Ars sonora

Radio Clásica
  • 5,0 (19)
  • CULTURA Y SOCIEDAD
  • MENSUAL

Los contenidos del programa están abiertos al Arte Sonoro, en las vertientes de poesía sonora, instalaciones sonoras, performances y radio arte, así como a la Música Electroacústica.

  1. Ars sonora - Laura Romero y Barbara Held en "Dos lugares, dos escuchas" (Campocerrado) - 06/12/25

    6 DIC

    Ars sonora - Laura Romero y Barbara Held en "Dos lugares, dos escuchas" (Campocerrado) - 06/12/25

    Presentamos la segunda edición del proyecto "Dos lugares, dos escuchas", una iniciativa relacionada con la práctica del paisaje sonoro que aspira a establecer puentes entre la creación sonora experimental y el coleccionismo de arte contemporáneo, al tiempo que pone en valor el patrimonio natural e histórico del contexto rural. Esta segunda edición de "Dos lugares, dos escuchas" ha estado protagonizada por la artista valenciana Laura Romero Valldecabres y la estadounidense (residente en Barcelona) Barbara Held. Ambas creadoras disfrutaron, entre los meses de mayo y junio de 2025, de sendas residencias de creación artística en la sede de la Fundación Campocerrado, en el entorno de Ciudad Rodrigo (Salamanca). A partir de las particularidades acústicas (pero también ecológicas, históricas, sociales, etc.) de la dehesa salmantina elaboraron dos composiciones que hoy presentamos en su estreno radiofónico. "Un pulso sobre la tierra" es el título de la pieza sonora desarrollada por Laura Romero tras su estancia en Campocerrado. En ella, la artista intenta "conectar con ese paisaje, con los ecos de ese paisaje, con el pasado, con las múltiples capas que encontramos en un paisaje a lo largo de los años y las décadas […]", según sus propias palabras. En este ejercicio de memoria acústica desempeña un papel fundamental el trabajo de la también artista sonora e investigadora Susana Jiménez Carmona, que fue invitada a Campocerrado en la primera edición de este proyecto, y desarrolló allí su composición "Cascabullos", tan solo unos meses antes de su prematuro fallecimiento. Laura Romero recuerda a Jiménez Carmona, citando la obra mencionada, en el inicio de "Un pulso sobre la tierra". Barbara Held, por su parte, nos propone la pieza "Imagen sonora de Siega Verde”" que ella misma presenta así: “Una exploración de las singulares condiciones acústicas de Siega Verde, yacimiento de arte rupestre paleolítico al aire libre ubicado dentro la dehesa salmantina. Las figuras zoomórficas allí representadas nos conectan con una visión del mundo que subraya la relación entre los seres humanos y los demás animales, un vínculo que sigue siendo parte esencial de esta tierra”. Durante sus respectivas estancias en Ciudad Rodrigo, Romero y Held estuvieron acompañadas y orientadas por los principales responsables de la Fundación Campocerrado, Borja Fernández-Cobaleda y Luis Gea. Sus declaraciones para esta edición de Ars Sonora nos permiten adentrarnos en los procesos artísticos que condujeron a la composición de estas dos nuevas obras, así como en las atractivas peculiaridades del entorno rural salmantino para cualquier artista sonoro interesado en explorar las relaciones entre esos excepcionales lugares y las escuchas que, esperamos, continuarán sugiriendo en próximas ediciones de este proyecto. Escuchar audio

    1 h 7 min

  2. 29 NOV

    Ars sonora - En el sesenta aniversario de Radio Clásica (II) - 29/11/25

    Continuamos nuestra celebración del sesenta aniversario de Radio Clásica escuchando un conjunto de composiciones musicales fechadas alrededor de 1965. El 22 de noviembre de ese año, es decir, hace seis décadas, iniciaba su andadura la emisora que hoy conocemos como Radio Clásica. ¿Qué músicas se estaban creando en ese momento histórico? ¿Qué se estaba componiendo, qué obras sonoras se estrenaron en 1965? Ars Sonora, en su continua exploración de las músicas más radicales y los sonidos más desafiantes de los siglos XX y XXI, recorre en esta emisión —siguiendo la estela del programa emitido la semana pasada, como primera parte de este doble monográfico— un conjunto de piezas procedentes de diferentes lugares del mundo que refleja las corrientes estéticas que definían el panorama de las músicas experimentales y el arte sonoro en torno al año 1965, al tiempo que nos preguntamos acerca de la situación en nuestro país durante ese momento histórico. Escuchamos, en esta segunda parte de nuestro viaje en el tiempo y en el espacio, "Bye Bye Butterfly" (1965), un trabajo de la compositora estadounidense Pauline Oliveros en el que nos ofrece su particular relectura de "Madama Butterfly", la ópera de Giacomo Puccini estrenada en 1904. Seguidamente presentamos "It's Gonna Rain" (1965), primer trabajo de gran entidad del también estadounidense Steve Reich. También ofrecemos una selección de piezas electrónicas realizadas, respectivamente, por las compositoras británicas Maddalena Fagandini, Delia Derbyshire y Daphne Oram. Todas ellas desarrollaron su labor compositiva, desde el comienzo de los años sesenta del pasado siglo, en el taller de arte radiofónico de la BBC (BBC Radiophonic Workshop). Estas audiciones nos permiten reflexionar acerca del papel que desempeñaba la mujer (en el plano cultural, social, político, jurídico, doméstico...) dentro del contexto español de esos mismos años sesenta. Concluimos esta emisión —y, por tanto, esta celebración del sesenta aniversario de Radio Clásica— con la audición de "Lament for the Death of a Bullfighter" (1959), una obra compuesta unos años antes de ese 1965 que nos ha servido como eje en este programa y en el anterior, pero que resulta pertinente aquí, entre otras razones, porque esta pieza toma como punto de partida el poema de Federico García Lorca "Llanto por Ignacio Sánchez Mejías" publicado hace ahora no sesenta, sino noventa años, es decir, en 1935. Esta composición de Roberto Gerhard, escrita para recitador y cinta magnética, nos invita a pensar en todos y todas las artistas que, como Gerhard (que vivió entre 1896 y 1970), hubieron de exiliarse tras la sublevación militar de 1936, lo que sin duda mermó el panorama artístico y cultural —y todas las demás esferas de la vida pública española— propio del año 1965, es decir, del momento en el que nacía la emisora que hoy —en una España muy diferente a la de aquel año, afortunadamente para todos— nos permite presentar y comentar todas estas composiciones. Escuchar audio

    58 min

  3. 22 NOV

    Ars sonora - En el sesenta aniversario de Radio Clásica (I) - 22/11/25

    En esta edición de Ars Sonora, emitida en las primeras horas del día en que celebramos el sesenta aniversario de Radio Clásica, escuchamos un conjunto de composiciones musicales fechadas, precisamente, en el año 1965. El 22 de noviembre de aquel año, es decir, exactamente hace seis décadas, iniciaba su andadura la emisora que hoy conocemos como Radio Clásica. ¿Qué músicas se estaban creando en ese momento histórico? ¿Qué se estaba componiendo, qué obras sonoras se estrenaron en 1965? Ars Sonora, en su continua exploración de las músicas más radicales y los sonidos más desafiantes de los siglos XX y XXI, recorre en esta emisión -así como en la de la semana que viene, en la segunda parte de este doble monográfico- un conjunto de piezas procedentes de diferentes lugares del mundo (Europa, América, Asia…) que refleja las corrientes estéticas que definían el panorama de las músicas experimentales y el arte sonoro en el año 1965, al tiempo que se pregunta acerca de la situación en nuestro país durante ese momento histórico. Escuchamos, en esta primera parte de nuestro viaje en el tiempo y en el espacio, la "Sequenza III" (1965), una obra de Luciano Berio compuesta para la voz de Cathy Berberian (esta audición nos permite celebrar, también, los respectivos centenarios de estos dos artistas, Berio y Berberian, ya que ambos nacieron en 1925). También presentamos "Scenario" (1965), la única pieza dentro del amplio catálogo del compositor alemán Helmut Lachenmann creada para cinta magnética —también nos sirve, esta escucha, para celebrar otro aniversario, pues Lachenmann alcanzará sus noventa años en unos pocos días, concretamente el 27 de noviembre—. El italiano Luigi Nono, maestro de composición de Lachenmann, es el siguiente protagonista de nuestro espacio, pues en 1965 recibió del director y productor teatral alemán Erwin Piscator una esperada oferta de colaboración. El proyecto consistía en la representación de una nueva obra de Peter Weiss, "Die Ermittlung" ("La investigación"), una pieza de teatro documental basada en un texto que condensaba las declaraciones de los testigos de los juicios de Auschwitz celebrados en Fráncfort entre diciembre de 1963 y agosto de, precisamente, 1965. Tras una presentación de varios fragmentos de las músicas realizadas por Nono para esta obra de teatro, concluimos la primera parte de este doble monográfico con una pieza de Maki Ishii —compositor nacido en Tokio en 1936 y fallecido en 2003—. Su composición "Hamon" (término japonés que se traduce literalmente como “ondulación sobre el agua”) está escrita para conjunto de cámara, violín solista y cinta magnetofónica compuesta, y nos ofrece otra perspectiva acerca de las músicas que, desde distintos rincones del mundo y muy diferentes sensibilidades, fueron imaginadas en un mismo año, 1965, al mismo tiempo que nacía la emisora que hoy —en una España muy diferente a la de aquel año, afortunadamente para todos— nos permite presentar y comentar todas estas composiciones. Escuchar audio

    1 h

  4. 15 NOV

    Ars sonora - Pedro Trotz - y compañía - (II) - 15/11/25

    En esta segunda parte del doble monográfico dedicado a Pedro Trotz —Pere Amengual, nacido en Palma de Mallorca en 1969— continuamos explorando la singular trayectoria de este artista a través de otro diálogo registrado en los estudios UBIK de Palma —y propiciado por el también artista e investigador Txema González de Lozoyo, a quien extendemos nuestro agradecimiento—. Este programa revela —de nuevo— cómo la geografía insular, lejos de ser un impedimento, puede convertirse en un catalizador de descubrimientos y colaboraciones (también en un plano internacional) y profundiza, así, en la filosofía creativa que sostiene la obra de Trotz, en sus contactos con artistas y músicas muy relevantes en el desarrollo de su poética, y finalmente en su investigación doctoral sobre el legado transformador de Rob Hordijk. El variadísimo conjunto de audiciones que jalonan esta conversación recorre un arco estético que, como en la primera parte de este monográfico, conjuga la curiosidad tecnológica, una igualmente irrefrenable pasión por la música y la fertilidad inesperada de los más impredecibles encuentros —físicos y sonoros—. Ese extenso arco comienza, en esta ocasión, con la colaboración entre Anthrax & Public Enemy ("Bring The Noise") y la música de Kraftwerk ("Home Computer" y "Autobahn"), antes de incluir algunos trabajos del propio Pedro Trotz (procedentes del disco de Trotz "Psicopomp", publicado en 2023, así como las piezas aún inéditas "Fun Fun Fun at the Funeral" y "Miedo a la Eucaristía"). También escuchamos, fragmentariamente, obras de Esplendor Geométrico ("Muerte a escala industrial"), de Nicolás Arianoutsos —también conocido como Resonic— (un fragmento de su "Untitled Live at Radar"), 23 Skidoo ("Fuck You GI"), Alva Noto ("HYbr:ID Ectopia Field 1"), Autechre ("Simmm"), Pauline Oliveros ("Once Again / Buchla Piece 1966"), Wendy Carlos ("The Shining: Main Title" y "Switched on Bach") y Richard Scott ("Strkng", que forma parte de sus "Eight Studies for Copulating Blippoo Boxes"). El programa concluye con la descripción de la Blippoo Box, un dispositivo inspirado por las teorías y experiencias de Hordijk en torno a los lazos de realimentación no lineales (canalizados a través de modulaciones recíprocas de frecuencia entre dos osciladores), que en última instancia han dado lugar a un instrumento musical aparentemente sencillo, pero con un enorme rango de expresión. El propio Rob Hordik describió la Blippoo Box como "bent by design", en alusión a la práctica del "circuit bending" (es decir, la modificación más o menos artesanal de un circuito sonoro, a menudo procedente de un juguete musical, con objeto de "jaquearlo" para que produzca otros resultados acústicos imprevistos). En este sentido, la arquitectura misma del dispositivo ideado por Hordijk está diseñada para albergar los principios propios de los sistemas caóticos —tal y como los describe la física teórica—, invitando al usuario a desarrollar su capacidad de escucha y de improvisación. Así se manifiesta, de hecho, en la pieza para Blippoo Box creada e interpretada por Pedro Trotz expresamente para esta edición de Ars Sonora con la que concluye este doble monográfico dedicado al artista palmesano. Escuchar audio

    59 min

  5. 8 NOV

    Ars Sonora - Pedro Trotz —y compañía— (I) - 08/11/25

    Presentamos, en esta primera parte de un doble monográfico dedicado a Pedro Trotz —nombre artístico de Pere Amengual, nacido en Palma de Mallorca en 1969—, la singular trayectoria de un artista cuya vida encarna los derroteros inicialmente improbables, pero fascinantes, que puede tomar la experimentación sonora cuando se conjugan la curiosidad tecnológica, la pasión por la música, y la fertilidad inesperada de los más impredecibles encuentros. Grabado en los estudios UBIK de Palma, este programa recoge un diálogo —propiciado por el también artista e investigador Txema González de Lozoyo, a quien extendemos nuestro agradecimiento— que, entre otras cosas, revela cómo la geografía insular, lejos de ser un impedimento, puede convertirse en un catalizador de descubrimientos y colaboraciones (también en un plano internacional). Esta conversación con Pedro Trotz parte de sus primeros contactos con la música electrónica, en los cuales la radio desempeñó un importante papel. Recordamos también sus experiencias tempranas en el montaje de artefactos sonoros de carácter electrónico, que antecedieron al acceso al primer sintetizador. Durante los años ochenta, en el contexto de Palma (y, recordemos, antes del desarrollo de internet), Trotz se inició en la síntesis sonora de manera autodidacta, hasta descubrir —a través de la radio, nuevamente— que existía una comunidad invisible de experimentadores sonoros distribuida en los lugares más insospechados. Trotz nos relata, en este diálogo, cómo después —ya en la última década del pasado siglo— consiguió establecer fértiles conexiones con algunos miembros de esa comunidad: siendo coeditor del fanzine "La parturienta" (proyecto editorial extremadamente ecléctico, en cuyas páginas se entremezclaban artistas como Nick Cave, Jim Jarmusch, Prodigy o Asmus Tietchens, por ejemplo), Trotz establece contacto con Arturo Lanz, de Esplendor Geométrico, quien casualmente estaba destinado profesionalmente en Mallorca. Esta colaboración se convierte en el germen de una red que consolidará su papel como “evangelizador de la cultura y el estilo de vida electrónico" en el contexto balear. Otro encuentro fundamental en este recorrido llega con Rob Hordijk, diseñador holandés de sintetizadores de formación heterogénea (joyero, programador, ingeniero electrónico…) que desarrolló lo que tanto él como Trotz denominan la "East Dutch Coast", una escuela holandesa de diseño de sintetizadores que combina elementos procedentes de las tradiciones estadounidenses representadas, respectivamente, por Buchla (costa oeste californiana) y Moog (costa este neoyorquina). La relación entre Trotz y Hordijk se intensificó a través de la celebración de importantes encuentros internacionales dedicados a la luthería digital, y aún más cuando el holandés se trasladó a Mallorca. Tras el fallecimiento de Hordijk en 2022, Trotz decide emprender una investigación doctoral sobre su legado, proyecto que motiva su reciente traslado a Madrid, y con el que busca colmar una notable laguna en el campo de la organología, dentro del cual los electrófonos han sido históricamente marginados. A lo largo de esta primera emisión dedicada a Pedro Trotz escuchamos diversas referencias musicales que ilustran su particular recorrido artístico y vital: algunos extractos de su ya muy extensa "Serie alfabética" (cuyo autor describe como "estudios sobre las posibilidades sonoras que surgen de la fusión de medios físicos y virtuales para la producción de sonido"), un fragmento de la pieza de Asmus Tietchens "Falter-Lamento" (procedente del disco "Nachtstücke", de 2017), la composición titulada "Azrael" (que forma parte del disco de Trotz "Psicopomp", publicado en 2023), la pieza de Víctor Nubla "Otro paseo espacial" (incluida en su "Integral para MS20 (82-86)", así como un extracto de "Bring The Noise" (composición surgida de la colaboración entre los grupos Anthrax y Public Enemy). Escuchar audio

    1 h

  6. 1 NOV

    Ars sonora - "De Natura Sonorum": Cincuenta años - 01/11/25

    Celebramos, en esta emisión de Ars Sonora, el cincuenta aniversario de la composición "De Natura Sonorum", una de las obras más ambiciosas e influyentes dentro de la tradición de la música electroacústica, y punto de inflexión decisivo en la evolución de la música acusmática. Estrenada el 3 de junio de 1975 en la Salle Wagram de París, esta suite de doce movimientos, dividida en dos series de seis piezas cada una, representa la cristalización de una década de investigaciones sobre la naturaleza fenomenológica del sonido, principal preocupación estética de su autor, el compositor francés Bernard Parmegiani. Bernard Parmegiani nació en París en 1927 y falleció en esa misma ciudad en 2013, después de una vida dedicada a la exploración de las posibilidades expresivas del medio electroacústico. Su trayectoria resulta singular, pues su formación no fue la de un músico académico tradicional, sino que provino de múltiples disciplinas que confluirían en una visión única de la creación sonora. Durante su servicio militar, dentro de los servicios cinematográficos del ejército, Parmegiani adquirió conocimientos prácticos en técnicas de grabación de sonido. En 1954 comenzó a trabajar en la radio y rápidamente se convirtió en ingeniero de sonido en televisión. Pero simultáneamente, durante estos mismos años cincuenta, practicaba mimo, primero con Maximilien Decroux y posteriormente con el legendario Jacques Lecoq, entre 1957 y 1961. Esta experiencia con el mimo resulta, a primera vista, sorprendente en la biografía de un compositor. Sin embargo, el propio Parmegiani consideraba ese período como fundamental para su posterior desarrollo como artista sonoro. El trabajo corporal con Lecoq —que enfatizaba la flexibilidad física, la precisión del movimiento y la exploración del espacio— le enseñó conceptos de arquitectura y gestualidad que Parmegiani transfirió posteriormente a su pensamiento compositivo sobre la estructura del universo acústico. Durante estos mismos años, Parmegiani se entregó a un pasatiempo que anticipaba su posterior aproximación artística al sonido: la creación de fotomontajes surrealistas, cortando, pegando y ensamblando imágenes de periódicos para crear composiciones visuales surrealistas y lúdicas. Este trabajo de manipulación de materiales preexistentes para generar nuevos significados nuevo presagiaba la metodología que caracterizaría posteriormente la música concreta: la utilización de materiales sonoros pregrabados, sometidos a procesos de transformación y recontextualización para crear nuevos significados musicales. Parmegiani se unió en 1959 al GRM ("Groupe de Recherches Musicales", fundado por Pierre Schaeffer poco después del final de la Segunda Guerra Mundial, en el contexto de la radio pública francesa). Inicialmente trabajó como técnico de sonido, asistiendo a compositores ya establecidos. Posteriormente abandonó su trabajo en la televisión francesa (ORTF) para dedicarse íntegramente a su formación en el GRM, y realizó ilustraciones sonoras para cortometrajes producidos por el Servicio de Investigación. Durante este período colaboró con compositores notables como Iannis Xenakis, Fue después de una fecunda producción musical de dos décadas cuando Parmegiani realizó un gesto compositivo radical: se apartó deliberadamente de la abundancia productiva que lo había caracterizado hasta entonces y se concentró en una exploración más profunda y metódica de la naturaleza del sonido mismo. Conforme a esta aproximación, casi entomológica, el análisis atento del sonido (frecuentemente descrito por el compositor como un "ser sonoro") se convirtió en la característica fundamental de su estilo maduro. Es en este contexto donde surge la obra que hoy presentamos en Ars Sonora. "De Natura Sonorum" —título que puede traducirse como "Sobre la naturaleza de los sonidos", y que remite a poema filosófico-didáctico de Lucrecio "De rerum natura", que defiende las doctrinas del epicureísmo y la física atomista— está organizada en dos series de seis movimientos cada una: "Incidences / Résonances" ("Incidencias / Resonancias") "Accidents / Harmoniques" ("Accidentes / Armónicos") "Géologie Sonore" ("Geología sonora") "Dynamique de la Résonance" ("Dinámica de la resonancia") "Étude Élastique" ("Estudio elástico") "Conjugaison du Timbre" ("Conjugación del timbre") La segunda serie de "De Natura Sonorum" comprende otros seis movimientos: "Incidences / Battements" ("Incidencias / Pulsaciones") "Natures Éphémères" ("Naturalezas efímeras") "Matières Induites" ("Materias inducidas") "Ondes Croisées" ("Ondas cruzadas") "Pleins et Déliés" ("Trazos gruesos y finos") "Points contre Champs" ("Puntos contra campos") Estos doce movimientos constituyen estudios sistemáticos sobre las propiedades intrínsecas del sonido y sus relaciones mutuas. Parmegiani explora la naturaleza fenomenológica del objeto sonoro —concepto central en la teoría de Pierre Schaeffer— pero lo hace desde una perspectiva compositiva que trasciende la mera experimentación tímbrica para construir una rigurosa arquitectura musical. Cincuenta años después de su creación, "De Natura Sonorum" mantiene intacta su capacidad de asombro y revelación. La obra ha marcado a varias generaciones de compositores electroacústicos, pero su influencia trasciende ampliamente los límites de la música académica, ya que artistas tan diversos como Aphex Twin, Autechre o Sonic Youth han reconocido explícitamente su deuda con la obra de Parmegiani. Escuchar audio

    58 min

  7. 24 OCT

    Ars sonora - Mary Kouyoumdjian - 25/10/25

    En esta edición monográfica de Ars Sonora les proponemos una inmersión en la obra de Mary Kouyoumdjian, compositora y documentalista armenio-estadounidense cuya música trasciende las fronteras entre la composición contemporánea y el arte sonoro documental para crear un lenguaje expresivo que humaniza las experiencias del desplazamiento, el trauma transgeneracional y la búsqueda de identidad cultural. Mary Kouyoumdjian nació en 1983 en el área de la Bahía de San Francisco, California, en el seno de una familia cuya historia encarna múltiples migraciones. Sus abuelos y bisabuelos fueron desplazados desde Armenia durante el Genocidio de 1915, buscando refugio primero en Siria y posteriormente estableciéndose en Líbano. Décadas después, sus padres y hermano se vieron forzados a migrar desde Beirut hacia San Francisco como consecuencia de la Guerra Civil Libanesa que devastó el país entre 1975 y 1990. Esta historia de sucesivos desplazamientos, de búsquedas desesperadas de seguridad, constituye el núcleo emotivo que articula toda la obra compositiva de Kouyoumdjian, transformando la experiencia personal en un testimonio artístico de alcance universal. La característica más distintiva del lenguaje compositivo de Kouyoumdjian es lo que ella misma ha denominado "música como documental". Esta aproximación representa una ruptura radical con la tradición de la composición pura, en la que la música existe independientemente de referencias extramusicales. En el trabajo de Kouyoumdjian, los elementos electrónicos se integran orgánicamente con los instrumentos acústicos, no como complemento decorativo sino como extensión expresiva del discurso musical. Su paleta sónica, heredera de su herencia multicultural, fusiona sonoridades derivadas de tradiciones musicales armenias y libanesas con técnicas de síntesis digital contemporánea. Según la propia compositora: "Explorar la delgada línea que separa la música acústica de la electrónica parece ser una característica de todas mis composiciones. Presto atención, sobre todo, al tipo de material que crea la ilusión de que estamos escuchando sonidos electrónicos cuando en realidad provienen de instrumentos tradicionales". La primera audición en esta emisión de Ars Sonora forma parte de la ópera "Adoration", estrenada en 2024, con libreto del dramaturgo canadiense Royce Vavrek. Esta obra se basa en la película homónima de 2008 del cineasta armenio-canadiense Atom Egoyan, cuya premisa resulta tan provocadora e incómoda hoy como lo era hace casi dos décadas, y de hecho podría afirmarse que su relevancia se ha intensificado en el contexto de la polarización social y política propia de estos últimos años. Royce Vavrek, libretista canadiense al que la revista The New Yorker ha caracterizado como "el Hofmannsthal indie", y que ha colaborado extensamente con compositoras como Missy Mazzoli, Du Yun y David T. Little, ha capturado en la ópera una estructura temporal fragmentada que refleja la complejidad de la narrativa de la película de Egoyan. "Adoration" ha sido registrada por un elenco de solistas que incluye a Miriam Khalil, Omar Najmi, David Adam Moore y Karim Sulayman, junto al Silvana Quartet y The Choir of Trinity Wall Street, bajo la dirección de Alan Pierson. Otra de las obras más celebradas de Mary Kouyoumdjian es "Paper Pianos", que fue nominada como finalista al Premio Pulitzer de Música en 2024. El jurado describió la obra como "una obra multimedia socialmente urgente que fusiona música y documental de audio con narrativas en primera persona de refugiados, explorando cómo la música sirve como solaz e inspiración bajo condiciones de desplazamiento". Esta composición presenta narrativas de cuatro refugiados: el pianista afgano Milad Yousufi, Getachew Bashir —procedente de Etiopía—, Hani Ali —de Somalia— y Akil Aljaysh —de Irak—. Las grabaciones de estos protagonistas se incorporan integralmente en la composición. El movimiento inicial de "Paper Pianos" se titula "You Are Not a Kid" (2016), y fue resultado de un encargo del conjunto Alarm Will Sound y el Mizzou International Composers Festival. Esta sección se enfoca específicamente en Milad Yousufi, joven refugiado procedente de Kabul cuya vida fue amenazada por los talibanes por su dedicación a la música. Kouyoumdjian integra una pista grabada con entrevistas en las que el joven cuenta sus experiencias de la infancia durante la guerra civil afgana. La escritura instrumental, para flauta, oboe, clarinete/clarinete bajo, fagot, trompa, trompeta, trombón bajo, dos percusionistas, piano, violín, violoncellos y contrabajo acompaña esa narrativa con un discurso musical que alterna entre la esperanza y la angustia. Escuchamos después "The Vanishing Dark" (2017), compuesta para el ensemble Talea, que representa una desviación temática dentro de la obra de Kouyoumdjian, aunque mantiene su aproximación característica a la integración de electrónica y elementos acústicos. Esta pieza fue inspirada por un episodio del podcast "Nocturne", y explora la pérdida de la oscuridad natural y nuestro falso sentido de seguridad proporcionado por la luz artificial. Aunque temáticamente diferente de sus obras sobre traumas políticos y desplazamiento, "The Vanishing Dark" demuestra cómo Kouyoumdjian utiliza técnicas de composición para reflexionar sobre nuestras relaciones contemporáneas con el entorno y la percepción. Por su parte, "Bombs of Beirut" (2014) constituye quizás la obra más personal y políticamente urgente de Mary Kouyoumdjian. Surgida gracias a un encargo del Kronos Quartet como parte del proyecto "Kronos: Under 30", esta pieza se estructura en tres movimientos: "Before the War", "The War" y "After the War". La pista pregrabada que acompaña al cuarteto incluye entrevistas con familiares y amigos de la compositora que comparten sus diversas experiencias viviendo en tiempos de guerra, así como documentación sonora de bombardeos y ataques contra civiles grabados en un balcón de apartamento entre 1976 y 1978. Seguidamente presentamos "Silent Cranes" (2015), otro encargo del Kronos Quartet, que representa otra aproximación de Kouyoumdjian al problema del testimonio y la memoria, en este caso con el propósito de conmemorar el centenario del Genocidio Armenio. La composición está inspirada en la canción folclórica armenia "Groung" (Grulla), cuya narrativa es profundamente simbólica: en la canción, el intérprete invoca a la migrante grulla, rogándole que le traiga noticias de su tierra natal distante. La composición incorpora grabaciones históricas, proponiendo un diálogo temporal entre la voz de una superviviente del genocidio y la música contemporánea de Kouyoumdjian. La obra termina con las palabras del periodista de investigación David Barsamian: "Nuestros abuelos están cantando. Terminemos sus canciones". Esta frase final articula perfectamente la misión que Kouyoumdjian se ha asignado a sí misma como compositora: no pretender hablar por los muertos, sino continuar sus canciones inconclusas, es decir: mantener viva su memoria a través del testimonio artístico. Escuchar audio

    58 min

  8. 17 OCT

    Ars sonora - Wade Matthews, setenta años - 18/10/25

    Ofrecemos, en esta edición de Ars Sonora, un documento sonoro registrado el pasado sábado 11 de octubre de 2025 en CRUCE, la sala madrileña ubicada en la calle Doctor Fourquet número 5, con motivo de la celebración del 70º aniversario de Wade Matthews. Este programa constituye un homenaje a una de las figuras más influyentes del panorama de la música experimental española durante las últimas tres décadas, cuyo trabajo como músico, improvisador, ensayista y agitador cultural ha transformado Madrid en un referente internacional para el circuito de las músicas improvisadas. Wade Matthews, nacido en 1955 en La Chapelle-St. Mesmin (Francia), llegó a Madrid en 1989 tras doctorarse en Composición y Electroacústica por la Columbia University de Nueva York. Desde entonces, es decir, durante más de treinta años, Matthews ha programado incansablemente conciertos, encuentros y talleres que han permitido el diálogo entre músicos de múltiples generaciones y procedencias, convirtiendo la sala de la calle Doctor Fourquet en un laboratorio de experimentación sonora abierto a toda la ciudadanía. Nuestro homenaje radiofónico captura algunas voces de quienes se acercaron ese día hasta CRUCE para celebrar no solo la música, sino —sobre todo— la vida de Wade Matthews. Escuchamos declaraciones de Rosa Díaz Mayo, Alfredo Vicent, Pelayo Fernández-Arrizabalaga, Marta Sainz Serrano, Luis Elorriaga, Isabel Corullón, Abdul Moimême, Ana Matey, Ángel Gutiérrez Valero, Mario Gutiérrez Cru, Pilar Duque, Rocío Robles Tardío, Luz Prado, Rubén Turba, Enrique Zaccagnini, Chema Chacón, Paloma Carrasco, Ricardo Tejero, Juan Cepas y, cómo no, el propio Matthews. Este elenco de músicos, investigadores, gestores culturales y aficionados a las músicas improvisadas representa a todas esas generaciones que, a lo largo de las décadas, han compartido escenario, reflexiones y experiencias con el protagonista de esta edición de Ars Sonora. La emisión se entreteje con fragmentos del disco "Trust from Intimacy", editado en octubre de 2025 por el sello escocés scatterArchive, con sede en Glasgow. Esta discográfica, activa desde 1994, se ha especializado en la documentación de músicas improvisadas y experimentales bajo la filosofía del "pay what you can afford" ("paga lo que puedas permitirte"), democratizando así el acceso a propuestas sonoras que habitualmente circulan en circuitos muy especializados. El álbum fue grabado el 10 de noviembre de 2024 por Joaquim Monte en los Namouche Studios de Lisboa, y posteriormente mezclado y masterizado por Abdul Moimême. "Trust from Intimacy" documenta el encuentro de tres improvisadores cuyas trayectorias reflejan diferentes aproximaciones al arte sonoro contemporáneo. El disco consta de tres piezas: "Sonic Shelter", "The Quiet Edge" y "Looking Out", que exploran las posibilidades expresivas de la música de cámara electroacústica basada en la improvisación libre. La violinista malagueña Luz Prado aporta su violín, instrumento que aborda desde perspectivas tanto tradicionales como radicalmente experimentales. Abdul Moimême, guitarrista y arquitecto lisboeta, contribuye con guitarras preparadas, objetos diversos y sonidos electrónicos. Wade Matthews completa la formación con síntesis digital y grabaciones de campo manipuladas en tiempo real, técnicas que ha desarrollado a lo largo de décadas de investigación sobre las posibilidades expresivas de los medios electroacústicos. La música de Wade Matthews ha estado presente en Ars Sonora en diversas ocasiones. El 5 de mayo de 2012 le dedicamos un programa monográfico en el que presentamos un recorrido por sus trabajos recientes en colaboración con músicos como Luis Tabuenca, Carmel Raz, Ayélet Lerman y Alfredo Costa Monteiro. La obra de Matthews también sonó en el programa que dedicamos, el 27 de junio de 2009, al libro de Montserrat Palacios y Llorenç Barber "La mosca tras la oreja". Por otra parte, el 27 de abril de 2013 participó en un programa sobre la improvisación libre, en el cual conversamos también con Chefa Alonso y con Josep Lluís Galiana, autores de sendos libros que presentábamos en la librería madrileña El Argonauta, especializada en música. Más recientemente, su pieza "A Brief Explanation", de 2002, fue incluida en el vigésimo capítulo de "Relatos del ruido", programa que celebraba el veinte aniversario de la muestra internacional de arte sonoro IN-SONORA, dentro de la cual Matthews ha sido una presencia constante. Todas estas emisiones están fácilmente disponibles, por supuesto, a través del podcast de Ars Sonora. Escuchar audio

    1 h
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Valoraciones y reseñas

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Los contenidos del programa están abiertos al Arte Sonoro, en las vertientes de poesía sonora, instalaciones sonoras, performances y radio arte, así como a la Música Electroacústica.

Ficha técnica

  • Creado por
    Radio Clásica
  • Años en activo
    2009 - 2025
  • Episodios
    21
  • Clasificación
    Apto
  • Sitio web del podcast
    Ars sonora

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