Punto Muerto

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“Punto Muerto” es un programa musical emitido por Radio Belcha los Lunes a las 22:00. También pueden seguirnos en la cuentas de: X: @PuntoMuertoRock Instagram - @PuntoMuertoRock TikTok: @Punto.Muerto12 Threads: @PuntoMuertoRock

  1. Michael Jackson - Bad

    May 17

    Michael Jackson - Bad

    Según la opinión generalizada, Michael Jackson alcanzó su apogeo artístico con Off the Wall (1979) y Thriller (1982), y Bad (1987) marcó el inicio de un declive lento pero constante. Sin embargo, este periodo de intensa creatividad es mucho mejor de lo que su reputación sugiere. Bad contiene más clásicos del pop que la mayoría de las recopilaciones de grandes éxitos, un repertorio más amplio del que algunos recuerdan y una estética visual innovadora que consolida el legado de Jackson como la primera superestrella genuina de la era del videoclip. Sin duda, lanzar un álbum tras el éxito de Thriller fue una tarea titánica (aproximadamente 38,5 millones de copias vendidas en su momento, siete premios Grammy y siete sencillos en el Top 10 de Billboard), pero Jackson disfrutaba compitiendo consigo mismo, tanto a nivel comercial como artístico. En esta ocasión, su audaz visión era crear un álbum pop que vendiera 100 millones de copias e incorporara sonidos nunca antes escuchados. Con estos ambiciosos objetivos en mente, Jackson compuso más de 60 canciones, con la intención de lanzar 33 de ellas en un álbum triple. El productor Quincy Jones, aunque entusiasmado con la llegada de nuevo material prometedor, sugirió que lo redujera a un solo LP que ofreciera a sus oyentes la máxima intensidad. Entonces, tras cinco años de ausencia, ¿podría Michael Jackson volver a revolucionar el mundo del pop? La respuesta fue un rotundo sí. - En su búsqueda por alcanzar nuevas cotas en el pop, Bad combina la tecnología de estudio más avanzada de la época con melodías irresistibles que provocan movimientos de cabeza y cadera en señal de aprobación. La perfecta fusión de electrónica vibrante y soul clásico en «The Way You Make Me Feel» evoca el espíritu de «P.Y.T. (Pretty Young Thing)». «Es un ritmo shuffle realmente intenso», comentó el tecladista Greg Phillinganes. «Recuerdo lo mucho que me divertí grabando esas partes sincopadas, la línea de bajo, todo eso, y viendo la expresión en la cara de Michael: esa gran sonrisa que significaba que lo habías conseguido». Según se cuenta, «Speed ​​Demon», escrita después de que Jackson recibiera una multa por exceso de velocidad camino al estudio, fusiona voces potentes, líneas de bajo vertiginosas y el rugido de los motores en un funk con viento de frente que te hará vibrar. - “Just Good Friends”, con la colaboración de Stevie Wonder, puede ser el capítulo menos interesante del álbum, pero mezcla sintetizadores alegres y cierto pop adolescente de Motown en una adaptación de “The Girl Is Mine” de Thriller. “Another Part of Me”, es un brillante torbellino de synth-funk, metales de jazz y luces de neón. Curiosamente, este enérgico tema bailable casi pierde su lugar en la lista final frente a la favorita de los fans, “Streetwalker”, pero Jones tomó la decisión correcta al convencer a Jackson de mantenerlo en Bad, ya que se disparó al número 1 y al número 11 en las listas de R&B y pop de Billboard, respectivamente. - Complementando esos ritmos contundentes, Jackson se muestra dispuesto a brindar a sus colaboradores de primer nivel la oportunidad de sacar lo mejor de él con su aporte creativo. Gran parte del mérito corresponde a los excelentes músicos John Barnes, Chris Currell y Paulinho Da Costa, cuyos sintetizadores envolventes, percusión tribal y sitares vibrantes realzan el brillo exótico de "Liberian Girl". La voz principal y los coros de Jackson son sinceros y rebosan sentimiento mientras exalta la belleza africana, algo poco común en el ámbito del pop comercial. "Toda su música es tan diferente", explicó Quincy Jones. "Es decir, 'Liberian Girl', ¿a quién se le ocurriría algo así? Es increíble. Solo las imágenes y todo lo demás. Es una fantasía asombrosa". Cuenta la leyenda que Jackson y Jones consideraron a las reconocidas vocalistas Barbra Streisand, Aretha Franklin y Whitney Houston como posibles compañeras para un dueto en "I Just Can't Stop Loving You". Al no poder contar con ninguna de ellas, Jones reclutó a la relativamente desconocida Siedah Garrett (coautora de “Man in the Mirror” con Glen Ballard), quien no supo de su nuevo papel hasta el día de la grabación. A pesar de la compleja génesis de la canción, su deslumbrante química vocal está tan bien ejecutada que evoca recuerdos de la época dorada de Marvin Gaye y Tammi Terrell. - La feroz “Dirty Diana” profundiza en la naturaleza depredadora de “Billie Jean” al sumergirse en el abismo de pesadilla del fanatismo por las celebridades. Cuando la groupie del título percibe la resistencia de Michael (“Mi chica está en casa, probablemente esté preocupada esta noche”), le lanza una punzante frase a su novia por teléfono (“No va a volver porque se acuesta conmigo”). En el vertiginoso clímax de la canción, Jackson estalla en una ráfaga de gritos mientras Steve Stevens, guitarrista de Billy Idol desde hace mucho tiempo, ofrece un solo electrizante que resuena como un relámpago en un cielo ennegrecido. En un álbum repleto de canciones extraordinarias, «Man in the Mirror» es el pilar emocional y un ejemplo impresionante de la grandeza de Bad cuando todo encaja a la perfección. Este himno inspirador de gospel y pop reflexiona sobre la insensibilidad de la sociedad ante el sufrimiento ajeno («Veo a los niños en la calle sin suficiente para comer / ¿Quién soy yo para ser ciego? Fingiendo no ver sus necesidades»). Mientras estas imágenes desgarradoras conmueven, Jackson y el impresionante coro de Andraé Crouch invitan a ser parte de la solución («Si quieres hacer del mundo un lugar mejor, mírate a ti mismo y cambia»). Rolling Stone elogió posteriormente su interpretación de la canción en los Premios Grammy de 1988, calificándola de «majestuosa y definitiva, como el moonwalk de Motown en su 25 aniversario». Puede que Michael no haya escrito «Man in the Mirror», pero su implicación emocional la convierte en una canción tan ligada a su vida como ninguna otra que haya grabado. - Bad no solo transformó el panorama del pop a través de su música, sino también de su estética, con una serie de innovadores cortometrajes que siguen siendo profundamente influyentes y sumamente ambiciosos. Inspirada libremente en la trágica muerte de Edmund Perry, la historia de "Bad" gira en torno al personaje de Jackson, Daryl, quien celebra el final del semestre escolar antes de regresar a su barrio marginal de Harlem. Sus viejos amigos del barrio (liderados por un joven Wesley Snipes) se burlan de él por su elocuencia y lo incitan a unirse a su banda de atracadores. Cuando Daryl se niega a participar en el plan de robar a un anciano, lo acusan de no estar a su altura. "¿Eres malo [negro] o qué?", ​​pregunta Snipes. La forma en que Daryl/Jackson responde a esta pregunta —con la ayuda del aclamado cineasta Martin Scorsese y el galardonado novelista Richard Price— resulta fascinante, ya que reinventa las posibilidades de la identidad negra, desde las camperas de cuero hasta los movimientos de ballet callejero de West Side Story. Puede que algunas de las obras más grandes y llamativas de Jackson eclipsen a "Bad", pero es una de sus creaciones esenciales, con una conciencia social optimista que merece ser objeto de debate académico. - El sarcasmo es una poderosa herramienta que Jackson utiliza en "Leave Me Alone", desafiando abiertamente el sesgo manifiesto e insidioso de los paparazzi. La enorme popularidad de Jackson prácticamente lo obligó a retirarse de la vida pública en 1987, lo que generó una profunda desconfianza hacia los medios y una tormenta de rumores extravagantes, algunos de los cuales él mismo orquestó para ser ligeramente excéntricos, mientras que otros causaron gran revuelo. El director Jim Blashfield, conocido por su animación stop-motion en "And She Was" de los Talking Heads, pasó tres días filmando a Michael con una cámara de 35 mm antes de que su equipo de animadores cortara y superpusiera cientos de imágenes durante un agotador período de nueve meses. El producto final sumerge a la estrella en un laberinto de rumores sensacionalistas: cantando desde una cámara hiperbárica de oxígeno, paseando por un santuario dedicado a Elizabeth Taylor y actuando junto a los huesos del Hombre Elefante, antes de que un Jackson a tamaño real destruya el ambiente carnavalesco que una vez lo aprisionó (al estilo de Los viajes de Gulliver de Jonathan Swift). A pesar de su imaginación cinematográfica y su autoparodia, «Leave Me Alone» resalta el absurdo que, lamentablemente, marcó la vida de Jackson. - Aunque «Thriller» suele considerarse la mejor obra de teatro musical jamás concebida para una canción pop, es hora de admitir que «Smooth Criminal», dirigida por Colin Chilvers, es igual de significativa. Luciendo ese impecable traje blanco con un misterioso brazalete que acompañó casi durante el resto de la vida de Michael. Deslumbrando al público al introducir una moneda sin esfuerzo en la máquina de discos iluminada con neón. Inventando un vocabulario de baile que sintetice los movimientos clásicos de Fred Astaire, el vibrante juego de pies de James Brown y la alocada animación de los Looney Tunes, todo a la vez. Presentando una inclinación antigravedad de gánster antes de empuñar una ametralladora Tommy de época justo cuando su captura parece inminente. Además de todo eso, estos elementos sirven como pieza central de su largometraje de 1988, Moonwalker, así como de un videojuego arcade de SEGA del mismo nombre. Una intrincada mezcla de musicales de la MGM y cine negro detectivesco, "Smooth Criminal" es, si no el espectáculo definitivo de Michael Jackson, sin duda está entre los mejores. Como capítulo final de la saga de Michael Jackson y Quincy Jones, Bad estableció un nuevo estándar de oro para

    1h 3m
  2. Michael Jackson - Thriller

    May 10

    Michael Jackson - Thriller

    Thriller. Tan solo mencionar el álbum evoca una serie de imágenes icónicas y estadísticas que batieron récords. Es el álbum más vendido de todos los tiempos. Permaneció un récord de 37 semanas en el número 1 (incluyendo dos rachas consecutivas de 17 semanas). Fue el álbum más vendido del año durante dos años consecutivos, en 1983 y 1984. Fue el primer álbum en generar 7 sencillos en el Top Ten. Ayudó a Michael Jackson a establecer un récord de premios GRAMMY en una sola noche con ocho estatuillas. Sus videos transformaron lo que podían ser los clips promocionales y rompieron las barreras raciales de la incipiente MTV; evocando imágenes de calles iluminadas, camperas de cuero de colores, zombis bailando, medias brillantes, guantes blancos con lentejuelas y moonwalks. Se convirtió en el modelo a seguir para alcanzar el éxito, superando las ventas conjuntas del resto de los álbumes del Top 10 de todos los tiempos. Como dijo Quincy Jones, "salvó a la industria discográfica" y catapultó a Michael a la cima del estrellato. Pero antes de todo eso, antes de los premios y los elogios, simplemente existía Thriller, el sucesor del emblemático álbum Off The Wall (1979) de Jackson. Jackson, que ya no era considerado solo el niño prodigio de The Jackson 5 que escuchábamos al principio, había demostrado ser un artista solista vibrante y consolidado con su innovador éxito que desafió la música disco. - Con Thriller, Jackson quería seguir impulsando su creatividad. Su objetivo era crear un álbum que no estuviera limitado por clasificaciones de género basadas en prejuicios raciales ni por la difusión radiofónica. Quería un álbum donde cada canción fuera un éxito rotundo: un álbum de puro Thriller, sin relleno, por así decirlo. Jackson se reunió con el productor Quincy Jones y el ingeniero Bruce Swedien en los estudios Westlake el 14 de abril de 1982 para comenzar a trabajar en Thriller. La primera canción grabada, y que finalmente se convertiría en el primer sencillo del álbum, fue el famoso dúo entre Paul McCartney y Jackson, "The Girl Is Mine", una canción melódica y agradable que, si bien era encantadora, no presagiaba el éxito arrollador que estaba por venir. Tras un largo descanso, Jackson y su equipo regresaron al estudio a finales de año y retomaron el trabajo en el nuevo álbum. Las sesiones se prolongaron hasta el 8 de noviembre y en ellas el equipo redujo una colección de treinta canciones (que Jones había inflado hasta los cientos) a las nueve finales que conformarían el álbum definitivo. Cuando Thriller debutó el 30 de noviembre de 1982, los ecos de Off The Wall y del álbum más reciente de los Jackson, Triumph (1980), cumplieron con las expectativas de los compradores. Con "The Girl Is Mine" en el Top 10, muchos se preguntaron si era un indicio de la nueva dirección que Jackson estaba tomando. Una cosa era segura: esto no era el "Don't Stop Til You Get Enough Part II" que muchos esperaban. En retrospectiva, "The Girl Is Mine" podría haber sido el primer sencillo de sacrificio para lanzar el gran dúo y dejar espacio para lo que estaba por venir. - Al sonar Thriller, una sucesión vertiginosa de tres éxitos marcó el comienzo de una nueva era para Jackson. Cualquier temor sobre si estaba abandonando el funk pronto se disipó al ritmo enérgico y la hipnótica línea de bajo de "Wanna Be Startin' Somethin'" que llenaron el ambiente. Cargada de energía, se percibe una urgencia palpable, como si Jackson estuviera ansioso por escuchar Thriller. Con cada verso de "Startin' Somethin'", se incorporan más adornos instrumentales: metales que perforan las líneas melódicas, sintetizadores que giran y palmas percusivas que resuenan. La combinación eleva la canción a otro nivel con cada nuevo estribillo. Jackson canta sobre un mundo ávido de chismes, que se deleita con rumores e insinuaciones (incluso dedicando un verso a abordar el tema del embarazo adolescente). Curiosamente, la primera vez que la escuchaste fue por la mención de "Billie Jean" en una breve aparición lírica que se desarrollaría más adelante en varias canciones. La voz de Jackson es mordaz, intensa e incluso burlona en el puente, donde canta: "Eres un vegetal / Se alimentan de ti". Para rematar esta épica introducción, Jackson cambia el tono, pasando de la paranoia y la persecución a la esperanza y el empoderamiento, mientras la canción alcanza su clímax con un cántico (ahora frecuentemente sampleado) que la eleva a otro nivel, convirtiéndola en una de las mejores canciones de apertura de un álbum en la historia de la música pop. - Como ya había hecho con Off The Wall, Jackson complementa sus propias creaciones con canciones de compositores externos, entre ellos Rod Temperton. Temperton terminó contribuyendo con tres temas, incluyendo el ritmo funk-soul de “Baby Be Mine” (que acabamos de escuchar), donde Jackson muestra una voz más desenfadada que en el resto del álbum. La producción, y en especial la voz de Jackson, elevan la canción por encima de lo que cabría esperar en un álbum de un artista menos talentoso. Junto con “The Girl Is Mine” en la secuencia, el impulso generado por “Wanna Be Startin’ Somethin’” disminuye un poco antes de repuntar con el épico tema que cierra la primera cara del disco. Es difícil no evocar las imágenes del emblemático cortometraje en cuanto se escucha el inicio de “Thriller”, pero antes de que esas imágenes icónicas se grabaran en nuestra memoria colectiva, solo existía este tema pegadizo, aunque peculiar, en medio de un álbum por demás maduro. Originalmente escrita como una melodía optimista llamada "Starlight", la letra fue modificada a petición de Jackson y Jones, quienes consideraron que la canción debía tener un tono más oscuro. Encargado de la tarea, Temperton regresó con esta oda al terror de serie B, y Jackson lo llevó a otro nivel. "Thriller" es a la vez una novedad y una seria candidata para ponerte a bailar. Su ritmo contagioso te atrapa como uno de los espectros de la canción y no te suelta, mientras que la voz de Jackson transmite una sensación de pavor antes de estallar en emoción en el estribillo demoledor. Como cierre de la primera cara del disco, "Thriller" reaviva la emoción con la que comenzó el álbum y te deja ansioso por lo que viene después. - Desde sus primeros toques electrónicas, "Beat It" sonaba diferente a todo lo que habías escuchado de Jackson a lo largo de su carrera. Era más dura. Más cruda. Más visceral. Era rock. Ha desaparecido la suavidad y la dulzura que solían caracterizar su voz, sustituidas por una interpretación más desafiante y afilada. Repleta de estribillos pegadizos y una gran sensibilidad musical, "Beat It" se inspira en el mundo urbano que lo rodea, mientras Jackson transmite la presión de un joven que necesita demostrar su valía en un entorno callejero hostil. Para dar forma a esta audaz incursión en el mundo del rock, llegó la genialidad de combinar la potente voz de Jackson con la destreza rockera de Eddie Van Halen. Los inconfundibles riffs de Van Halen estallan mientras toca la guitarra como un mago, y su solo ahora se siente como una inclusión natural, en lugar de la arriesgada combinación de rock "blanco" con un artista "negro". Una combinación que no solo amplió el panorama musical, sino que también acabó con los formatos de radio segregados. - Si alguna vez existió una canción emblemática de Michael Jackson, sin duda sería la obra maestra sonora que es "Billie Jean". La nitidez del primer compás es asombrosa. Un simple ritmo de un solo paso, pero su impacto tiene tal energía y fuerza que resulta casi irresistible. Y entonces entra el bajo. Con una mezcla de contundencia y profundidad, el bajo recorre la canción con tal potencia sonora que literalmente vibra en los altavoces. Para la mayoría de las canciones, estos dos elementos bastarían para convertirla en un clásico instantáneo, pero musicalmente Jackson aporta tantos detalles que la elevan de ser una de las mejores canciones que grabó a ser una de las mejores canciones jamás grabadas por nadie, sin duda alguna. Desde la interpretación lírica percusiva hasta las ricas armonías, pasando por los coros que contrastan y los tentadores adornos musicales, "Billie Jean" es lo más cercano a la perfección musical que jamás encontrarás. En cada frase, en cada nota, hay algo que capta la atención del oído y lo mantiene entretenido. También desarrolla un motivo lírico que se convertiría en un motivo familiar, y bastante revelador, que presenta las interacciones de Jackson con las mujeres bajo el arquetipo de la femme fatale. ¿Quién iba a imaginar que cuestionar la paternidad podría ser tan pegadizo? Pero ese es uno de los talentos líricos de Jackson: lograr que cantes una canción tan pegadiza, tanto en sus rimas como en su interpretación, que no es hasta mucho después que te detenés a investigar su significado. Junto con «Beat It» y «Wanna Be Startin’ Somethin’», «Billie Jean» muestra una creciente madurez en la composición de Jackson, tanto musical como líricamente, y evidencia cómo su voz se va consolidando en el estilo característico que lo haría famoso (y que a menudo era y es imitado). - Es fácil olvidar el poder de Thriller cuando la mayoría de sus canciones se han convertido en clásicos a lo largo del tiempo. Dicho eso, al reescuchar la inquietante, seductora e íntima "Human Nature", su belleza se revela constantemente. Con la introducción onírica de sintetizadores sutiles y una guitarra seductora, el corazón de "Human Nature" reside en el misterio de la letra y la dulce y etérea interpretación vocal de Jackson. Compuesta por Steve Porcaro, exmiembro de Toto, y el letrista John Bettis, "Human Nature" posee una cualidad melódica etérea que arropa la voz de Jackson mi

    1h 7m
  3. U2 - Days of Ash

    Mar 3

    U2 - Days of Ash

    U2 ha vuelto tras una larga pausa con un EP sorpresa de seis canciones, Days of Ash (Días de Ceniza en español), editado justamente el miércoles de ceniza del 18 de Febrero de 2026. En él, abordan temas políticos conflictivos en todo el mundo, como las redadas de ICE (El Servicio de Inmigración y Control de Aduanas de Estados Unidos), las revueltas iraníes, la guerra en Ucrania y los asentamientos israelíes en Cisjordania. “Ha sido emocionante tenernos a los cuatro juntos de nuevo en el estudio durante el último año”, declara Bono en un comunicado. “Las canciones de Days of Ash tienen un tono y una temática muy diferentes a las que incluiremos en nuestro álbum más adelante este año. Estas canciones del EP estaban impacientes por salir al mundo. Son canciones de desafío y consternación, de lamentación. Seguirán canciones de celebración; estamos trabajando en ellas ahora… porque, a pesar de todo el horror que vemos normalizado a diario en nuestras pantallas, no hay nada normal en estos tiempos de locura y exasperación, y debemos hacerles frente antes de poder volver a tener fe en el futuro.” El EP arranca con "American Obituary", dedicado a Renee Good, quien fue asesinada por agentes de ICE en Minneapolis durante una protesta. "Renee Good nació para morir libre", canta Bono. "Madre estadounidense de tres hijos/Séptimo día de enero/Una bala por cada hijo, ¿sabés?”, continúa. En una nueva entrevista con la revista de fans de U2, Propaganda —que se relanza como una revista digital única y también estará disponible en formato impreso en ciertas tiendas del hemisferio norte, claro está, Bono habla de la canción. “El ritmo de la letra es un guiño a una de mis canciones favoritas de Bob Dylan, ‘It’s Alright Ma (I’m Only Bleeding)’”, dice. “En esa canción, el niño le canta a la madre, y en la nuestra, la madre le canta a sus hijos: ‘Te amo más de lo que el odio ama a la guerra’.” - “The Tears of Things”, una joya que nos regala U2 ya en 2026, toma su título del libro de Richard Rohr de 2025, The Tears of Things: Prophetic Wisdom for an Age of Outrage (Las lágrimas de las cosas: sabiduría profética para una era de indignación). Es una conversación imaginaria entre Miguel Ángel y su estatua, David, que refleja el conflicto en curso entre Israel y Gaza. “Si ponés a un hombre en una jaula y la sacudís el tiempo suficiente”, canta Bono, “un hombre se convierte en la clase de ira que no se puede encerrar… Las lágrimas de las cosas, que el desierto se descongele”. En la entrevista de la revista Propaganda, Bono afirma que la banda se ha acercado a Richard Rohr y encuentra un profundo significado en sus escritos. “Es un místico, un pensador profundo”, afirma Bono. “[Su libro] sugiere que los más grandes profetas judíos encontraron la manera de superar su rabia y su ira ante las injusticias de su época, hasta que terminaron en lágrimas”. - La brillante “Song Of the Future” (“Canción del Futuro”) es un homenaje a la iraní Sarina Esmailzadeh, de 16 años, quien fue asesinada a golpes por las fuerzas de seguridad iraníes tras participar en el movimiento Mujeres, Vida, Libertad 2022. “Aquí, de nuevo, tenemos una clase sacerdotal de hombres cuya interpretación subjetiva del texto sagrado se convierte en un garrote para golpear en la cabeza a cualquiera que discrepe”, dice Bono. “Todos recreamos a Dios a nuestra propia imagen hasta cierto punto, pero lamentablemente, es mucho más probable que creemos un Dios de fuego y azufre que un Dios de ‘amor y misericordia’, como dijo Brian Wilson”. - “Wildpeace” es un poema del poeta israelí Yehuda Amichai leído por la artista nigeriana Adeola Fayehun, con música compuesta y arreglada por el productor Jacknife Lee. “Me cuesta escuchar la voz de [Fayehun]”, dice Bono. “Me conmueve profundamente y, de alguna manera, evoca otros conflictos en el continente africano con solo el brillo de su voz dolorosamente hermosa… Sudán, Dios muerto”. “One Life at a Time” se inspiró en el documental ganador del Óscar en 2025, No Other Land. La escribieron para el palestino Awdah Hathaleen, consultor de la película, quien fue asesinado en su aldea de Cisjordania por un colono israelí. El título de la canción proviene de una frase que Basel Adra, cineasta de No Other Land, pronunció en su funeral. “One Life at a Time es una especie de sugerencia existencial”, dice Bono. “Podemos cambiar el mundo para bien o para mal… una vida a la vez”. - Days of Ash concluye con “Yours Eternally”, que cuenta con las colaboraciones de Ed Sheeran y el cantante ucraniano Taras Topolia, a quien Edge y Bono conocieron cuando viajaron a Ucrania poco después de la invasión rusa. La letra comienza como una carta dirigida a él. “Cuando le contamos [a Ed Sheeran] sobre esta canción en forma de carta, preguntándonos si él podría ser la voz que respondiera a la carta, aceptó sin dudarlo, pero con una salvedad”, dice Bono. “[Dijo]: ‘Me encanta la canción, me encanta Ucrania. Pero preferiría no involucrarme en ninguna polémica política ahora mismo… No me vas a involucrar en política, ¿verdad?’. ‘No, claro que no, Ed’. Puede que estuviera fanfarroneando”. - Las canciones están producidas por Jacknife Lee, colaborador habitual de la banda. “¿Quién necesita escuchar un nuevo disco nuestro?”, pregunta el baterista de U2, Larry Mullen Jr., en un comunicado. Depende de si estamos haciendo música que creemos que merece ser escuchada. Creo que estas nuevas canciones están a la altura de nuestro mejor trabajo. Hablamos mucho sobre cuándo lanzar nuevas canciones. No siempre se sabe... tal como está el mundo ahora, parece el momento adecuado. Desde nuestros inicios, trabajando con Amnistía o Greenpeace, nunca hemos dudado en posicionarnos, y a veces eso puede ser un poco problemático; siempre hay alguna reacción negativa, pero es una parte importante de quiénes somos y por qué seguimos existiendo.” En mi opinión, una de las mejores cosas que tiene U2 para sus fans, y una de las que más molesta a sus detractores, es que U2 es subjetivo. U2 tiene opinión. Podemos estar de acuerdo o no, pero U2 jamás te resulta indiferente. Este es un trabajo que tiene una carga política fuerte, incluso para una de las bandas más involucradas políticamente de la historia de la música. Tanto líricamente, como musicalmente recuerdan a su trabajo en War. Desde los bajos casi disco de Adam, la guitarra punzante de Edge, algunos ritmos marciales de Larry y las letras llenas de imaginería religiosa de Bono. En todo caso, U2 volvió con una declaración de guerra. Y eso es bienvenido. Y es que, después de todo este tiempo, dos corazones siguen latiendo como uno.

    39 min
  4. Dos Canciones de Ryan Davis y Destroyer

    Jan 21

    Dos Canciones de Ryan Davis y Destroyer

    Feliz cumpleaños, Radio Belcha. Feliz cumpleaños a Rodrigo Alonso que es el creador y alma mater de esta preciosa locura. Feliz cumpleaños a todos los compañeros de Belcha, que nos enriquecen tanto con su saber como con su preciada amistad. Y, por sobre todo, feliz cumpleaños a ustedes oyentes que nos acompañan todos los días escuchando y comentando, formando una comunidad que es lo mejor y más lindo de todo esto. Como habrán notado, los distintos programadores de Belcha estamos haciendo algunos especiales para celebrar este quinto aniversario. La idea fue elegir canciones de los últimos 5 años, pero yo decidí concentrarlo aún más, por lo que escogí dos largas y meditabundas canciones del 2025. Mi primer pensamiento al escuchar "New Threats From the Soul" fue: ¿Y esto? La canción principal del segundo álbum de Ryan Davis & the Roadhouse Band es una pieza musical clásica, pero de una duración inesperada. De todas formas, olvídense de lo genial que suena esta canción por un momento. Tenemos que hablar de la escritura de Davis. Sería una tontería hacer algo más que sostener cada frase a la luz de su cercanía. Hay toda una lección que aprender aquí, ya que el compositor criado en Louisville toma el ritmo ruidoso de Jerry Jeff Walker, la devastación literaria de David Berman y el encanto excéntrico de un verso de John Prine y los mezcla encantándonos en un recitado potente y ebrio de cierta extrañeza. El diablo también está en los detalles, por supuesto, en idiomas inesperadamente entretejidos entre sí. "Yo era una flor de cactus, tenía el zumbido del Heisman", canta Davis. Es una competencia entre el hombre que es y el que era. Las cosas dulces saben amargas, pero contra viento y marea se alzan, más allá de las desviaciones. Con Catherine Irwin de Freakwater cantando en armonía, "New Threats From the Soul" es un refugio para el alma errante y golpeada. El estribillo que reza "Pensé que podría mejorar mi vida con chicle y madera a la deriva" y esos acordes de saxofón y flauta señalan la única dirección en que me gustaría ir. - Destroyer es algo especial. Mi crisis existencial inicial por la canción "Bologna” por fin se había disipado, y mientras sigo lamiéndome las heridas de "Aquaplaning Off the Edge of the World", vuelven y nos dejan "Cataract Time". En serio, ¿cómo se supone que alguien va a salir ileso cuando los primeros versos de la canción son "Estás harto de ganar partidos / Llevas demasiado tiempo en la carretera / Te has salido de la ilusión / Tomas el camino más largo a un sol poniente"? Dan Bejar canta como si te leyera tu subconsciente palabra por palabra (o quizá solo lo estoy proyectando). Una clase magistral en la creación de una especie de impresionismo indie mitad devastador, mitad hermoso, "Cataract Time" es una sorprendente obra de 8 minutos que encuentra a Bejar como un vagabundo poético completo, deambulando por un ritmo de batería espacioso y meditativo que recoge fragmentos de saxo, arpa, sintetizador y guitarra eléctrica en su camino, creando un monólogo interior musical que flota ingrávido a través del tiempo, lucha contra la ilusión desenfrenada del control y se esconde en esa devastada Tierra de Nadie entre la claridad y la confusión. Así se va terminando este pequeño especial de Punto Muerto. Déjenme agradecerles una vez más a todos los que escuchan, tanto a los que comentan como los que lo hacen en silencio. No saben, no tienen idea lo que significa para cada uno de los integrantes de Belcha que ustedes estén ahí. Sea para halagarnos, para hacernos un chiste o una crítica; que se tomen un tiempo para prestarnos sus oídos y sus conceptos, significa muchísimo para todos nosotros. Los queremos mucho.

    24 min
  5. Pink Floyd - Live at Pompeii

    12/22/2025

    Pink Floyd - Live at Pompeii

    Desde los quince años, siempre he tenido una conexión especial con Pink Floyd. Admito que en parte se debía a que intentaba ser diferente a mi familia. A mi padre nunca le gustó el rock, y yo siempre me esforzaba por hacer cosas que a él no le gustaban. Pero era más profundo que eso. Estos muchachos eran emotivos. Eran raros. Una canción empezaba de una manera y terminaba de otra muy distinta. Les gustaban las drogas raras. Las portadas de sus discos eran raras. Tenían canciones largas. Larguísimas. Sus tendencias cautivaron mi imaginación, y los escuchaba religiosamente en mi walkman fuese adonde fuese. Se convirtió en un ritual diario durante un buen tiempo. Pero nada me preparó para un VHS que me regaló un amigo cuando estaba en el liceo. No, no era The Wall. Era Live At Pompeii. A simple vista, el concepto de Live at Pompeii también es un poco extraño. El grupo dijo que estaban hartos de ver vídeos de bandas de rock tocando, con cortes mostrando las reacciones del público y luego de vuelta a la banda. La idea les parecía exagerada, y Floyd quería hacer algo diferente. Y así lo hicieron. - Pink Floyd viajó a Pompeya, Italia, un pueblo que había sido diezmado por un volcán hace un par de milenios. La gente no pudo escapar de la erupción y se conservó entre las cenizas, representando para siempre las tareas de la vida cotidiana, como monumentos grises en un museo para el futuro. La banda instaló todo su equipo en un anfiteatro para tocar solo para el equipo de grabación y el público de la película. El concierto comienza con una de las mejores y más apropiadas piezas del arsenal de la banda para este evento único: "Echoes". Una excursión de rock progresivo de 22 minutos, originalmente publicada en el álbum Meddle, que se divide en dos partes claramente diferenciadas. La primera parte termina con la "jam", donde Gilmour solea alocadamente con su guitarra sobre uno de los acompañamientos más geniales y funky de la historia de la humanidad. La segunda parte, al final de la película, retoma el sonido de las ballenas. Estas dos "partes" enmarcan todo el concierto. “Echoes: Parte 1” comienza con el familiar "ding" que llegamos a apreciar y respetar. A medida que la canción continúa, vemos la galaxia comenzando en Plutón y acercándose gradualmente a la Tierra. Desde allí, tras más imágenes espaciales, descendemos al anfiteatro donde toca Pink Floyd. Las antiguas imágenes generadas por computadora han envejecido, pero me gusta lo que Floyd intenta hacer. Mostrar reverencia por su lugar en el universo y cómo son una pequeña parte de algo mucho más grande y cósmico. Durante este tiempo, también experimentamos destellos de diferentes imágenes de Pompeya. Vemos los charcos burbujeantes de un volcán inactivo, las imágenes de los muertos, los templos y otras reliquias del pasado. Retrocedemos al anfiteatro para ver a Roger Waters y Gilmour cantando la letra, y nosotros, como público, podemos sumergirnos en la música. Sin embargo, mientras miramos, ocurre algo extraño. Retrocedemos a un estudio en blanco y negro. Vemos a Gilmour fallar en una línea, a pesar de que el audio claramente lo muestra perfectamente. En este punto, uno se da cuenta de que se trata de una versión del director, con características especiales de la grabación del álbum de estudio Meddle y del siguiente… un tal Dark Side of the Moon. Aquí es cuando la película revela el doble golpe de lo que verás. Obtendrás un catálogo de algunas canciones interesantes y menos tocadas de Pink Floyd para el "concierto", pero también podrás ver a la banda fuera del escenario, en su mejor momento, creando una de las mayores obras maestras del rock clásico. - Como se mencionó anteriormente, la obra maestra "Echoes" en dos partes cierra el concierto. Entre esto, tenemos una fantástica selección de temas, principalmente de "A Saucerful of Secrets" y "Meddle". Todas las piezas reflejan a la perfección la atmósfera melancólica y oscura de Pompeya. “Careful with That Axe, Eugene” es un tema tan emotivo que se escucha mucho mejor en película. Es una canción con la que nunca me identifiqué del todo en el disco, pero verla con Roger Waters gritando contra la lava volcánica en erupción... ¡Es sublime! “A Saucerful of Secrets” es tan caótica. Esto hace que funcione bien para ser “en vivo”. Ver a todos los músicos de la banda manipular sus instrumentos mientras el baterista Nick Mason toca un ritmo consistente y potente se convierte en un espectáculo emocionante. A medida que continúa sin parar, tenemos a Waters tocando un gong y a Gilmour sentado en el suelo, haciendo sonidos espaciales con su guitarra. Continúa ascendiendo cada vez más hacia el sinsentido hasta que finalmente estalla en un crescendo y se desvanece. Ver las pistas de estudio de la banda grabando Dark Side es fascinante. Ves a la banda resolviendo un problema, como Waters intentando descifrar el curso de "On the Run", girando las perillas de su sintetizador, probando diferentes notas, y cuando lo consigue, sentimos una auténtica catarsis. Ver a músicos talentosos resolver estos problemas es como ver a artesanos construir una casa. Su arte se basa en una experiencia e inteligencia que rara vez vemos en una película. Esta temática continúa en los otros dos temas del set: "Us and Them", donde escuchamos a Wright (tecladista) y a Waters hablar sobre cómo debería sonar la parte de piano, y en "Brain Damage", donde el sonido de la guitarra está magistralmente creado. "One of these Days" es probablemente el tema más duro que Pink Floyd ha "hecho". Es una canción potente, donde Nick Mason aporta una energía inesperada a la batería, mientras sentimos una oleada de ira subyacente explotar desde la guitarra y el bajo, solo para ser coronada por el gruñido de las palabras "Un día de estos, te voy a cortar en pedacitos". Suena como un monstruo saliendo del armario, pero de alguna manera suena más tonto y escalofriante a la vez. "Mademoiselle Nobs" es una canción única, que presenta una reinvención de la canción "Seamus" de Meddle, un blues con la voz de un perro aullando. La canción es divertida, pero cuando la vi, no pude evitar preguntarme si el perro estaría bien. No digo que Waters fuera abusivo, pero está sujetando al perro. Sin embargo, el perro se levanta después de un rato, se sacude y da brincos, así que creo que podría ser una diva. No tengo mucho que decir sobre “Set the Controls for the Heart of the Sun” excepto que es otra maravillosa pieza melancólica para el conjunto y conduce brillantemente a “Echoes Part 2” para cerrar el set. - Pompeya encaja a la perfección con la música del repertorio de Pink Floyd. Vemos escenas de la banda caminando entre la ceniza, los charcos burbujeantes y la lava en explosión. Esto se entrecruza con grandes estatuas romanas, restos humanos preservados y pinturas serias y espeluznantes. Hay una presencia fantasmal en las piezas que se reflejan en las imágenes. Al no haber público viendo en directo ni imágenes espaciales incluidas, nosotros, como público, nos sentimos pequeños. Como si estuviéramos presenciando otro tiempo, otro espacio que nunca comprenderemos del todo. Ver esto en 2025 cobra aún más significado con el paso de los años. Pienso mucho en la temática del tiempo de Dark Side of the Moon y en cómo solo tenemos una parte. Cómo las cosas se desvanecen sin que nos demos cuenta. El momento también puede ser perfecto, como el estreno de esta película justo momentos antes de que la banda lance un álbum que cambiaría la cara de la música para siempre. A través de Pompeya, nos sentimos como las personas preservadas en cenizas. Como ellos, estamos inmersos en un momento, como la banda, como el universo sigue existiendo, y podemos revivir ese momento una y otra vez a través de la magia del cine. Es una superposición temática verdaderamente hermosa. Ya sea totalmente intencional o incluso parcialmente involuntaria, funciona, y eso es mucho decir cuando hablamos de una película en vivo sin público. - Parte del encanto de esta película reside en las entrevistas entre las piezas. Ver a la banda discutiendo, bajo el efecto de las drogas, sobre si las ostras trascienden las barreras nacionales, a Nick Mason pidiendo tarta de manzana y a Gilmour diciendo que se puede "confiar en ellos" y que no consumen tantas drogas como se cree, todo ello le añade gracia y personalidad a la banda. No se han visto tantas charlas ni entrevistas con esta banda, así que ver un "día en su vida" es refrescante y agradable, la cereza del postre. Creo que el director las intercala cuando es oportuno. Y aunque el foco principal es la música, encuentro que cuando aparecen estas escenas, son divertidas y memorables. Tanto si sos un gran fan de Floyd como si nunca los escuchaste, vale la pena ver esta película. Se ha reeditado en Blu-ray y es uno de mis DVD musicales más escuchados. Y es que hay una reverencia irreprochable en la forma en que Pink Floyd toca para los fantasmas de Pompeya. Aunque no hay público en vivo, si miramos a los ojos de las estatuas, casi podemos sentir que nos escuchan. O en cualquier caso, nos vemos en el lado oscuro de la luna.

    1h 26m
  6. Soda Stereo - Sueño Stereo

    12/16/2025

    Soda Stereo - Sueño Stereo

    Tras la recepción de su anterior álbum, Dynamo, que en su momento no tuvo las críticas gloriosas a las que estaban acostumbrados (debido principalmente a su carácter experimental y a problemas con las discográficas), Soda Stereo intentó unir dos extremos de su carrera: fusionar las canciones amigablemente radiofónicas que los hicieron populares y combinarlas con el experimentalismo de su álbum anterior. El líder, Gustavo Cerati, ya había comenzado esto unos años antes en su carrera en solitario, con el lanzamiento de su gran álbum debut "Amor Amarillo". Aportó todas las ideas musicales que no pudo usar ni compartir durante su etapa en la banda, y se convirtió en uno de sus álbumes más aclamados. La banda, que en ese momento estaba casi disuelta debido a las tensiones entre sus miembros, se inspiró para hacer un último esfuerzo y grabar un álbum más tras su separación definitiva, el cual se convirtió en un álbum exitoso tanto popular como críticamente, con una gira que fue aún más lucrativa que la anterior. - Durante los 90, la música argentina (como la de la de todo el mundo) se enfrentó a un gran dilema: cómo seguir las tendencias del momento sin fracasar en la escena popular, teniendo en cuenta el auge del movimiento de rock alternativo en los EE.UU. y Europa. Soda Stereo logró hacer su versión del movimiento Madchester y el shoegaza, lo que fue una gran sorpresa para sus fans, aunque Dynamo no fue el primer intento de Gustavo de trabajar en otros géneros musicales, ya que venía del álbum colaborativo con Daniel Melero llamado "Colores Santos", que a día de hoy se ha convertido en una especie de álbum de culto. Con el tiempo, la visión de los fans de Soda Stereo se ha ido templando, pero en aquellos años era común la discusión entre los que creían que Dynamo era su mejor álbum y los que pensaban absolutamente todo lo contrario. - La promoción del álbum fue una de las jugadas más inteligentes de toda su carrera, porque pusieron en un punto de inflexión sus dos primeros éxitos: el primer sencillo, "Ella usó mi cabeza como un revólver", era más bien una canción de rock alternativo al estilo de R.E.M., mientras que el segundo, "Zoom", tenía la sensibilidad pop de sus hits de los 80, si bien sonaba como un tema de los 90. Un punto interesante de la carrera de Soda fue que, a partir de "Canción Animal", Cerati se mostró más inclinado a usar samples en su música, especialmente en sus álbumes en solitario. Sueño Stereo se convirtió en su tercer álbum en el que muchas canciones usaban samples, como "Efecto Doppler", que usaba la misma melodía y el mismo ritmo de un tema de Echo and the Bunnymen, "All My Colours". Sin embargo, con mucha inteligencia, las canciones fueron sampleadas parcialmente para crear cierta atmósfera, como "Sweet Sauhmerio" en Dynamo. Los créditos del álbum, por si quieren verlo, incluye notas a pie de página de todos los samples utilizados en las canciones. - Sueño Stereo se destaca como un álbum fundamental en la discografía de Soda Stereo, caracterizado por su innovadora mezcla de géneros. El tema de apertura, "Ella Usó Mi Cabeza Como un Revólver", introduce a los oyentes a un paisaje sonoro melancólico enriquecido por cuerdas, marcando un alejamiento de la instrumentación tradicional del rock. El uso de violas, violonchelos y violines a lo largo del álbum añade una capa de sofisticación, demostrando la disposición de la banda a experimentar con el sonido. Canciones como "Disco Eterno" y "Zoom" ejemplifican aún más las influencias del rock alternativo de la época, incluso del trip hop, fusionando melodías pegadizas con arreglos intrincados. La influencia británica también es palpable en temas como "Paseando Por Roma”(que acabamos de escuchar) y "Ojo de la Tormenta", mostrando cómo Soda Stereo se inspiró en el pop británico al tiempo que le infundía su singular estilo. Zeta Bosio, bajista de la banda, reflexionó sobre la importancia del álbum, afirmando: “Ese fue el álbum que me devolvió un poco a la vida, a la realidad”. Este sentimiento encapsula la profundidad emocional de la música, resonando no solo con las luchas personales de la banda, sino también con temas más amplios como el amor, la pérdida y la redención. En todo caso, “luz, cámara y acción”. - Como decíamos anteriormente, el álbum estuvo lleno de experimentación, desde la influencia del britpop en "Paseando por Roma" hasta la atmósfera espacial de "Efecto Doppler". Dicho eso, quizá la principal sorpresa para la mayoría de los críticos musicales y fans fue la suite progresiva al final del álbum, con cuatro canciones que dan paso a la siguiente, lo que podría deberse a la influencia de Pink Floyd que tuvieron durante la grabación del álbum. Además, una canción de esta suite se volvió sorprendentemente popular: "Planta", uno de los temas más progresivos del álbum. Cerati la siguió tocando durante su carrera en solitario en los años posteriores a la separación de Soda y sigue siendo uno de los temas más queridos entre la comunidad de fans, siendo considerada muchas veces con las típicas frases de "su mejor canción del álbum" o "su mejor canción desde hace x años". Antes que “Planta”, escucharemos el inicio de esta suite tan especial como espacial, la bellísima “Crema de Estrellas”. - Tras su lanzamiento, Sueño Stereo fue ampliamente aclamado, alcanzando rápidamente el disco de platino en Argentina en tan solo 15 días. La crítica elogió el álbum como una sofisticada culminación de la trayectoria artística de la banda. Valeria Agis, de La Nación, lo describió como "un disco glorioso", lo que refuerza su estatus como un hito en la historia del rock latino. En 2012, Sueño Stereo ocupó el cuarto lugar en la lista de los 10 mejores álbumes de rock latino de todos los tiempos de la revista Rolling Stone, un testimonio de su perdurable impacto. El álbum no solo consolidó el lugar de Soda Stereo en la historia de la música, sino que también inspiró a una generación de artistas en toda Latinoamérica, animándolos a explorar diversos estilos musicales y a romper con los límites del rock tradicional. - Treinta años después de su lanzamiento, Sueño Stereo sigue siendo un álbum emblemático que no solo definió una generación musical, sino que también transformó el panorama del rock latino. Sirvió de puente entre el rock clásico y los sonidos emergentes, allanando el camino para innumerables artistas que lo siguieron. Las intrincadas composiciones y la profundidad emocional del álbum siguen inspirando, recordándonos la poderosa conexión entre la música y la experiencia humana. A pesar del éxito del álbum, la banda decidió concluir su carrera en 1997, culminando con su legendaria gira de despedida. Las dificultades y diferencias personales eran muchas, y si bien suena a cliché, el deseo de explorar proyectos individuales (más que nada en el caso de Cerati) contribuyeron a su decisión de disolverse. Luego llegarían álbumes solistas, proyectos transitorios y una magistral reunión en el año 2007 con la gira “Me Verás Volver”. Aunque en 1997 no sabíamos eso y presenciamos con tristeza el adiós de nuestros héroes. De esta forma, no solamente finaliza este episodio, sino la temporada de Punto Muerto. Espero que la hayan disfrutado tanto como yo. Si la suerte y la vida así lo quieren, nos verán volver el año que viene. ¿Y Elvis? Elvis has left the building.

    1h 1m
  7. Travis - The Invisible Band

    12/09/2025

    Travis - The Invisible Band

    Si bien el segundo álbum de Travis, The Man Who, los puso en el mapa de la música popular, después de su entretenido debut Good Feeling en 1997, fue The Invisible Band de 2001 el que vio al cuarteto escocés pasar realmente a otra liga tanto en la composición de canciones como en éxito comercial, llegando finalmente a ser 9 veces platino, este fue uno de esos álbumes que todo el mundo parecía tener y amar, y con razón. - The Invisible Band (”La Banda Invisible” en español) se grabó en Ocean Way Recording, en Los Ángeles. Fue producido por Nigel Godrich, quien también produjo el anterior disco de Travis, The Man Who (1999), del que acabamos de escuchar ese himno melancólico titulado “Why Does It Always Rain On Me?”. Según el compositor de Travis, su líder Fran Healy, Godrich llegó a las sesiones de mal humor. Healy comentó que Godrich estaba frustrado tras las agotadoras sesiones de grabación de los álbumes de Radiohead, Kid A y Amnesiac, y que "se desquitó con nosotros porque no podía desquitarse con Radiohead". Godrich fue estricto con Travis y rechazó su trabajo inicial, lo que les pareció ciertamente desalentador. Finalmente, tras una seria y fuerte discusión, los ánimos se calmaron. Healy consideró que era positivo para Godrich trabajar con bandas "melódicas" como Travis, así como con grupos más experimentales como Radiohead. - El single principal, “Sing” (que escuchamos al principio del programa), parece encapsular a Travis hasta cierto punto, especialmente en ese momento: optimista, abierto y melódico, sin nada oculto. Aunque este álbum no se trata solo de esos momentos, y hay más que unos pocos, porque también hay una oscuridad melancólica que persiste en The Invisible Band, y eso es lo que lo hace tan notablemente compuesto. Mientras The Man Who se asentaba entre sentimientos invernales, su tercer álbum arranca con alegría antes de devolvernos la calma con “Dear Diary” (que acabamos de escuchar): un lamento de Healy por cuestionar su propio bienestar, y se percibe como una voz evocadora al estilo de Thom Yorke sobre una sencilla configuración acústica y armónica. Colocar este tema en segundo lugar es una decisión valiente, que nos mantiene en suspenso antes de que llegue el tercer tema, “Side”, que es uno de mis favoritos. Esta es la historia de una vida, el círculo de todo, el proceso de reflexión para intentar mejorar y la razón para dar un paso atrás y aceptar el presente. Es una belleza con una encantadora línea de bajo, con predominantes guitarras acústicas, que incluso te guía a través de la composición de una canción. Podés cantarla durante una tormenta y te perderías en ella. Y no se detiene ahí, porque pasamos directamente a “Pipe Dreams”, otro gran favorito con esa melodía, ese magnífico ritmo de la banda que conecta a la perfección con la voz de Fran. Otro tema en el que Godrich resalta con una producción impresionante. - “Flowers in the Window” es alegre y tan pop como se puede resistir, pero también es una canción magníficamente escrita, puro optimismo, y dedicada a Nora, la pareja de muchos años de Healy, así que se permite tal júbilo. Si bien tuvo cierto éxito, ya que alcanzó el puesto número 18 en las listas del Reino Unido como tercer sencillo, esta banda siempre se centró en el concepto álbum y en esa experiencia. Y es que funciona también, porque “The Cage” es lo opuesto a la anterior, una posible historia de una relación pasada, pero que, sin embargo, equilibra el álbum de forma impresionante. Vaya si lo hace. - Una de las mejores cosas de tener un álbum en vinilo es tener una cara favorita, y la cara B de The Invisible Band es donde encuentro mi paraíso. Al comenzar con “Safe”, esos primeros versos me vienen a la mente de forma aleatoria en varias ocasiones. Hay algo en cuanto tiempo se retiene, en la narrativa y en cómo los bucles oníricos invertidos entran y salen, atrayendo y sacando recuerdos que vienen, se van y están por venir. Luego, “Follow the Light” casi destila esos miedos y las incógnitas, con una perspectiva más madura que te dice que no te preocupes porque “nadie sabe realmente adónde se supone que debe ir”, y creo que todos vivimos eso de vez en cuando. - “Last Train” es muy autorreferencial, al estilo de “Writing to Reach You” en The Man Who. También tiene esa encantadora vibra nocturna que se percibía en 12 Memories, que era mucho más turbio que todo lo anterior y posterior. Recuerdos como de las películas de Cronenberg mientras te arrastra por sus oscuros callejones. Y luego, de esa inmersión profunda, llegamos a las tres últimas canciones, llenas de reflexión y sentimiento, que fácilmente podrían ser una gran canción y funcionarían igual de bien. Afterglow, es en palabras de Healy, ”sentirse cayendo a través del tiempo, todo el tiempo, sintiéndose bien", y ahí estoy. Esa melodía etérea con una sutil tristeza mantiene la relación con Travis, de la mejor manera. Después llegamos a Indefinitely, una canción excepcionalmente cálida, perspicaz y profundamente honesta, que junto con The Humpty Dumpty Love Song me hizo retroceder 25 años al volver a escucharlas. Lo he dicho algunas veces, pero esa inocencia natural del disco me recordó a un lugar con menos miedos y preocupaciones, y es que esto realmente no tiene edad y volverá a tocar tu fibra sensible. - El líder y compositor, Fran Healy, dijo que el título se refería al estatus de la banda de tener canciones famosas, pero no ser famosos ellos mismos. Tan así es, que en la portada de álbum, no es fácil distinguir a la banda, camuflada entre las ramas de un inmenso árbol. The Invisible Band pasó cuatro semanas en la cima de la lista de álbumes del Reino Unido, vendiendo más copias en ese tiempo que su álbum anterior, The Man Who (1999), logró en seis meses. En todo caso, esta es una colección de canciones brillantemente reflexivas, optimistas e igualmente interesantes que muestran a una banda en su mejor momento, escribiendo canciones que han perdurado sus primeros 25 años con facilidad. Esto fue The Invisible Band, de Travis, en Punto Muerto.

    59 min
  8. George Michael - Listen Without Prejudice Vol. 1

    12/02/2025

    George Michael - Listen Without Prejudice Vol. 1

    Ya fuera durante su etapa como líder y cofundador del dúo pop de los 80, Wham!, o durante su exitosa carrera en solitario, Michael trascendió los géneros musicales y, sinceramente, siempre estuvo a la altura. A finales de octubre de 1987, apenas un año después de que Michael decidiera dejar Wham! y todo su éxito mundial, el álbum debut del cantante, Faith, se lanzó al mundo. Demostrando que no era un artista de moda que dependiera del éxito del dúo, Michael escribió y compuso todos los temas de Faith, demostrando que era mucho más que el simple símbolo sexual en el que se había convertido. Faith terminó pasando doce semanas en el número 1 y vendió la impresionante cifra de veinticinco millones de copias en todo el mundo. Cualquier atadura que Michael necesitara para librarse de su "grupo adolescente" se había derrumbado por completo y la nueva encarnación en solitario con la que había soñado desde la infancia finalmente había llegado. - Tras el éxito rotundo del álbum Faith de 1987, las expectativas para su siguiente álbum también eran altas. Michael quería que se le tomara más en serio como compositor, lo que resultó en una grabación más reflexiva y, a menudo, melancólica. Al igual que Faith, cada tema fue producido y arreglado por el propio Michael. Las sesiones de grabación comenzaron en julio de 1989 en casa del productor Chris Porter, cerca de Guildford, antes de trasladarse a los estudios Metropolis en Chiswick, Londres. Según Tony Parsons, Listen Without Prejudice (Escuchar Sin Prejuicios, en español) se concibió originalmente como un álbum doble, con "alrededor de dieciséis temas originales potentes" escritos por Michael. A finales de septiembre de 1989, estos planes se descartaron en favor de dos álbumes separados, ambos programados para su lanzamiento en 1990. - Al darse cuenta de que el mundo ahora veía a Michael como un artista pop serio que no solo cantaba, sino que también escribía, se propuso ser tomado aún más en serio como compositor. Con un enfoque más profundo e introspectivo, Michael creó el increíblemente crudo y sincero Listen Without Prejudice Vol. 1, lanzado a principios de septiembre de 1990. Aunque solo transcurrieron tres años entre su álbum debut y su segundo, la diferencia entre ambos fue innegable en prácticamente todos los aspectos, incluyendo la posterior recepción del álbum en Estados Unidos. Es inevitable preguntarse por qué este álbum tuvo un mal desempeño en Estados Unidos en comparación con su predecesor, pero en muchos sentidos, 1990 no solo marcó el comienzo de una nueva década, sino el nacimiento de una nueva era en la que la música y los problemas sociales no solo se entrelazaron, también parecieron estar en el centro de muchas conversaciones. Michael puso muchas de estas conversaciones en el centro de su música, como nunca antes, de forma más evidente en el sencillo principal del álbum, “Praying For Time”. La canción, claramente influenciada por Elton John, examina las numerosas injusticias sociales que sufren tantas personas, interroga al oyente sobre el condicionamiento que la sociedad ha creado y por qué puede ser tan difícil ser amables con los demás. Atemporal y aún relevante en estos tiempos. - Un problema social que azotaba al mundo y representaba una conversación incómoda para muchos a principios de la década era la pandemia del VIH/SIDA. Una pandemia completamente diferente a la que enfrentamos recientemente y que, por alguna razón, se asocio con la comunidad gay. También llamada la "enfermedad gay" o el “cáncer gay” en algún momento, esta asociación generó miedo en toda la comunidad gay de todos los rincones del mundo. Michael llegó a decir más adelante en su carrera que él también había sentido el miedo que tantos en la comunidad sentían en ese momento, algo que no podía verbalizar debido a que aún estaba en el closet. No sería hasta la propia batalla de su pareja contra el SIDA unos años después, que Michael volvería a enfrentarse a este miedo de frente. El tono sombrío general de este álbum está en línea con lo que la comunidad enfrentaba en ese momento, intencionalmente o no. - Con tantos acontecimientos en su vida en aquel entonces (principalmente su fama mundial y la privacidad de su sexualidad), Michael se encontraba bajo una enorme presión para interpretar el papel ante millones de fans de todo el mundo. El tercer sencillo del álbum, "Freedom! '90", capitalizó esta base de fans, así como el nacimiento de la Supermodelo, la versión de los noventa de una estrella de cine, pero en las pasarelas y la publicidad. Inspirado por un retrato de Peter Lindbergh de las modelos Naomi Campbell, Linda Evangelista, Tatjana Patitz, Christy Turlington y Cindy Crawford, Michael consiguió que las cinco supermodelos hicieran playback, lo que le permitió, una vez más, estar ausente del vídeo, un tema recurrente en todos los vídeos que acompañaron a Listen Without Prejudice. Hasta el día de hoy, Linda Evangelista cita este vídeo como una de las principales preguntas de sus fans al conocerla. - El segundo sencillo (el tercero en EE. UU.), “Waiting for That Day” (que escuchamos como primera canción del programa), se publicó más de un mes después del lanzamiento del álbum. Gracias a una letra prestada del clásico de los Rolling Stones “You Can't Always Get What You Want”, Mick Jagger y Keith Richards figuraron como coautores. Alcanzó el número 23 en el Reino Unido y, tras su lanzamiento en la primavera de 1991, el número 27 en EE. UU. Con un total de seis sencillos del álbum (dependiendo de los matices regionales), quedó clarísimo que este álbum trataba sobre escapar de una realidad creada tanto por el propio cantante como por quienes lo rodeaban, cuyos intereses personales se centraban más en el aspecto económico que en el creativo. Ya sea la emotiva versión de "They Won't Go When I Go" de Stevie Wonder o el triángulo amoroso no correspondido de "Cowboys and Angels", Listen Without Prejudice desafía y cuestiona el lugar de Michael en el mundo. La crudeza de un hombre que no teme explorarse, autocriticarse y permitirse la confusión ante todas estas paradojas revela su verdadera inteligencia y generosidad en la efusión emocional de su música. - El álbum vendió aproximadamente ocho millones de copias en todo el mundo, entró en el Billboard 200 en el puesto número 22 y alcanzó el número dos. El álbum pasó el resto de 1990 entre los diez primeros, con un total de 42 semanas en toda la lista. En el Reino Unido, el álbum fue un gran éxito, eclipsando las ventas de Faith. Listen Without Prejudice debutó en la lista de álbumes del Reino Unido en el número uno y se mantuvo en el número dos durante las dos semanas siguientes. Pasó 34 semanas consecutivas entre los 20 primeros y saltó del número 13 al número tres en su semana 24, completando un total de 88 semanas en la lista y siendo certificado cuádruple platino por la Industria Fonográfica Británica el 2 de enero de 1992. A continuación, escuchamos mi favorita del álbum; la jazzística, elegante y sugestiva “Cowboys And Angels”. - Un hombre que sufrió los peligros de la fama demostró al mundo que estar en la cima, signifique lo que signifique, no era todo lo bueno que se decía. Listen Without Prejudice Vol. 1 fue, y sigue siendo, una evaluación honesta de las desventajas inherentes a la fama, y ​​la tristeza y el aislamiento que puede generar. Treinta y cinco años después, y con tanta gente buscando atención a través de las redes sociales, este álbum podría ser justo lo que necesitaban quienes anhelan la validación del "amigo" invisible. El supuesto álbum siguiente, Listen Without Prejudice Vol. 2, el segundo álbum (presumiblemente programado para junio de 1991) fue cancelado por razones que solo George Michael y su discográfica conocen. Tres de los temas previstos para ese álbum aparecen en el recopilatorio benéfico de 1992, Red Hot + Dance, mientras que un cuarto (“Crazy Man Dance”) apareció en la cara B del primer sencillo de dicho recopilatorio, “Too Funky”. En todo caso, Listen Without Prejudice Vol. 1 sigue siendo igual de hermoso y significativo tres décadas y media después. Control creativo y una producción de alta calidad eran lo que Michael buscaba con este álbum, y lo logró. Indispensable y, en muchos sentidos, una obra de arte impecable, este álbum ha resistido y seguirá resistiendo la prueba del tiempo.

    59 min
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