo ravnati s tujci, kaj šele, da bi ob lastnih krutih dejanjih sprejeli krivdo in se pokesali.

  3. 4d ago

    Iztok Osojnik: No, čas je, da poiščeva naslov

    Piše Veronika Šoster, bereta Ana Bohte in Igor Velše. Iztok Osojnik je eden izmed naših najbolj plodovitih ustvarjalcev, njegovi prsti dandanes kar šibajo po tipkovnici, nekoč so po tipkah pisalnega stroja, kdaj verjetno tudi njegova pisala po papirčkih in notesnikih. Tokrat se predstavlja s pesniško zbirko, ki ima večplasten in ironično obarvan naslov: No, čas je, da poiščeva naslov. Po eni strani gre za hudomušno domislico, za naslov, ob katerem se lahko namuznemo, po drugi strani pa za takojšen metakomentar – jasno nam daje namreč vedeti, da gre za zbirko, ki se sama sebe še kako zaveda, se ves čas ocenjuje, pregleduje, dodeluje, spreminja, prilagaja, posodablja. Pomembna pa je tudi dvojina, uporabljena v glagolu naslova, kar lahko razumemo na dva načina. Lahko bi šlo za parafrazo replike urednika avtorju, da je čas, da za zbirko najdeta naslov, da jo bosta lahko poslala v tiskarno, ali pa za povabilo bralki ali bralcu, naj stopi v ta pesniški vrtinec skupaj s pesnikom in mu kar sproti pomaga najti naslov zanjo. Pesniški govorec ne pušča praznih mest ali prostora za to, da bi zares vdihnili, ampak vse nenehno komentira, pri tem pa že kar načrtno izziva s samokritiko, provokativnimi izjavami, šokantnostjo, eksplozivnostjo. Med branjem se zdi, da poezija kar skače izmed strani, da se verzi ločujejo od papirja in prosto plavajo naokrog, da se bo zdaj zdaj vse skupaj raztegnilo in razpotegnilo v avtocesto, ki ji moramo slediti v neznano. Gre za izjemno živo poezijo, ki se ne dela, da je nekaj, kar ni, temveč se ves čas poraja in prilagaja – komu, pa ni čisto jasno. Pesniški govorec in pesnik se najraje zlijeta v eno, takrat se očitno počutita najbolje, in pesnik vmes omenja svoja druga dela v nastajanju, našteva svoje pesniške vplive, se analizira, bodri, kritizira, norčuje – pravzaprav kritika sploh ne rabi. Gre za tekst, ki je izrazito samonanašalen, zato ni pri njem nič več romantičnega, narejenega, izumetničenega, ampak gre za prave plimne valove, udarce v pleksus, električne udare. Pa tudi za beg pred smrtjo, koncem, ko se bodo ugasnile luči in bo vsega tega cirkusa konec, če uporabim enega izmed verzov. Morda pa kar za boj s smrtjo, ki pa ni razumljena le individualno, ampak tudi širše, kot smrt vrednot, miru, družbe. Občutek pisanja pesmi v tem peklenskem času je grozen, zapiše, svet je poln krivic, vojn, nasilja, »so realnosti, ki človeka pregazijo kot slamico«. Osojnikova poezija je ena izmed tistih, pri katerih je jasno opaziti avtorjev družbeni angažma in splošno razgledanost in načitanost, saj se v njegovih verzih referenc in misli kar tre. To ni prosti tek, temveč maraton, na katerem je treba pokazati, iz kakšnega testa smo: »hoj, veselimo se moja ustvarjalna moč peša po sedmem branju in popravljanju odštekanega teksta sem se prebil nazaj do jarkov, v katerih se je vkopala moja poezija, čakajoč na nove ustvarjalne preboje in uspešne melodije sonca in morja in zdaj sem tu, ne da bi od sebe dal eno samo besedico o svojem psihičnem ali umnem stanju ter tako bralca povedel po labirintih svoje osebe brez duše zgolj z zavednimi vrelci, ki iz največjih globin moje prikrajšanosti brizgajo v kozmični noči spretno se pri tem izmikajoč zrcalu teleskopa Webb« Zbirka No, čas je, da poiščeva naslov je sestavljena iz treh sklopov, imenovanih po toplejših mesecih, pri čemer iz začetnega maja preskočimo junij in gremo kar v julij in nato še v avgust. Ta nered po eni strani simbolizira kaotičnost sveta, v katerem piše, pa tudi svobodo in vseprisotnost poezije, ki se ne ubada preveč s koledarjem ali zemljevidi. Mnogo pravil je namreč porušenih, številčenje je približno, pri čemer se nekatere številke ponovijo, nekatere pa se preskoči. Lahko bi si mislili, da bodo zaporedne številke, ki služijo kot naslovi pesmi, morda služile kot zaporedni dnevi v izbranih mesecih, ko so bile pesmi napisane, a tudi to ni čisto res: maj jih ima veliko premalo, julij pa kar 42 – no, ko pripeka vročina, se res zdi, da julij traja že dobrih štirideset dni. Pisanje nekje prekine telefonski klic, spet drugje pesnik pritisne napačno tipko in črke postanejo velike, v avgustu pa se mu tipkovnica sploh izneveri in dve črki kar odpovesta. To je nenehno porajajoče se delo, za katerega se zaveda, da bi ga lahko prenehal, ampak ga ne bo, raje s sabo vleče bralca in se ves čas sprašuje, kaj naj še napiše, da ga bo pritegnilo – obenem pa ga zanj čisto nič ne briga. Kot smo vajeni, gre za divjanje skozi knjigo, v eni izmed pesmi se začne pesniški govorec s kolesom celo vzpenjati v nebo kot kakšen novodobni vesoljček E. T., sicer pa se zdi, da mu zmanjkuje časa, da bi napisal vse, kar se mu zdi pomembno. A to ni mogoče, njegova poezija je namreč vkopana v jarke, napisal bo, česar ostali nočejo ali se bojijo, napisal bo vse tisto, kar bo bralca prebudilo in ga brcnilo, da ne bi pozabil, v kakšnem svetu živimo. Zato tudi težko zaspi, muči ga nespečnost, ki se pojavlja v več pesmih skozi vse poletje. V teh trenutkih se zdi pesniški govorec najbolj ranljiv, logično, saj je utrujen, izmozgan, obupan, ker ne more spati – morda pa se cela zbirka dogaja ravno v tem razrvanem stanju med dnevom in nočjo. Osojnik nas torej popelje skozi neko poletje, tako kot nas je v zajetni knjigi 2021 popeljal skozi epidemično leto, ampak na čisto svoj način, brez formalnosti, upoštevanja pravil ali določil. Res pa se nam zdi, da nam je malo vroče in da se zadeve neizogibno lepljivo končujejo sredi vrstic in verzov, polnih neverjetnih podob. Kljub temu zamahu pa bi si želela malo bolj dodelan oziroma omejen koncept. V divjem ritmu branja, ki sledi še bolj divjemu ritmu pisanja, zadeva deluje, očara, preseneti, pa vendar jo je nemogoče pomensko zagrabiti na kateremkoli koncu, za katerikoli vogalček, ki štrli ven, ker je vsega preprosto preveč. Od sveta utrujeni premišljevalci bi si kdaj pa kdaj želeli malo bolj varnega zavetja. Tu ga ne bomo našli, saj že drvimo med zvezde in nekam domov, ampak kam?

  4. Oct 5

    Matjaž Zwitter: Drevesa se spominjajo

    Piše Marija Švajncer, bereta Eva Longyka Marušič in Igor Velše. Matjaž Zwitter, znani slovenski zdravnik, specialist onkologije za radioterapijo in dejaven udeleženec javne polemike o končanju življenja s tujo pomočjo ter drugih vprašanjih s področja medicinske etike, je objavil roman Drevesa se spominjajo. Zdravnikov, ki so tudi pisatelji, je v Sloveniji kar nekaj, med njimi mariborski kardiolog Franjo Husam Naji in ljubljanski pediater Marko Pokorn. Literarno delo Matjaža Zwittra je vsebinsko v marsičem zgodba o dobrih ljudeh, vendar se tako kot v Povesti o dobrih ljudeh Miška Kranjca pač zgodi, da vsi protagonisti niso samo plemeniti, zato se marsikaj tudi zaplete. Nekatere stranske osebe izražajo stališča, znana iz aktualne politike, in to od pogleda na slovensko zgodovino in dogajanje med drugo svetovno vojno in po njej do vidikov demografije in domnevno tradicionalnih vrednot. Med njimi so tudi starši, ki zahtevajo, da mora dekle zapustiti svojega bolnega fanta, saj bi si z vztrajanjem ob njem otežila in pokvarila prihodnost. Ne gre pa prezreti kritičnosti do kulturnega imperializma in ogrožanja slovenskega jezika ter zaskrbljenosti zaradi tovarn, ki uničujejo človekovo zdravje. Nekateri literarni liki so torej različnih, tudi konservativnih nazorov in nekoliko nestrpni, medtem ko sta glavna lika – razredna učiteljica in tabornica Bojka in fotograf Brin – preprosta, prijetna, poštena in strpna človeka. Pripoved se začne z njunim srečanjem na fotografski razstavi. Bojka kot ljubiteljska novinarka opravi intervju z mladim umetnikom. Njuna ljubezenska zgodba je sicer lepa in nežna, vendar vanjo vdirajo spomini iz preteklosti in nepredelana čustva. Brin se spominja prve ljubezni, Bojka pa se enkrat samkrat preda skušnjavi in tedaj se njeno življenje nekoliko spremeni. Vse skupaj torej ni samo idila, saj čez čas v razmerje mlade dvojice poseže tudi bolezen. Avtor s slikovitimi opisi prikazuje lepote Slovenije, zato je njegovo delo mogoče brati tudi kot svojevrsten vodnik po neodkritih predelih naše dežele. Vsi kraji in ulice so imenovani s pravimi imeni. Pisec pozna oddaljene in skrite vasi, vzpetine in doline, literarno dragocena pa sta zlasti njegov oris in občudovanje dreves. Piše o drevoredih, osamelcih, lipah in drugih drevesih. Brin pravi: »Drevesa so zelo posebna živa bitja. Od nekdaj čutim, že dolgo vem, da imajo drevesa dušo. Tako kot mi tudi drevesa dihajo, se hranijo, rastejo. Se pogovarjajo. Iščejo svetlobo. Najdejo prijatelje, se ljubijo, skrbijo za naraščaj. Branijo se pred škodljivci in si pri tem pomagajo, si pošiljajo sporočila. Niso pa rasisti, najbolje se počutijo v mešani družbi. Monotonost umetnega gozdnega nasada jih duši.« Čustven odnos do dreves je povezan tudi z zaskrbljenostjo nad dejstvom, kako mačehovsko ljudje ravnajo s svojim planetom in ne pomislijo, da brez dreves ne bodo mogli preživeti. Če bodo še naprej tako neusmiljeno uničevali gozdove, obvladovanje podnebnih sprememb ne bo mogoče. Drevesa so največja živa bitja, njihova rast traja zelo dolgo. Vsako drevo ima svoje življenje in je kot tako nekaj enkratnega, nekatera od njih so spomeniki preteklega časa. Najevska lipa na Koroškem je na primer stara več kot pol stoletja, morda kar sedemsto devetdeset let. Brin fotografira mogočnost dreves in zunanji svet, ohranja podobe iz narave in pri tem ničesar ne ponareja. »Fotograf ujame pravi trenutek, pravo svetlobo, pravo perspektivo, vendar je vse to resnično.« Sporočilno zavezujoč vidik romana je tudi religioznost. Četudi vsi niso verni, ohranjajo obrede, se v stiski kdaj pa kdaj zatekajo k molitvi in prosijo Boga za pomoč. Kadar je vse brezupno, kličejo Stvarnika, naj stori čudež. Nekateri verjamejo v usodo, drugi svoje verovanje izražajo kot panteizem. Brin je prepričan, naj bi bila prav voda dokaz, da je nekje Bog, nekdo, ki si je vse, kar obstaja, zamislil. Vidi ga v naravi, pretakanju vode, oblakih in nevihtah ter verjame, da obstaja božja roka kot nedoumljiva sila, ki nekako usmerja ta svet. Pred njo se počuti neznatnega in nemočnega, a je v svojem bivanju tudi srečen in po svoje hvaležen. »Kar stal je v vodi, nenadoma pa se je otožnost posvetlila, prevzel ga je občutek hvaležnosti, da je smel živeti. Misel, da je vendarle lahko silno srečen, da sploh živi.« Roman Drevesa se spominjajo je napisan kronološko – posamezna poglavja so označena z letnicami od 2006 do 2023, vendar pa so pomembne tudi reminiscence in retrospektiva, saj se avtor vrača v preteklost ter pojasnjuje in utemeljuje dogajanje v sedanjosti. Posebnost njegovega pisanja so notranji monologi glavnih literarnih oseb, v katerih so neposredno izražena čustva, odzivanje na dogajanje in izpovedovanje. Porajajo se hrepenenje, dvom in zatekanje v sanje, toda zveza med Bojko in Brinom vendarle ostaja trdna. Povezuje ju tudi otrok. Avtor prikaže ljubezensko zgodbo, eno izmed mnogih, vendar samo njuno in zavezujočo. Poetičnost se sčasoma prevesi v prozaičnost. Je že tako: bolezen in smrt sta prelomnici in določili človekovega življenja. V odlomkih o bolezni avtor kot medicinski izvedenec piše strokovno in terminološko natančno. V knjigi je omenjeno kar nekaj znanih oseb, med njimi Mateja Koležnik, Polona Juh, Milenko Licul, Bina Štampe Žmavc in drugi. Na koncu romana se avtor zahvaljuje ženi Neti, da ga vodi skozi življenje, in sinu Aleku, ki mu je približal Boga. Na zadnji platnici so navedene besede pisateljice in dramaturginje Irene Štaudohar. Roman Drevesa se spominjajo Matjaža Zwittra je zanjo nežna, premišljena in pretresljiva pripoved o življenju in tem, kar ostane.

  5. Oct 5

    Kaja Teržan: Omamori

    Piše Miša Gams, bereta Igor Velše in Eva Longyka Marušič. Po pesniškem prvencu Kaje Teržan Delta, ki je bil nominiran za Veronikino nagrado in ki je predstavljal osnutek za performans z istim naslovom, je leta 2018 izšla njena zbirka Krog, ki je bila ovekovečena z Jenkovo nagrado. Zbirki Nekoč bom imela čas je sledil njen romaneskni prvenec Obračun, ki se je uvrstil med deseterico nominiranih romanov za kresnika. Najnovejša pesniška zbirka ima zanimiv naslov Omamori, kar v japonskem jeziku pomeni zaščitni amulet, talisman za varovanje pred silami zla. Ko se med branjem sprehajamo od ene pesmi do druge, res dobimo občutek kot da prebiramo podaljšane haikuje, ki nudijo preplet avtoričinih notranjih stanj z refleksijami iz zunanjega okolja. Predvsem so tu zvedave ptice: inteligentna vrana, lačni vrabec, radovedni golob, zvedava sova, raziskujoči kačji pastir pa tudi druge živali, ki se tu in tam pojavijo kot liki iz sanj; avtorica omenja belega psa pa ostrozobega zmaja, dlakave gosenice in divje Titove arabske konje, ki osvajajo srca deklic in prinašajo milino v slovenske vasi … Pesnica se zaveda, da možgani ne ločijo med fizično realnostjo in vizualizacijo, in to s pridom uporablja v svoji pisavi, ki nas počasi pripelje na križišče lucidnih sanj, mitoloških pripovedk, znanstvenih dejstev in doživetih utrinkov iz narave. Tako v zaključku pesmi Ledene rože piše: “… Kadar rečem, da te imam rada – zgolj preberem, / kar so ustvarile molekule vode na gladki površini moje kože.” V pesmi Težave z mejami pa svoj krog razmišljanj sklene z besedami: “… Rešuje me tiha Prisotnost, / na kateri počiva zahajajoče sonce, / da se mi zdi kakor neskončna, / a izgubljena, če se ne obrnem k njej.” Da, pesmi Kaje Teržan bi bilo mogoče razdeliti na več krajših pesmi, ki bi lahko delovale kot samostojne enote in s tem ne bi nič izgubile lirične čarobnosti. Vendar je njihov čar tudi v obsežnem pripovedovanju, ki naravo ne le personificira, temveč jo vpeljuje v večdimenzionalnost hermenevtičnega razumevanja in interpretiranja. Narava se v nekem trenutku spremeni v materine dojke, iz katerih priteče toplo mleko, spet v drugem trenutku širi zavedanje avtoričinega telesa, ki pridobiva nove izrastline in atribute. Vanj se naseljujejo tako tesnobna občutja kot ekstatična stanja, ki so v vsakem letnem času malo drugačna. Zanimiv je motiv reke, ki “podmazuje robnike mesta” in vijuga tako okrog mladih fantov kot po samotnih krožnicah, ki tvorijo meandre. V pesmi Steklena reka se celo poistoveti s sotočjem Save in Sore, ki s seboj prinašata njeno preteklost in prihodnost ob združitvi z Ljubljanico: “Bolje bi bilo, da ne razlagam, / kako mi gre, ko hodim / ob svojih nogah kot nerodna / varuhinja skritim tokovom, / ki slutijo vse čudežno / in vase jemljejo votle hlode / in galebe, ki so zašli … // Vse se meša: / odraslost, otroštvo, odmiranje, / bivanje v jeseni, v zimi, / ko steklena reka drži sonce / na spoštljivi razdalji, ko mu ničesar / ne obljublja, ono pa jo greje – enako / kot prej, le da pod malo drugačnim / kotom …” V pesmi Soba za izgubljene predmete se poistoveti z izgubljenim otrokom, ki si postavi blazino na obraz v želji, da ga nihče ne bi našel, dokler mu neznan glas ne odgovori, da ga pravzaprav nihče ne išče, kar ga prestavi v trenutek sedanjosti … V pesmi Na moji prostoživeči terasi, kjer se znajdejo tako invazivne rastline kot radovedne ptice, se hkrati poistoveti s svobodnim človekom in letečim semenom, ki zaide na sosednje terase. Pri tem satirično pripiše: “S sosedi je bolje imeti dobre odnose, / da se v pretekli prihodnosti nekdo ne domisli, / da mu po neki posvojeni pravici pripada / večji del morja s pristaniškim mestom / in z njegovo bogato kulturo … / Na moji prostoživeči terasi / sem koliko toliko svoboden človek. / Nekoč davno zasajena meta in grm rožmarina / me spominjata na kraje, kjer bom nekoč živela, / če bom le dovolj majhna, da me bo odnesel veter.” V pesniški zbirki Omamori ne manjka niti družbenokritičnih pesmi o neprepoznavanju lastne zasužnjenosti v sodobni družbi. Ena izmed njih je zagotovo Feminizem se ni zgodil, v kateri avtorica opisuje delo v tovarni, kjer ji sodelavka, “krepka kmečka deklina”, že na začetku odvrne, da ni potrebe po komunikaciji, kajti “ne bova zdaj tu odkrivali tople vode, ve se, kako je …” Bralcu pri tem sugerira, da bosta izpadli iz tehnološkega ritma, ki ga narekuje mašina, in bosta tako nekonkurenčni v svetu tekmovalnih delavcev, ki se trudijo izpolniti dnevno normo, kar je možno samo z osredotočenim delom v tišini. Vendar prav ta uslužna upognjenost pred kapitalistom in mašino, ki diktira ritem dela, pesnico spomni na njeno pesnjenje in lastno nesvobodo, saj očitajoče zapiše: “… Ti pa ne veš, kako je, / če si vzgajana kot tehnološka reprodukcija, / če si sama po sebi mašina, ti ne veš, / kako je če nimaš izbire, če si odvisna / od svoje moči in hitrosti in ritma / (tvoja pesem, Kaja, nima ritma, /njena zvočnost se klanja vsebini in vsebina, / pokorna umu, ni svobodna.)” Bolj kot družbene krivice in zavest o lastni nesvobodi pa zbirko Omamori preveva duh pravljičnosti oz. čarobnosti – kot da bi pesnica želela bralcu pričarati čarobni gozd iz otroštva, ki predstavlja nekakšen zrcalni odsev vsemogočega vesolja, kjer ni naključij, so zgolj variacije in projekcije lastnega psihičnega stanja – od otroške tesnobe do intuitivnega uzrtja lepote narave, ki pomeni vstopnico v svet svobode. V tridelno zastavljeni pesmi Senca poezije v zaključku zapiše: “Saj / pride trenutek, / ko se nikogaršnja / strast, lepota, modrost / osrediščijo / in si prost.” Zbirko Kaje Teržan Omamori lahko doumemo skozi lastne bralne refleksije, lucidne sanje in fragmente doživetij iz otroštva. Pomaga, če jo večkrat vzamemo v roke in jo “pobožamo po glavi.”

  6. Oct 5

    Robert Simonišek: Ameriška noč

    Piše Urban Leskovar, bere Igor Velše. Roberta Simoniška poznamo kot pisatelja, pesnika, esejista in doktorja umetnostne zgodovine. Dvakrat je prejel Rožančevo nagrado za najboljšo zbirko esejev, prva mu je bila podeljena za Trk prostorov druga pa za zbirko Pejsaži – sanjati na soncu. Je tudi uveljavljen pesnik in prejemnik Jenkove nagrade, ki mu je bila podeljena za delo Vračanje k čistosti. V zbirki esejev z naslovom Ameriška noč popisuje svoje potovanje po ZDA. Na prvi pogled bi knjigi lahko pridali tudi oznako potopis in čeprav je ta moment vsekakor prisoten, je bolj kot ne v ozadju. Tudi točna geografska lega krajev, ki jih obiskuje avtor, nam nemalokrat ostane skrita, kar pozornost preusmerja drugam. Ameriška noč je predvsem delo, ki govori o potovanju vase, Simonišek pa pri tem raziskuje svojo osebno zgodovino in – kot se za ustvarjalca in poznavalca umetnosti spodobi – razvoj svojih estetskih preferenc. Precej prostora v knjigi je namenjenega interakcijam z umetniškimi objekti, pri čemer je zajet širok spekter ustvarjalnih disciplin, od literature do glasbe, slikarstva in instalacij. Avtor zagovarja, da moramo pri motrenju umetnosti nujno ugasniti svoj analitični aparat, pozabimo naj na umetnostno zgodovino, filozofske tokove in takšne ali drugačne metodologije, odsotnost teh orodij pa naj zamenja intuicija. Sama ideja ni zgrešena in spočetka se z avtorjem lahko strinjamo, močen odziv na dano umetniško delo je namreč nekaj globoko individualnega, nedosegljivega teoriji, ki prepogosto reducira na najmanjši skupni imenovalec. A kljub temu se zdi, da je Simonišek z neproblematiziranim sklicevanjem na moč intuicije izgubil svoj argumentacijski moment, brez katerega pa zbirka deluje preveč raztreseno in nebulozno. Čeprav si ob začetku vsakega poglavja pripravi nekakšen tematski peskovnik, njegovi zaključki prej spominjajo na meditacije kot na argumentacije. Ideja o primatu intuicije se tako izkaže za zanimivo v teoriji, ampak precej neoprijemljivo v praksi. Morebiti bi tu bolje deloval hibriden pristop, ki bi vsemu skupaj vendarle primešal še prvine teorije. Naj navedemo primer Simoniškovega soočenja z umetniškim delom in utemeljimo, zakaj zadeva deluje problematično. Avtor med vožnjo posluša poezijo Jamesa Wrighta, zatem se usuje plaz individualnih asociacij, vse dokler se Simonišek – in to precej arbitrarno – ne ustavi pri trditvi, da ga slišana poezija vrača v stik s starimi starši in predniki, ki jih nikoli ni poznal. Pri takih preskokih mu resnično težko sledimo, predvsem zato, ker nam o vsebini pesmi, ki jo je poslušal, ne sugerira ničesar konkretnega. Knjiga se tako – zvečine – bere kot serija skrajno osebnih asociacij na umetniška dela, ki nam ostajajo skrita. Recenzentu bi bilo precej lažje, če bi vedel, na kaj se avtor sploh odziva. Posledično je zbirka Ameriška noč polna sanjarjenj, ki ostajajo ujeta v zaporu avtorjevega individuuma. Pristop je vsekakor namenski, navsezadnje nam na to avtor namigne že v svojem zagovoru intuicije. A kljub vsem problemom, ki ob tem pristopu nastanejo, težko spregledamo, da je vse skupaj napisano v prijetnem žaru delovne vneme. Simoniškov ustvarjalni užitek je nalezljiv, in morebiti je prav to največja odlika knjige, čeravno v fiksaciji na hermetično zaprte asociacije izpade malce samovšečno. Opraviti imamo s primerom pisanja zaradi pisanja samega, avtor nas povabi, da se skupaj z njim utopimo v njegovih kontemplacijah, pri čemer namenoma ne ponuja ničesar celostnega, temveč zgolj bežne okruške refleksije. In morebiti sploh ni tako duhamorno, če avtorju sledimo po stranpoteh njegove domišljije, vsekakor gre za žlahtno dušo, ki s krhko občutljivostjo opazuje svet okoli sebe, a kljub naporom, da bi se zadovoljili z nebulozo avtorjeve intuicije, navsezadnje zadenemo še v čer pretirane poetične odmaknjenosti. Pisatelj angelsko lebdi nad kraji ZDA in se na svoji poti nikoli ne prizemlji, v tem smislu so njegovi zapisi ločeni od izkušnje, ki bi jo moral doživljati, nikoli se ne spusti na tla med smrtnike, pri čemer življenje od hrumečih ulic velemest do neskončnih prerij steče mimo njega. Če strnemo; nič ni narobe, če pisatelj uživa v sprehodu po lastni glavi in z bralcem deli asociacijske naplavine, ki jih je za sabo pustil tok interakcij z umetniškimi objekti. Simoniškov recepcijski aparat je bogat, avtor je velik poznavalec likovne umetnosti, klasične literature, glasbe in filozofije, vse skupaj osvežujoče dopolnjuje tudi njegovo poznavanje popularnih zvrsti – navsezadnje je slednje pri obisku ZDA, največje proizvajalke množične kulture, kar nujnost. A zbirka Ameriška noč ostaja preveč neoprijemljiva, bralcu pa ne ponuja ključa, s katerim bi jo lahko sam dešifriral in posledično osmislil. Resnica knjige, vse njene nianse in skrite poante lahko obstajajo zgolj v subjektivnosti avtorja. Škoda, da nam širina Simoniškovega duha posledično ostane nedostopna.

  7. Oct 2

    Digger

    Bombastična epopeja Digger, novi projekt mehiškega režiserja Alejandra Gonzáleza Iñárrituja, se bo decembra najbrž znašla na prav toliko seznamih najboljših pa tudi najslabših filmov leta. Politična satira, ki nadaljuje izročilo Kubrickovega Dr. Strangelova, ali pa pridigarsko jadikovanje, s kakršnim nam je postregel že Adam McKay v komediji Ne glejte gor? Polarizirani odzivi na Diggerja so po eni strani razumljivi, po drugi pa kratkovidni: v dobi generičnih, varnih franšiznih spektaklov bolj kot samo dobre ali slabe filme potrebujemo ljudi, ki se upajo lotiti tveganih, morda celo bizarnih podvigov. Kdor je pripravljen tvegati, lahko seveda tudi katastrofalno brcne v temo – kar vprašajte Francisa Forda Coppolo in njegov Megalopolis. Toda vsaj pomanjkanja ambicij mu, tako kot Iñárrituju, nihče ne more očitati. V Hollywoodu je en sam igralec, ki je znan po tem, da v vsak projekt vloži 110 odstotkov strasti in energije, en sam igralec, ki bo z golo voljo moči morda zmogel preseči kilave recenzije in se naposled dokopati do oskarja, ki si ga očitno tako zelo želi. Tom Cruise je pod filmsko masko in protetiko skoraj neprepoznaven, toda hkrati je Digger Rockwell lik, kakršnega je lahko upodobil samo on: človek, ki je s svojim pohlepom uničil svet, in hkrati edini človek, ki ga morda še lahko reši. To je tudi lik, ki nas spomni, da je Tom Cruise nekoč davno, preden je začel v vsakem filmu skakati s pečin in hoditi po vodi, veljal za vsestranskega igralca z nekonvencionalnim repertoarjem vlog. Film učinkuje veliko bolje, če pred ogledom ne veste ničesar o njegovem zapletu. Zato naj bo dovolj, če povemo, da je naftni magnat Digger Rockwell najbogatejši in najvplivnejši človek na planetu. Ko eksplozija na eni izmed njegovih naftnih ploščadi sproži verigo potencialno kataklizmičnih dogodkov, se ameriški politični vrh namesto v Beli hiši sestane v Diggerjevi teksaški palači: vanj polagajo upe, da bo, če ne že preprečil katastrofo, pa vsaj krivdo zanjo prevalil na kako drugo svetovno velesilo. Rockwell je megalomanski norec, vendar je dovolj karizmatičen, da bi se mu to celo lahko posrečilo. Digger je satira na račun svetovne elite milijarderjev, ki si je nadela plašnice, da se lahko v miru bogati naprej. Iñárritu diskurz zasidra okrog okoljskih sprememb in posledic človekovih posegov v naravno okolje. Čeprav od prvega do zadnjega prizora gledamo predvsem šov Toma Cruisa, je režiser zborček Diggerjevih petoliznikov zapolnil z izjemnimi igralci: John Goodman je ameriški predsednik Compson, Riz Ahmed panični okoljski znanstvenik, Sandra Hüller pa povzpetniška polsestra, ki poskuša družinsko ime oprati z "zelenimi iniciativami". Vsak izmed njih bo na neki točki dobil priložnost za svojo histerično diatribo; ti pompozni monologi grozijo, da bodo ton filma iz satire prevesili v samoparodijo. Največja hiba Diggerja je namreč to, da ne zaupa gledalcu: poanto nam znova in znova pojasnjuje pretirano eksplicitno, to pa je žaljivo za našo inteligenco, čeprav idejno ne ponuja absolutno ničesar revolucionarnega ali novega. Kljub temu pa je pred nami vizualna in strukturna mojstrovina: Iñárritu je zgradil labirintni, metafilmski gledališki oder, ki se lahko kosa s fantazijskimi svetovi Terryja Gilliama in Alejandra Jodorowskega. Njegova apokaliptična vizija konca sveta je ugnezdena nekje med bolečo lepoto in grotesko. Pod namerno neokusnimi pozlatami, ki bi navduševale Donalda Trumpa, režiser Birdmana in Barda ostaja zvest vprašanju, ki zaznamuje vso njegovo kariero: kako osmisliti svet, ki se je že zdavnaj odcepil od zdravorazumske logike in humanosti. V namerno teatralnost in ekscentričnost je zavil kot britev ostro trezno ugotovitev. Ozavestiti našo sokrivdo pri sedanjem stanju sveta je šele pol bitke. Zdaj je treba glede tega tudi kaj ukreniti. Piše: Ana Jurc Bere: Ajda Sokler

About

Literarne, gledališke, glasbene in filmske ocene.

You Might Also Like