PuroJazz

Roberto Barahona
  • 5.0 (3)
  • MUSIC COMMENTARY
  • UPDATED DAILY

¡Bienvenidos a Puro Jazz! Podcast del programa PuroJazz que dirige y presenta Roberto Barahona para Radio Beethoven de Santiago de Chile El programa Puro Jazz se ha trasladado a Substack.com, una plataforma que nos permitirá ofrecer una experiencia más completa e interactiva. El acceso sigue siendo el mismo: puedes ingresar como siempre a través de purojazz.com, donde encontrarás los nuevos contenidos y enlaces actualizados. En Substack contaremos con herramientas mejoradas para comunicación, suscripción y contacto, lo que facilitará aún más el acceso a las transmisiones, lecturas y novedades de Puro Jazz. Para quienes nos seguían en Facebook o Instagram, esta nueva plataforma permitirá continuar ese valioso intercambio de ideas, experiencias e incluso imágenes en un solo lugar. Y para los que simplemente disfrutan de la música, pueden estar tranquilos: nada cambiará. La esencia y el espíritu de Puro Jazz seguirán siendo los mismos. rbarahona.substack.com

  1. 12H AGO

    Puro Jazz 10 de marzo, 2026

    La Hot Record Society, comúnmente abreviado como H.R.S., fue una sociedad y sello discográfico de jazz fundados en 1937 por Steve Smith en Nueva York. Su propósito inicial no era tanto comercial como cultural: re-editar grabaciones de jazz “hot” (es decir, jazz tradicional y de Nueva Orleans) que ya estaban fuera de catálogo y promover el interés por ese estilo musical clásico. Aunque Steve Smith, fundador de HRS, seguramente tuvo algo que decir al elegir la banda, fue Pee Wee quien dirige: él eligió los temas, definió las rutinas y los tempos. El grupo era todo un cruce de mundos: Dicky Wells y Freddie Green venían de la banda de Count Basie; Max Kaminsky, amigo de Pee Wee, bajó desde su Boston natal; James P. Johnson, el decano del piano stride de Harlem, que llevaba casi tres años fuera de los estudios; y el gran baterista Zutty Singleton, colaborador habitual de la banda de Eddie Condon. La primera sesión de HRS fue nada menos que el debut de Pee Wee Russell como líder en disco. ¡Gracias por leer “Roberto Barahona · Puro Jazz”! - Para recibir nuevas publicaciones y acompañar este proyecto, te invito a suscribirte gratis. PEE WEE RUSSELL PEE WEE RUSSELL’S RHYTHMAKERS - New York, August 31, 1938 - Baby, won’t you please come home ?, Baby, won’t you please come home ?, There’ll be some changes made, I’ve found a new baby, Everybody loves my baby (1) - Max Kaminsky (tp) Dicky Wells (tb) Pee Wee Russell (cl) Al Gold (ts) James P. Johnson (p) Freddie Green (g) Wellman Braud (b) Zutty Singleton (d,vcl) El crítico de jazz Dick Rieber contó que hicieron unas ocho tomas hasta lograr una aceptable de Baby, Won’t You Please Come Home, pero las dos que se publicaron quedaron muy bien. There’ll Be Some Changes Made, un clásico de Chicago, también sobrevivió en dos tomas: los tempos son iguales, pero en la primera Kaminsky hace un solo tras el ensemble inicial, mientras que en la segunda es Johnson quien brilla en ese momento – ¡y lo hace fenomenal! El solo de tom-tom de Zutty, impresionante en ambas tomas, va seguido de dos coros calientes del conjunto, otra vez al más puro estilo de Chicago. MUGGSY SPANIER / SIDNEY BECHET BIG FOUR - New York, March 28, 1940 - Four or five times, Sweet Lorraine, Lazy river, China boy - Muggsy Spanier (cnt) Sidney Bechet (cl,sop) Carmen Mastren (g) Wellman Braud (b) Con el cuarteto The Sidney Bechet Buggsy Spanier Big Four, HRS se metió de lleno en la historia del jazz. Stephen Smith estaba tan impresionado con los discos sin batería ni piano que Rex Stewart, Barney Bigard, Django Reinhardt y Billy Taylor habían hecho en París en 1939 que decidió intentar algo parecido con Bechet, pero “con un sabor más antiguo y tradicional”. Le pidió al guitarrista Carmen Mastren que preparara los arreglos, Wellman Braud es el contrabajista. Mastren contó que antes de las sesiones apenas había hablado con Bechet o Spanier, y ni siquiera conocía a Braud, así que estaba un poco nervioso por lo que pasaría en el estudio. “Bechet y Braud llegaron y se sentaron frente a frente. Muggsy llegó y se sentó. Uno, dos, tres, cuatro… ¡y pum! La música explotó a mi alrededor”. Bechet solía ser muy competitivo con los trompetistas, pero con Spanier era distinto. La manera firme y sencilla de tocar del cornetista y su entrega sincera hicieron que Bechet se sintiera seguro y a gusto, y juntos crearon algo mágico. HARRY CARNEY HARRY CARNEY’S BIG EIGHT - New York, March 18, 1946 - Minor mirage, Jamaica rumble , Shadowy sands, Candy cane - Joe Thomas (tp) Lawrence Brown (tb) Otto Hardwick (as) Ted Nash (ts) Harry Carney (bar) Jimmy Jones (p) Billy Taylor, Sr. (b) Jimmy Crawford (d) Esta fue la primera sesión como líder de Carney, el histórico barítono de Ellington. Minor Mirage deja escuchar al distintivo sonido de alto de Otto Hardwick, fundamental en las secciones de reed de los años 30 y 40. En Jamaica Rumble, los cinco metales se mezclan con calidez, mientras el pianista Jimmy Jones ofrece un solo lineal poco habitual; también se destacan solos de Ted Nash, Lawrence Brown y el propio Carney. Candy Cane combina una introducción a capella con un tema atractivo, y aunque Jones tiene un breve espacio, la sesión es sobre todo un despliegue del liderazgo y virtuosismo de Carney. Estas grabaciones HRS forman parte del pequeño pero potente legado de grupos reducidos de Ellington. BILLY KYLE BIG EIGHT - NYC September 11, 1946) - H.R.S. Bounce, Ooh, baby, you knock me out, Date for eight, Contemporary blues - Dick Vance (tp) Trummy Young (tb,vcl) Buster Bailey (cl) Lem Davis (as) John Hardee (ts) Billy Kyle (p) John Simmons (b) Buddy Rich (d)) La primera sesión de Kyle como líder para HRS reúne a figuras destacadas: el trompetista Dick Vance, el tenor texano John Hardee, el auto-didacta John Simmons y Buddy Rich en batería. En H.R.’s Bounce, de tempo medio, los ensambles son precisos y cada músico tiene su momento: el oen rden de solos son alto Lem Davis, trombón de Trummy Young, clarinete Buster Bailey, Hardee tenor, el Kyle en piano, Vance con sordina, y un sutil solo final de Buddy Rich. La sesión captura la energía de un grupo pequeño liderado por un pianista con gran sentido de swing y control del ensemble. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

    59 min

  2. 1D AGO

    Puro Jazz 09 de marzo, 2026

    SONNY ROLLINS: Esta noche en PJ presentaremos el segundo programa dedicado a la carrera del influyente saxo tenor y compositor Sonny Rollins. Este programa recorre un momento decisivo en la historia de Rollins quien pasó de ser una joven promesa del saxofonista a convertirse en una voz central e ineludible del instrumento. - “MOVIN’ OUT” - Hackensack, NJ, August 18, 1954- Swingin’ For Bumsy - Kenny Dorham (tp) Sonny Rollins (ts) Elmo Hope (p) Percy Heath (b) Art Blakey (d) En agosto de 1954, Rollins ingresó al estudio de Rudy Van Gelder registró su álbum Moving Out para el sello Prestige, era su primera sesión como líder en casi un año y uno de sus primeros LPs de doce pulgadas. Para la ocasión reunió a un gran grupo: Elmo Hope en piano, Percy Heath en contrabajo, Art Blakey en batería y su gran amigo, el trompetista Kenny Dorham. Dorham tocaba con un fraseo muy cercano al del saxo tenor —instrumento que también había tocado—, lo que le dió al quinteto una sonoridad muy particular. La idea en el estudio era capturar la energía de un club. Ese día registraron cuatro composiciones originales de Rollins que, aunque basadas en progresiones de acordes conocidas, no todos los músicos las dominaban, pero eso no impidió que la sesión fluyera. El sonido de Sonny ya mostraba mayor madurez. Para el crítico Ira Gitler, que escribió las notas del disco, el álbum confirmaba la promesa que Rollins había mostrado desde joven. Sin embargo Nat Hentoff, crítico de la revista Down Beat, elogió al grupo y la calidad de la grabación de Van Gelder, aunque fue más duro con Sonny, a quien calificó como “falto de imaginación, aunque rítmicamente poderoso”. ¡Gracias por leer “Roberto Barahona · Puro Jazz”! - Para recibir nuevas publicaciones y acompañar este proyecto, te invito a suscribirte gratis. - PLUS 4 - Hackensack, NJ, March 22, 1956 - Valse Hot - Clifford Brown (tp) Sonny Rollins (ts) Richie Powell (p) George Morrow (b) Max Roach (d) En marzo de 1956, Rollins grabó Sonny Rollins Plus Four, aunque él es el líder nominal, se trata del quinteto del Quinteto de Clifford Brown y Max Roach. Sonny eligió tres estándares y dos composiciones propias. Lo más llamativo del disco fueron, sin duda, los temas originales. “Valse Hot”, que hoy es un clásico, fue un experimento en compás de 3/4. Cuando Sonny escuchó el “Jitterbug Waltz” de Fats Waller, la composición que le aclaró que además del 4/4 normalmente usado em el jazz, había otros metros posibles que todavía no se habían explorado a fondo. En “Valse Hot” los acentos caen en lugares inesperados, y lograr que el swing suene ligero y natural no era fácil. Max, que nunca antes había tocado un vals de jazz le confesó a Rollins que se quedó en el sótano de su casa practicando toda la noche. El otro original fue “Pent-Up House”, que ahora también es estándar. En las notas del álbum escritas por Ira Gitler, proclama a Sonny como un referente clave del tenor moderno cuya influencia sobre varios saxofonistas contemporáneos era obvia. Con este álbum, las dudas que Nat Hentoff había manifestado antes sobre Sonny desaparecieron. Le otorgó al disco cuatro estrellas y media en Down Beat: era la mejor reseña que Rollins había recibido hasta ese momento. - “TENOR MADNESS” - Hackensack, NJ, May 24, 1956 - Tenor Madness - Sonny Rollins (ts) John Coltrane (ts-1) Red Garland (p) Paul Chambers (b) Philly Joe Jones (d) Para las sesiones del 24 de mayo de 1956, Sonny contrató la sección de ritmo del Primer Gran Quinteto de Miles Davis: Paul Chambers, Philly Joe Jones y Red Garland. También trajeron a John Coltrane, que no fue contratado para la sesión, pero vino a mostrar su apoyo a Sonny. Resultó ser una de las sesiones más importantes de su carrera: Tenor Madness. Sonny eligió estándares poco transitados: “When Your Lover Has Gone”, “My Reverie” y “The Most Beautiful Girl in the World”. Sumó además un original, “Paul’s Pal”, dedicado a Chambers. Durante la sesión Rollins grabó algunas de sus interpretaciones más líricas y sofisticadas, usando un vibrato muy expresivo pero no estaba conforme. Después de cada toma negaba con la cabeza: “No está pasando nada”. Pero algo sí pasó. Alguien sugirió que Sonny invitara a Coltrane a tocar en una pista. Coltrane, que se había quedado dormido en el auto, afortunadamente, tenía su saxofón. Se decidieron por un blues de doce compases bien conocido en el medio en ese época. Kenny Clarke, que lo había compuesto, lo grabó en 1946 como “Rue Chaptal” y alternativamente como “Royal Roost”. Hank Mobley lo había grabado como “Sportin’ Crowd” con Jazz Messengers de Art Blakey y Sonny junto a Trane lo bautizaron como “Tenor Madness”, que se convertiría en la versión definitiva de la canción. - “SAXOPHONE COLOSSUS” - Hackensack, NJ, June 22, 1956 - Blue 7, St. Thomas - Sonny Rollins (ts) Tommy Flanagan (p) Doug Watkins (b) Max Roach (d) Para Saxophone Colossus, grabado en 1956, Sonny Rollins reunió un cuarteto que no solo confirmó el altísimo nivel que ya venía mostrando, sino que lo proyectó aún más lejos. La reseña de Gunther Schuller, que popularizó la idea de la “improvisación temática” asociada a Rollins, terminó de instalar el disco como un clásico indiscutido. A partir de entonces, Sonny empezó a ser considerado el tenor más influyente desde Coleman Hawkins y Lester Young. En una escena dominada por herederos del lirismo de Lester Young, a Rollins se lo describía a veces como áspero o incluso iracundo. Sin embargo, su música transmite más bien amplitud, humor e inteligencia estructural. Hay ingenio en su forma de elegir repertorio y, sobre todo, en cómo organiza sus improvisaciones. Su sonido es firme y elegante, con una autoridad que nunca se vuelve rígida: siempre está en transformación. Las cinco piezas del álbum son sólidas, pero dos momentos resultan especialmente reveladores. En “Blue 7”, Rollins construye su solo a partir de motivos breves de blues menor que desarrolla con paciencia y lógica interna, articulando el trabajo del cuarteto con claridad casi arquitectónica. En “St. Thomas”, parte de una sencilla figura de dos notas que va variando sutilmente. Max Roach responde con un solo igualmente temático —algo inusual en la batería de la época— y sostiene el pulso con imaginación junto al piano de Tommy Flanagan. Cuando Rollins regresa, ya en tiempo de jazz, retoma ideas previas y cierra su improvisación con naturalidad, como si todo hubiera estado previsto desde el comienzo. - “WAY OUT WEST” - Los Angeles, March 7, 1957 I’m an Old Cowhand Sonny Rollins (ts) Ray Brown (b) Shelly Manne (d) En 1957 Sonny Rollins estaba en la cima de su carrera. Venía de grabar Saxophone Colossus y su sonido ya era una referencia del saxo tenor moderno. Rollins se encontraba en Los Ángeles -costa oeste de Estados Unidos cuando decidió entrar al estudio de Contemporary Records junto a dos músicos extraordinarios: Ray Brown en contrabajo y Shelly Manne en batería. El detalle clave es que no hay piano. La ausencia de piano no fue una decisión económica, sino estética. Rollins quería libertad. Sin un instrumento armónico que fijara los acordes, el saxo quedaba expuesto, obligado a sugerir las armonías desde el propio fraseo. Lejos de sonar frágil, el resultado fue abierto y ágil. La música respira. Hay espacio, riesgo y una sensación constante de movimiento. El repertorio se basa en el imaginario Lejano Oeste con canciones como “I’m an Old Cowhand” soy un viejo vaquero y “Wagon Wheels” ruedas de carreta, además de la célebre carátula con Rollins vestido de vaquero en el desierto californiano. Pero el guiño es más que decorativo. En “Old Cowhand”, por ejemplo, Rollins convierte un tema casi humorístico en un ejercicio de improvisación temática: toma pequeñas melodías, las transforma, las desplaza rítmicamente y las reorganiza con lógica interna. Construye, más que simplemente encadenar frases. Way Out West consolidó el formato de trío sin piano para el tenor. Parece ligero, incluso juguetón, pero su arquitectura es seria y audaz. Es una exploración que ampliaría el camino del jazz moderno. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

    58 min

  3. 4D AGO

    Puro Jazz 06 de marzo, 2026

    ARCHIE SHEPP “THE WAY AHEAD” - New York, January 29, 1968 - Damn if I know [The stroller] - Jimmy Owens (tp,flhrn) Grachan Moncur, III (tb) Archie Shepp (ts) Walter Davis, Jr. (p) Ron Carter (b) Beaver Harris (d) - Sophisticated lady Archie Shepp (ts) Ron Carter (b) Roy Haynes (d) El álbum “The Way Ahead” marcó un giro importante para Archie Shepp. Grabado en 1969, el saxofonista buscaba una formación que equilibrara tradición y vanguardia, inicialmente sin piano —quizás influido por su experiencia junto a Cecil Taylor. El álbum reunió a Ron Carter (contrabajo), Grachan Moncur III (trombón), Jimmy Owens (trompeta), Beaver Harris o Roy Haynes (batería) y Walter Davis Jr. (piano). El repertorio combina blues profundo, góspel y swing callejero con una energía moderna. Desde “Damn If I Know (The Stroller)”, con ecos de Duke Ellington y Ben Webster, el grupo explora un territorio que también dialoga con el espíritu de Charles Mingus. El solo de Shepp es áspero y expresivo, sostenido por una base flexible. En “Sophisticated Lady” y “Fiesta”, con Haynes en batería, aportan un swing elegante y una profundidad emocional inesperada. El resultado es un disco que mira hacia adelante sin perder sus raíces. CRAIG TABORN, TOMEKA REID Y CHES SMITH “DREAM ARCHIVES” - New Haven, CT, January, 2024 - Coordinates for the absent, When Kabuya dances, Mumbo jumbo Craig Taborn (p,keyboards,electronics) Tomeka Reid (cello) Ches Smith (d,perc,vib,electronics) El álbum Dream Archives reúne a Craig Taborn (piano), Tomeka Reid (cello) y Ches Smith (batería, vibráfono y percusión). Aunque es su primer disco como trío, suena como el trabajo de un grupo con años de confianza compartida. El repertorio incluye cuatro composiciones de Taborn y dos versiones muy bien elegidas: “When Kabuya Dances”, de Geri Allen, y “Mumbo Jumbo”, de Paul Motian. Desde el inicio, con “Coordinates for the Absent”, Taborn explora los registros más agudos y graves del piano en un diálogo de gran sensibilidad, con ecos impresionistas que recuerdan a Debussy, pero siempre buscando nuevos caminos rítmicos y armónicos. A lo largo del álbum, el trío transita por distintos climas y paisajes sonoros con naturalidad. Hay libertad, riesgo y escucha atenta, pero también una clara sensación de unidad. Nada suena forzado: la música fluye con coherencia, curiosidad y una conexión profunda entre los tres músicos. ROSWELL RUDD & DUCK BAKER “LIVE” - New York, January 5, 2002 & Albuquerque, NM, March 28, 2004 - The happenings, A bouquet for JJ, Well, you needn’t, Bemsha swing - Roswell Rudd (tb) Duck Baker (g) El trombonista y etnomusicólogo Roswell Rudd, se une al guitarrista fingerstyle Duck Baker, en Live un album registrado en vivo en 2002 en Tonic el extinto club de Nueva York) y en 2004 en The Outpost (Albuquerque), ambas actuaciones muestran una química poco común. (“Fingerstyle” el guitarrista usa el pulgar para tocar las cuerdas graves y los otros dedos para tocar melodía, acordes y armonías en las cuerdas agudas). La combinación de trombón jazzístico y guitarra folk crea un formato inusual, que exige gran cuidado en timbre y dinámica. Rudd frasea como si hablara: incluso en los pasajes más libres mantiene un aire narrativo, lleno de carácter. Baker aporta ritmo flexible, toque preciso e imaginación, dialogando con respeto por la amplia trayectoria de Rudd —del trad al free—, pero como un igual. Juntos reinventan temas de Jelly Roll Morton, Thelonious Monk y Herbie Nichols, y juegan con citas y asociaciones libres, rozando a veces la desarmonía deliberada. El resultado es un experimento lúdico y radical, tan histórico como arriesgado. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

    58 min

  4. 5D AGO

    Puro Jazz 05 de marzo, 2026

    HANK MOBLEY “HANK” - Hackensack, N.J., April 21, 1957 - Time After Time, Dance Of The Infidels - Donald Byrd (tp) John Jenkins (as) Hank Mobley (ts) Bobby Timmons (p) Wilbur Ware (b) Philly Joe Jones (d) La música del saxofonista tenor Hank Mobley, es una parte esencial del legado del sello Blue Note Records. Dueño de un sonido lírico y reconocible, de ideas armónicas y rítmicas sofisticadas y de una escritura melódicamente rica, Mobley fue una presencia constante tanto en sus propias sesiones como en las de otros músicos. Sin embargo, a pesar de esa actividad frecuente, nunca logró consolidar un grupo estable y duradero bajo su propio nombre. Hizo su primera grabación para el sello en 1954 como miembro de The Jazz Messengers, bajo el liderazgo del pianista Horace Silver. Poco después comenzó a encabezar sus propias grabaciones, iniciando un período especialmente fructífero con el disco Hank, su debut como líder para el sello en el que contó con el trompetista Donald Byrd, el saxofonista alto John Jenkins, el pianista Bobby Timmons, el contrabajista Wilbur Ware y el baterista Philly Joe Jones. ¡Gracias por leer “Roberto Barahona · Puro Jazz”! - Para recibir nuevas publicaciones y acompañar este proyecto, te invito a suscribirte gratis. MANUEL GREENE “NIÑO” - Estudio Palo Quemado, Santiago, 2024 - Vitral, Navegante, Toñi Willy - Roberto Boksamy (sa) Joaquín Fuentes (p) Juan Ríos (b) Ignacio Barrientos Guitarra (1) Manuel Greene (dr/comp.) En diciembre de 2025, el baterista y compositor chileno Manuel Greene publicó Niño, su primer disco como líder, grabado poco más de un año antes en el estudio Palo Quemado en Santiago. El álbum condensa un proceso de aprendizaje y búsqueda personal que el propio Greene ha descrito como un enamoramiento profundo de la música. Desde la batería —y también con sus composiciones— Greene construye un paisaje sonoro abierto, lleno de matices y espacios, donde la imaginación tiene un rol protagónico. La música invita a flotar, a dejarse llevar por climas y colores que muchas veces dicen más que las palabras. El cuarteto lo completan Roberto Boksamy en saxo alto, Joaquín Fuentes en piano y Juan Ríos en contrabajo, con el guitarrista Ignacio Barrientos como invitado en una de las piezas. La interacción es orgánica y atenta, más centrada en la escucha y el diálogo que en el virtuosismo exhibicionista. Niño marca así un comienzo firme, sensible y coherente en la trayectoria de Greene. DAVE PIETRO “THE BUTTERFLY EFFECT” - New York ?, c. 2025 - Svengali, The butterfly effect - Scott Wendholt (tp) Dave Pietro (as) Gary Versace (p) Jay Anderson (b) Adam Cruz (d)4 Dave Pietro forma parte de la escena jazzística de Nueva York desde 1987. Saxofonista, compositor y profesor, se ha consolidado como un músico versátil y muy solicitado, con un sonido sólido y flexible. Comenzó su carrera en las big bands de Toshiko Akiyoshi, Woody Herman, Lionel Hampton, Maynard Ferguson y Maria Schneider, además de integrar la Village Vanguard Jazz Orchestra. Interesado en ampliar su horizonte musical, Pietro ha estudiado música clásica de la India y se ha presentado en proyectos liderados por el tablista Sandip Burman. Como líder ha publicado diez discos; el más reciente es The Butterfly Effect, un álbum que lo muestra en un momento de plena madurez artística y que incluye, entre otros, al trompetista Scott Wendholt. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

    59 min

  5. 6D AGO

    Puro Jazz 04 de febrero, 2026

    TIM HAGANS “THE MOON IS WAITING” - Maggies Farm, Pipersville, PA, March 3 & 4, 2011 - Ornette’s waking dream of a woman, The moon is waiting, First jazz - Tim Hagans (tp,flhrn) Vic Juris (g) Rufus Reid (b) Jukkis Uotila (d) En su álbum The Moon Is Waiting, el trompetista Tim Hagans se rodea de un grupo muy compenetrado: el guitarrista Vic Juris, el contrabajista Rufus Reid y el baterista —y también pianista— Jukkis Uotila. En las notas del disco, Hagans explica que le gusta tocar con cierta sensación de riesgo, evitando la comodidad excesiva. Esa idea se siente a lo largo de todo el álbum. El tema que da título al disco parte con frases largas y un acompañamiento flexible, y poco a poco se vuelve más intenso, con intervenciones filosas y muy expresivas de la trompeta. “Ornette’s Waking Dream of a Woman”, compuesta para una compañía de danza, mezcla libertad, funk, rock y postbop en un desarrollo enérgico. “First Jazz” se mueve en clave postbop, con solos firmes y directos. “Boo” comienza con un solo blusero de Juris y luego toma un giro más eléctrico, evocando por momentos el clima de B*****s Brew. En cambio, “What I’ll Tell Her Tonight” ofrece un respiro: una balada de aire nostálgico, marcada por la entrada tardía de la trompeta con sordina. Aunque hay tensión y sorpresa, nada suena desordenado. Hay libertad, sí, pero también una estructura clara que sostiene todo el recorrido. ¡Gracias por leer “Roberto Barahona · Puro Jazz”! - Para recibir nuevas publicaciones y acompañar este proyecto, te invito a suscribirte gratis. MELISSA ALDANA “FILIN” - New York 2025 - La Sentencia, No Te Empeñes Más (1), Imágenes, Little Church, Ocaso- Melissa Aldana (st) Gonzalo Rubalcaba (p) Peter Washington (b) Kush Abadey (dr) Cécile McLorin Salvant (voz-1) En Filin, la saxofonista tenor Melissa Aldana cumple un deseo largamente postergado: grabar un disco de baladas. Publicado por Blue Note Records, el álbum toma como referencia clásicos como Ballads de John Coltrane y el clima introspectivo de Kind of Blue, pero encuentra su identidad en el repertorio del filin cubano —esa corriente nacida en los años 40 que unió bolero, trova y sensibilidad jazzística. La idea surgió a partir del diálogo con el pianista Gonzalo Rubalcaba, quien no solo aporta arreglos y un acompañamiento lleno de matices, sino también un conocimiento profundo de este repertorio. Junto a ellos, el contrabajista Peter Washington y el baterista Kush Abadey sostienen un pulso firme y flexible. Como invitada especial, Cécile McLorin Salvant canta en dos piezas. El resultado es íntimo y contenido. Aldana prioriza la melodía, el espacio y el color del sonido por sobre el despliegue técnico. Más que un simple disco romántico, Filin transmite la memoria emocional del amor: una sensación que ya pasó, pero que sigue vibrando en el aire. BENNIE GREEN “BACK ON THE SCENE” - Hackensack, N.J., March 23, 1958 - I love you, Melba’s mood - Bennie Green (tb) Charlie Rouse (ts) Joe Knight (p) George Tucker (b) Louis Hayes (d) En Back on the Scene, el trombonista Bennie Green muestra una de sus facetas más variadas sin perder el sello que lo caracteriza: un sonido cálido, flexible con un profundo swing. Desde el inicio sorprende con un aire latino en “I Love You” (de Cole Porter) y “Melba’s Mood”, donde el ritmo contagioso le da un nuevo color a su fraseo siempre ligado al bop y al jump blues. La balada “You’re Mine You” deja ver su lado más sensible, mientras que el estándar “Just Friends” reafirma su conexión con la tradición del big band y el lenguaje bop, aquí reforzada por los sólidos solos del tenorista Charlie Rouse. Completan la sección rítmica el contrabajista George Tucker y el baterista Louis Hayes. El disco mantiene una atmósfera alegre y optimista, muy en la línea de sus grabaciones para Prestige: jazz directo, vital y sin complicaciones innecesarias. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

    58 min

  6. MAR 4

    Puro Jazz 03 de febrero, 2026

    DIZZY GILLESPIE - New York, May 25, 1954 - Sugar hips - Dizzy Gillespie (tp,vcl) Hank Mobley (ts) Wade Legge (p) Lou Hackney (b) Charlie Persip (d) - New York, June 8, 1954 - Blue mood, Devil and the flesh [Devil and the fish] - Dizzy Gillespie (tp) Jimmy Cleveland (tb) Hank Mobley (ts) Wade Legge (p) Lou Hackney (b) Charlie Persip (d) - Los Angeles, November 8, 1955 - Play me the blues (th vcl) - Dizzy Gillespie, Taft Jordan, E.V. Perry, Ernie Royal (tp) Jimmy Cleveland, Matthew Gee, Jimmy Wilkins (tb) Hilton Jefferson, Gigi Gryce (as) Budd Johnson, Ernie Wilkins (ts) Sahib Shihab (bar) Wade Legge (p) Nelson Boyd (b) Charlie Persip (d) Herb Lance (vcl) Jazz Recital es un álbum del trompetista Dizzy Gillespie, grabado entre 1954 y 1955 que reúne interpretaciones en formato de quinteto, sexteto y orquesta de jazz, mostrando distintas facetas de su trabajo en esos años. El álbum lo retrata en un punto especialmente interesante de su trayectoria: el revolucionario del bebop de los años cuarenta comenzaba a consolidarse como una figura institucional del jazz moderno. Es una etapa de consolidación posterior al bebop: un jazz moderno más pulido, con mayor estructura y refinamiento, sin perder energía ni imaginación. Destacan especialmente el trombonista Jimmy Cleveland y el saxofonista Hank Mobley en las grabaciones en formato reducido, cuyas intervenciones aportan solidez y un notable sentido melódico al conjunto. ¡Gracias por leer “Roberto Barahona · Puro Jazz”! - Para recibir nuevas publicaciones y acompañar este proyecto, te invito a suscribirte gratis ANAT COHEN’S - QUARTETINHO “BLOOM” - Mt. Vernon, NY, April, 2024 - The night owl, Trinkle tinkle, La catedral, Superheroes in the gig economy - Anat Cohen (cl) James Shipp (vib,mar,perc) Vitor Goncalves (p,accor) Tal Mashiach (b,g) La más reciente producción de la clarinetista Anat Cohen es Bloom, el segundo disco de su grupo Quartetinho con melodías que aparecen por todos lados, Bloom muestra a Cohen en un formato cercano y sencillo que el de su anterior, el ambicioso Triple Helix (2019). Aquí deja de lado el gran ensamble para concentrarse en un cuarteto con una fuerte conexión con músicas del mundo, donde lo principal es la conversación entre los músicos. La acompañan Vitor Gonçalves en piano, acordeón y Rhodes; Tal Mashiach en contrabajo y guitarra; y James Shipp en vibráfono y percusión. Entre todos construyen un sonido cálido y delicado, con mucho espacio para que cada instrumento respire y aporte su propio color. El disco incluye composiciones de todos los integrantes, lo que refuerza su carácter colectivo. También hay una versión muy musical y fluida de “Trinkle, Tinkle” de Thelonious Monk, además de un arreglo amplio y expresivo de “La Catedral”, del guitarrista y compositor paraguayo Agustín Barrios Mangoré. BELLBIRD “THE CALL” - Montreal ca. 2025 - Murmuration, Mourning Dove, The Call - Allison Burik - (sa/cl-b) Claire Devlin (st) Eli Davidovici (b) Mili Hong (dr) El grupo Bellbird toma su nombre del campanero blanco, un ave que vive en los bosques húmedos de Venezuela y que tiene uno de los cantos más fuertes y llamativos del mundo animal. Ese sonido, tan extremo como inconfundible, es la inspiración que inició el proyecto The Call, la llamada. El cuarteto Bellbird, radicado en Montreal, se inició en encuentros informales durante la pandemia. Lo componen la saxo tenor Claire Devlin, la multi instrumentista Allison Burik en saxo alto y clarinete, la baterista Mili Hong y el contrabajista Eli Davidovici, músicos de la escena del jazz e improvisación libre que frecuentan el Café Résonance en Montreal. La invitación al Ottawa Jazz Festival en 2021 ayudó a consolidarlos como grupo. Desde entonces, han ido afirmando su sonido y su identidad. Montreal 2025 This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

    58 min

  7. MAR 3

    Puro Jazz 02 de marzo, 2026

    Durante el mes de marzo, los lunes presentaré en Puro Jazz programas dedicados a Sonny Rollins , una de las grandes voces del jazz moderno. Rollins fue mucho más que un brillante saxofonista: fue un músico inquieto, exigente consigo mismo y siempre en búsqueda de su propia verdad artística. A lo largo de esta serie recorreremos los momentos clave de su trayectoria. Sonny Rollins vive en Woodstock, Nueva York. Nació en Harlem en 1930, creció rodeado de auténtica realeza del jazz. Sus primeros años están marcados por un ascenso meteórico: de adolescente prodigio del barrio pasó a convertirse en el “Saxophone Colossus” que ayudó a redefinir el jazz moderno. Frecuentaba visitar los clubes de jazz del centro de la ciudad para escuchar bebop pero todavía no había oído hablar de Charlie “Bird” Parker, el joven fenómeno del saxo alto. Poco después formó una banda con amigos del barrio, los Counts of Bop, donde estaban futuros pesos pesados como Jackie McLean, Kenny Drew y Art Taylor. No pasó mucho tiempo antes de que Charlie Parker se convirtiera en una influencia decisiva. “Bird me causó una impresión muy profunda en el tenor”, diría Sonny. “Lo escuché tocar ese instrumento muy pocas veces, pero sus ideas, su empuje, la manera en que creaba música me conmovieron muchísimo”. La virtuosidad excepcional de Bird —y también su adicción a la heroína— llevó a Sonny tanto a lo más alto como a momentos realmente tétricos. Con diecisiete años, en julio de 1947 Sonny se afilió a la American Federation of Musicians el sindicato de músicos y dio el salto a la vida profesional. Para el verano de 1948 ya estaba de gira por Montreal, contratado por el trompetista Al Bryant. BABS GONZALES AND HIS ORCHESTRA: - New York, January 20, 1949 - Capitolizing, Professor Bop - Bennie Green, J.J. Johnson (tb) Julius Watkins (fhr) Jordan Fordin (as) Sonny Rollins (ts) Linton Garner (p) Arthur Phipps (b) Jack “The Bear” Parker (d) Babs Gonzales (vcl) - New York, April 27, 1949 - St. Louis blues - J.J. Johnson (tb) Albert Socarras (fl) Don Redman (sop) Sonny Rollins (ts) Wynton Kelly (p) Ray Nance (vln-1) Bruce Lawrence (b,vcl) Roy Haynes (d) Babs Gonzales (vcl) Poco después, el cantante Babs Gonzales lo invitó a participar en su primer disco para Capitol. La banda incluía al trombonista Bennie Green, a Sonny Rollins en saxo alto y tenor, al pianista Linton Garner (hermano de Erroll), al baterista Jack “The Bear” Parker y al contrabajista Arthur Phipps. Los arreglos escritos por el trombonista J. J. Johnson. A último minuto se sumó también el cornista francés Julius Watkins, que apareció sin invitación en un ensayo y terminó quedándose. Rollins estuvo muy ocupado el año 1949 : el 20 de enero, con apenas dieciocho años, hizo su debut discográfico. Junto a Babs, grabaron “Capitolizing”, un tema bebop, y “Professor Bop”, una pieza vocalese humorística que celebraba el auge del bop. El disco recibió buenas críticas. “Capitolizing es Babs en su mejor momento”, decía una reseña de Metronome en mayo de 1949. Sonny, sin embargo, no quedó conforme con su propio desempeño, dando inicio a una autocrítica feroz que lo acompañaría toda la vida. “Sonaba muy derivativo”, diría después sobre su solo. “Estaba completamente metido en el lenguaje de Charlie Parker”. El 27 de abril, Sonny volvió al estudio para otra sesión de Gonzales en Capitol, con Wynton Kelly, Bruce Lawrence y Roy Haynes en la sección rítmica. Al frente estaban J. J. Johnson, el flautista Alberto Socarras, el violinista Ray Nance, Babs en la voz y Don Redman, líder de la banda, en saxo soprano. JAY JAY JOHNSON’S BOPPERS - New York, May 11, 1949 - Audobahn [Audubon], Don’t blame me, Bee Jay - J.J. Johnson (tb) Sonny Rollins (ts) John Lewis (p) Gene Ramey (b) Shadow Wilson (d) - New York, May 26, 1949 - Hilo - Kenny Dorham (tp) J.J. Johnson (tb) Sonny Rollins (ts) John Lewis (p) Leonard Gaskin (b) Max Roach (d) Estas primeras actuaciones en estudio no pasaron desapercibidas. Llamaron la atención de Ira Gitler, crítico y el productor del sello Prestige; el productor de Savoy Teddy Reig, también tomó nota. Así, el 11 de mayo, Sonny grabó con los Boppers de J. J. Johnson, junto al pianista John Lewis, el contrabajista Gene Ramey, el baterista Shadow Wilson. Johnson le dio a Sonny la oportunidad de grabar por primera vez composiciones propias. De los cuatro temas registrados, dos eran suyos: “Audubon” y “Goof Square”. Su lenguaje armónico seguía muy marcado por Bird, pero el sonido ya era inconfundiblemente Sonny Rollins. Dos semanas más tarde, el 26 de mayo, Sonny regresó al estudio con los Boppers de J. J. Johnson para una sesión a sexteto, sumando a Kenny Dorham en trompeta, John Lewis en piano, Leonard Gaskin en contrabajo y Max Roach en batería. El disco en formato 78 RPM le valió a Sonny su primera mención importante en la revista Down Beat, aunque la crítica fue tibia, por no decir dura. “Seis boppers conocidos tocan dos lados apenas correctos”, decía la reseña. “El tenor Rollins, acreditado como autor de ‘Hilo’, hace solos sin mayor efecto, mientras que el solo de trompeta de Kenny Dorham, como siempre, comienza bien pero termina sin clímax por falta de fuerza y autoridad en su fraseo y ataque”. Así se establecía un patrón que se repetiría: las primeras críticas de Down Beat hacia Sonny serían, en general, poco amables. BUD POWELL’S MODERNISTS - New York, August 8, 1949 - Bouncing with Bud, Wail, Dance of the infidels - Fats Navarro (tp) Sonny Rollins (ts) Bud Powell (p) Tommy Potter (b) Roy Haynes (d) En agosto Sonny participó en una sesión del pianista Bud Powell. Alfred Lion y Francis Wolff, fundadores y propietarios del sello Blue Note, invitaron a Powell a grabar, quien reclutó a Rollins y al trompetista Fats Navarro. A pesar de que Powell estaba lidiando con graves problemas de salud mental y tanto él como muchos de sus contemporáneos (incluido Rollins al principio de su carrera) luchaban con el uso de sustancias controladas, la música que hicieron en la sesión debut de estudio de Powell se considera un bebop poderoso y de alta calidad. Las actuaciones son musicalmente coherentes, vibrantes e históricamente importantes, y los críticos afirman que la creatividad y la técnica de Powell brillan a pesar de sus desafíos personales. MILES DAVIS SEXTET - New York, January 17, 1951 - Morpheus, Down, Whispering - Miles Davis (tp) Bennie Green (tb) Sonny Rollins (ts) John Lewis (p) Percy Heath (b) Roy Haynes (d) Sonny Rollins Sonny y Miles Davis habían tocado juntos desde 1949, y fue logico que lo invitara en 1951 a participar en sesiones con la banda formada por Davis para cumplir con sus obligaciones contractuales con el sello Prestige. Davis ya esperaba que Rollins se integrara a su gran primer quinteto en 1955, algo que no sucedió. Principalmente porque para entonces Rollins ya había trabajado con Thelonious Monk, grabado composiciones originales -que hoy son estándares de jazz- había liderado varias sesiones y se había retirado del jazz por primera vez para dejar las drogas y recomponer su salud. La noche del 17 de enero Sonny llegó a los estudios Apex, la banda de Davis incluía a Bennie Green, John Lewis, Percy Heath y Roy Haynes. THE SONNY ROLLINS QUARTET - New York, December 17, 1951 - Time on my hands, Mambo bounce, This love of mine, Scoops, Newk’s fadeaway Shadrack - Sonny Rollins (ts) Kenny Drew (p) Percy Heath (b) Art Blakey (d) Sonny Rollins, que ahora tenía contrato con Prestige, el 17 de diciembre regresó los estudios Apex para su primera sesión completa como líder: el Sonny Rollins Quartet. Sería su última grabación por un tiempo: apenas tres días después sería sentenciado tras ser hallado culpable de posesión y consumo de drogas. Para la sesión con Percy Heath, Art Blakey y Kenny Drew comenzó cuesta arriba. Era una noche fría y lluviosa, el conguero Sabu Martínez no logró llegar desde el Bronx y, para colmo, Sonny descubrió que no tenía correa para el saxofón, instrumento que acababa de retirar de una casa de empeño. A menudo lo empeñaba para comprar drogas. Improvisó una con un gancho de ropa y una cuerda. La sesión fue tensa y dispersa. Grabaron ocho temas, entre estándares y originales. Kenny Drew se quedaba dormido entre tomas y Blakey lo despertaba con redobles en la caja. A pesar de estos problemas y dificultades con las cañas, Sonny logró momentos notables: un vibrato cargado de emoción en “Time on My Hands”, un swing desbordante en “Mambo Bounce” y “This Love of Mine”, una balada con ecos de Coleman Hawkins. La noche cerró con una intensa jam basada en los acordes de I’ve got rhythm, donde Rollins está realmente espectacular. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

    58 min

  8. FEB 26

    Puro Jazz 25 de febrero, 2026

    GREG OSBY “ZERO” - Brooklyn, NY, January 9-11, 1998 - Sea of illusion, Interspatial affair (1), Minstrale - Greg Osby (as,sop,sopranino) Jason Moran (p,org,el-p) Kevin McNeal (g) Lonnie Plaxico (b) Dwayne Burno (b-1) Rodney Green (d) “Zero” de 1998, Fue el tercer lanzamiento del saxofonista Greg Osby para Blue Note Records y tal vez su mejor grabación hasta la fecha. Después de haber colaborado durante mucho tiempo con Steve Coleman y Cassandra Wilson en “Mbase”, Osby se volvió hacia el Hip-Hop, pero - afortunadamente- lo abandonó rápidamente. En “Zero”, Osby está respaldado por un grupo de buenos músicos jóvenes que muestran sólidos atributos técnicos. El disco abre con “Sea of Illusion” con el sonido característico de Osby: combina ingeniosamente la melodía y la disonancia de una manera angular; su ataque y ejecución son impecables. ¡Gracias por leer “Roberto Barahona · Puro Jazz”! - Para recibir nuevas publicaciones y acompañar este proyecto, te invito a suscribirte gratis. MCCOY TYNER “TIME FOR TYNER” - Englewood Cliffs, N.J., May 17, 1968 - African village, I didn’t know what time it was - Bobby Hutcherson (vib) McCoy Tyner (p) Herbie Lewis (b) Freddie Waits (d) El estilo de piano de McCoy Tyner, completo con acordes sofisticados y una mano izquierda explosivamente percusiva, ha trascendido los estilos convencionales para convertirse en uno de los sonidos más identificables de la música improvisada. Sus contribuciones armónicas y sus dispositivos rítmicos dramáticos forman el vocabulario de la mayoría de los pianistas de jazz. Nacido en Filadelfia, Pensilvania, se convirtió en parte de las escenas emergentes de jazz y R&B de principios de la década de 1950. Con 20 años, Tyner comenzó una relación con el legendario saxofonista Benny Golson, así como actuando en el famoso conjunto The Jazztet (1960). Luego se unió al cuarteto clásico de John Coltrane. Después Tyner también comenzó a explorar sus propios talentos lanzando varios álbumes en el sello discográfico Impulse, como Time for Tyner con un grupo estelar junto al vibrafonista Bobby Hutcherson, el bajista Herbie Lewis y el baterista Freddie Waits. Tyner y Hutcherson se combinan muy bien y ambos muestran experiencia en la creación de ideas sobre vamps modales. Las otras tres selecciones son antiguos estándares. FRED KATZ “AND HIS JAMMERS” - Los Angeles, 1958 - Feeling the blues, To blow is to know, Ruby my dear (1) - Don Fagerquist (tp) Gene Estes (vib) Fred Katz (p,cello) John Pisano (g) Leroy Vinnegar (b) Lennie McBrowne (d) Frederick Katz Fue violonchelista y compositor y uno de los primeros músicos de jazz en establecer el chelo como instrumento como solista de improvisación. Katz se formó y estudió con Pablo Casals y actuó con varias orquestas sinfónicas. Era un niño prodigio tanto en el violonchelo como en el piano y actuó en público cuando era adolescente, y se sintió atraído por la música de los clubes nocturnos de Manhattan. Es conocido como miembro del quinteto del baterista Chico Hamilton, uno de los grupos de jazz más importantes de la costa oeste de la década de 1950 en el que Katz definió el enfoque de “cámara jazz”. Katz también grabó varios álbumes como líder. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

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¡Bienvenidos a Puro Jazz! Podcast del programa PuroJazz que dirige y presenta Roberto Barahona para Radio Beethoven de Santiago de Chile El programa Puro Jazz se ha trasladado a Substack.com, una plataforma que nos permitirá ofrecer una experiencia más completa e interactiva. El acceso sigue siendo el mismo: puedes ingresar como siempre a través de purojazz.com, donde encontrarás los nuevos contenidos y enlaces actualizados. En Substack contaremos con herramientas mejoradas para comunicación, suscripción y contacto, lo que facilitará aún más el acceso a las transmisiones, lecturas y novedades de Puro Jazz. Para quienes nos seguían en Facebook o Instagram, esta nueva plataforma permitirá continuar ese valioso intercambio de ideas, experiencias e incluso imágenes en un solo lugar. Y para los que simplemente disfrutan de la música, pueden estar tranquilos: nada cambiará. La esencia y el espíritu de Puro Jazz seguirán siendo los mismos. rbarahona.substack.com

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