PuroJazz

Roberto Barahona
  • 5.0 (2)
  • Comentarios musicales
  • Diarias

¡Bienvenidos a Puro Jazz! Podcast del programa PuroJazz que dirige y presenta Roberto Barahona para Radio Beethoven de Santiago de Chile El programa Puro Jazz se ha trasladado a Substack.com, una plataforma que nos permitirá ofrecer una experiencia más completa e interactiva. El acceso sigue siendo el mismo: puedes ingresar como siempre a través de purojazz.com, donde encontrarás los nuevos contenidos y enlaces actualizados. En Substack contaremos con herramientas mejoradas para comunicación, suscripción y contacto, lo que facilitará aún más el acceso a las transmisiones, lecturas y novedades de Puro Jazz. Para quienes nos seguían en Facebook o Instagram, esta nueva plataforma permitirá continuar ese valioso intercambio de ideas, experiencias e incluso imágenes en un solo lugar. Y para los que simplemente disfrutan de la música, pueden estar tranquilos: nada cambiará. La esencia y el espíritu de Puro Jazz seguirán siendo los mismos. rbarahona.substack.com

  1. hace 20 h

    Puro Jazz 02 de noviembre, 2026

    1. GERRY MULLIGAN Y CHET BAKER (1952–1953) - PHIL TURETSKY’S HOUSE, Los Angeles, August 29, 1952 - Bernie’s tune, Utter chaos - Chet Baker (tp) Gerry Mulligan (bar,arr) Bob Whitlock (b) Chico Hamilton (d) LIVE “THE HAIG”, Los Angeles, August, 1952 - Get happy - Chet Baker (tp) Gerry Mulligan (bar,arr) Bob Whitlock (b) Chico Hamilton (d) - BLACK HAWK, San Francisco, CA, September 2, 1952 - Line for Lyons, My funny Valentine - Chet Baker (tp) Gerry Mulligan (bar,arr) Carson Smith (b) Chico Hamilton (d) Cuando Gerry Mulligan llegó a California, a comienzos de 1952, las cosas no parecían especialmente prometedoras. Tenía poco trabajo y era conocido principalmente por sus arreglos, más que por su talento como saxofonista. Sin embargo, Los Ángeles fue el escenario de una de las etapas más importantes de su carrera. Comenzó escribiendo arreglos para la orquesta de Stan Kenton y pronto se incorporó a las jam sessions del Lighthouse, en Hermosa Beach. También participaba en las sesiones del Haig, uno de los clubes donde se reunían los músicos de jazz de Los Ángeles. Fue donde conoció al joven trompetista Chet Baker, cuyo sonido delicado y manera de tocar le llamaron su atención. De esos encuentros nació una idea que parecía arriesgada: formar un cuarteto sin piano, dejando que la trompeta y el saxofón barítono construyeran juntos las melodías y armonías. Así nació el primer cuarteto sin piano de Mulligan, integrado por Chet Baker en trompeta, Bob Whitlock en contrabajo y Chico Hamilton en batería. La ausencia del piano no respondía simplemente a una cuestión práctica. Mulligan buscaba mayor libertad para desarrollar las melodías, evitando que un instrumento fijara permanentemente la armonía. El sonido cálido y contenido de Baker contrastaba con el registro grave del barítono de Mulligan. Ambos intercambiaban frases, se acompañaban mutuamente y construían melodías que parecían surgir de una conversación espontánea. Era música ligera, abierta y extraordinariamente fluida. Las primeras grabaciones se hicieron en la casa del ingeniero Phil Turetsky con una grabadora Ampex y un solo micrófono y los músicos tocaban sin amplificación. En pocos meses, el cuarteto se convirtió en una de las grandes atracciones del jazz de la Costa Oeste. Aunque el grupo suele asociarse con el llamado jazz de la Costa Oeste, su música conservaba una clara relación con el swing y la improvisación colectiva. 2. GERRY MULLIGAN Y BOB BROOKMEYER (1954–1957) - THE PARIS CONCERT, “Salle Pleyel”, Paris, June 5-7, 1954 - Walkin’ shoes, Moonlight in Vermont, The lady is a tramp - Bob Brookmeyer (v-tb) Gerry Mulligan (bar,p) Red Mitchell (b) Frank Isola (d) - NEWPORT JAZZ FESTIVAL, Newport, Rhode Island, July 6, 1958 - Blueport - Art Farmer (tp) Gerry Mulligan (bar) Bill Crow (b) Dave Bailey (d) - AT STORYVILLE, Boston, December 1-6, 1956 - I can’t get started - Bob Brookmeyer (v-tb,p-2) Gerry Mulligan (bar,p-1) Bill Crow (b) Dave Bailey (d) La extraordinaria asociación entre Gerry Mulligan y Chet Baker terminó abruptamente en 1953, cuando Mulligan fue encarcelado por posesión de heroína. Al recuperar su libertad, Baker ya había comenzado su propia carrera y no lograron reanudar su colaboración. Mulligan encontró entonces en Bob Brookmeyer como su compañero musical, dando comienzo a otra etapa de sus célebres cuartetos sin piano. Brookmeyer era un músico de considerable talento, que además era pianista, compositor y arreglista. Tocaba el trombón de válvulas, un instrumento menos frecuente que el trombón de vara, con un sonido cálido y una notable agilidad. Su encuentro con el saxofón barítono de Mulligan produjo una combinación poco habitual, ya que ambos instrumentos se desenvolvían principalmente en registros medios y graves. A diferencia de la delicadeza que caracterizaba al cuarteto con Baker, esta formación desarrolló una música de mayor peso y cuerpo, con frecuentes intercambios melódicos. Brookmeyer era un improvisador ingenioso creando frases inesperadas sin perder nunca el sentido del swing. La colaboración entre Mulligan y tuvo varias interrupciones. La primera ocurrió en 1954, después de la gira europea. Brookmeyer regresó a Estados Unidos, aunque posteriormente volvió a trabajar con Mulligan, tanto en el sexteto como en el cuarteto. Hacia finales de la década, los intereses musicales de Brookmeyer comenzaron a tomar caminos diferentes y encontró nuevas posibilidades en el trío de Jimmy Giuffre, junto al guitarrista Jim Hall, una formación que también prescindía del piano, pero que exploraba una sonoridad muy distinta. La separación no fue definitiva. Ambos volverían a colaborar en numerosas ocasiones, especialmente en la Concert Jazz Band que Mulligan organizó en 1960. 3. GERRY MULLIGAN Y ART FARMER (1958–1959) - WHAT IS THERE TO SAY - New York, December, 1958 & January 15, 1959 - What is there to say ?, As catch can, Festive minor - Art Farmer (tp) Gerry Mulligan (bar) Bill Crow (b) Dave Bailey (d) - THE QUARTETS - Hollywood, CA, February, 1959 - News from blueport - Art Farmer (tp) Gerry Mulligan (bar) Bill Crow (b) Dave Bailey (d) En 1958, Gerry Mulligan invitó a Art Farmer a formar parte del cuarteto sin piano. La selección resultó ideal. Farmer era un trompetista de extraordinaria sensibilidad, capaz de combinar la precisión melódica con una improvisación serena y expresiva. Había desarrollado una importante trayectoria junto a figuras como Horace Silver y Gigi Gryce. Su estilo se distinguía por un sonido redondo, una gran claridad melódica y una manera de improvisar que privilegiaba la expresión por encima del virtuosismo. Esta versión del cuarteto la completaban el contrabajista Bill Crow y el baterista Dave Bailey. Aunque la combinación de trompeta y saxo barítono recordaba inevitablemente al primer cuarteto con Chet Baker, la música había adquirido una personalidad diferente. Farmer aportaba una mayor experiencia en el bebop y el hard bop. La música conservaba la ligereza de los primeros cuartetos, pero mostraba una mayor madurez en el diálogo entre los instrumentos. Con Farmer, Mulligan cerró una década de extraordinaria creatividad, demostrando una vez más que la ausencia del piano, lejos de ser una limitación, podía convertirse en una fuente permanente de posibilidades musicales. Poco después se estableció en Nueva York donde comenzó su primera big band La Gerry Mulligan Concert Band. “What Is There to Say?”, grabado entre diciembre de 1958 y enero de 1959, es uno de los mejores testimonios de esta etapa. En él se aprecia la naturalidad con que Farmer y Mulligan intercambian ideas, apoyados por una sección rítmica que acompaña sin imponerse. Tambien un segmento de “The Quartets” album grabado en Hollywood en febrero de 1959. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

  2. hace 3 días

    Puro Jazz 30 de octubre, 2026

    FRANCISCO MELA CARNAVAL DE ORIENTE - New York, August 17, 2021 Carnaval De Oriente - Yo soy el tambor/Deja que hablen, Lengua del tambor - Francisco Mela (d,glockenspiel,g,perc,voice) El baterista y compositor cubano Francisco acaba de lanzar su disco “Carnaval de Oriente”, su primera grabación en solitario, un proyecto profundamente personal que recupera recuerdos de su infancia en Santiago de Cuba. Durante más de treinta años, Mela ha desarrollado una destacada carrera junto a músicos como McCoy Tyner, Joe Lovano, Kenny Barron, John Scofield y Chucho Valdés. Sin embargo, en esta ocasión deja de lado las colaboraciones para concentrarse en su propia música. El título hace referencia al tradicional Carnaval de Santiago de Cuba, una celebración que Mela recuerda como parte fundamental de su niñez, cuando la música reunía a familiares, amigos y vecinos. Pero el disco no pretende reproducir los sonidos de esas fiestas. Mela usa esos recuerdos para expresar sentimientos relacionados con su familia, el paso del tiempo y las personas que ya no están. Además de la batería y las percusiones, toca guitarra y glockenspiel e incorpora su propia voz. Alterna canciones originales con improvisaciones vocales inspiradas en la tradición cubana. “Carnaval de Oriente” es una faceta distinta de Francisco Mela, más íntima y alejada de los formatos habituales del jazz. MICHAEL BLAKE HALLOWEEN TALES - Maggie’s Farm, PA, January 13, 2026 - Halloween theme, Stalking monster, Witchcraft, Anatomy of a murder - Michael Blake (ts,sop) Gary Versace (p) Ben Allison (b) Michael Sarin (d) El saxofonista y compositor Michael Blake en su álbum “Halloween Tales”, toma como punto de partida la música asociada con la tradicional celebración del 31 de octubre. En lugar de reproducir estas melodías de manera convencional, Blake las lleva al terreno del jazz, acompañado por tres músicos con quienes ha compartido numerosos proyectos a lo largo de su carrera. Gary Versace en piano, Ben Allison en contrabajo y Michael Sarin en batería. Blake alterna entre los saxofones tenor y soprano. La relación entre estos músicos viene de muchos años atrás. Blake y Allison comenzaron a trabajar juntos a fines de los años ochenta y posteriormente participaron en el Jazz Composers Collective. Sarin también ha colaborado extensamente con Allison, mientras que Versace ha compartido escenarios y giras con Blake. SAMUEL BLASER QUARTET ROSINA - South Orange, NJ, September 27 & 28, 2024 & March 2025 - Adagio, Scherzo, Mysteriously - Samuel Blaser (tb) Russ Lossing (p) Masa Kamaguchi (b) Billy Mintz (d) El trombonista suizo Samuel Blaser en su nuevo disco “Rosina”, presenta ocho composiciones originales inspirado en las raíces italianas de su familia, particularmente en la región de Emilia-Romaña, de donde provenía su abuela materna. El proyecto comenzó cuando Blaser exploraba las grabaciones de música tradicional realizadas por el investigador estadounidense Alan Lomax. Entre ellas encontró canciones populares del norte de Italia que despertaron su curiosidad y lo llevaron a profundizar en su historia familiar. Para esta grabación reunió a tres músicos con quienes mantiene una larga relación: el pianista Russ Lossing, el contrabajista Masa Kamaguchi y el baterista Billy Mintz. Blaser y Lossing comenzaron a colaborar en una sesión de 2010 junto al baterista Paul Motian, mientras que su relación musical con Mintz se remonta a años anteriores. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

  3. hace 4 días

    Puro Jazz 29 de octubre, 2026

    RUSS LOSSING MOTIAN MUSIC - Hampton, NJ, c. 2018 - Abacus, Fiasco, Asia, Dance - Russ Lossing (p) Masa Kamaguchi (b) Billy Mintz (d) El pianista Russ Lossing mantuvo una estrecha relación musical con Paul Motian, uno de los bateristas y compositores más originales del jazz moderno. Durante años colaboraron en distintos proyectos, y Lossing llegó incluso a participar en la preparación de algunas de sus composiciones. Motian, falleció en 2011, dejó más de cien obras, muchas de ellas con melodías sencillas y atractivas, pero con estructuras rítmicas poco convencionales. En Motian Music, Lossing vuelve a visitar ese repertorio, acompañado por el contrabajista Masa Kamaguchi y el baterista Billy Mintz, sus compañeros de trío durante más de veinte años. El disco reúne diez composiciones de Motian, la grabación se realizó con todos tocando juntos en una misma sala, y cada pieza quedó registrada en una sola toma. Lossing no pretende reproducir las interpretaciones originales, sino acercarse a estas composiciones desde su propia experiencia. El resultado es un homenaje cálido y personal a un músico que dejó una profunda huella en el jazz contemporáneo. CHARLIE HADEN/CHET BAKER SILENCE - Rome, Italy, November 11 & 12, 1987 - Silence, Visa, My funny Valentine - Chet Baker (tp) Enrico Pieranunzi (p) Charlie Haden (b) Billy Higgins (d) En noviembre de 1987, cuatro grandes músicos se reunieron en Roma para grabar Silence: el contrabajista Charlie Haden, el trompetista Chet Baker, el pianista italiano Enrico Pieranunzi y el baterista Billy Higgins. La sesión tuvo lugar apenas seis meses antes de la muerte de Baker, y constituye uno de los últimos testimonios de su extraordinaria capacidad para expresar emociones a través de la trompeta. La composición que da título al álbum, escrita por Haden, es una melodía pausada y melancólica, particularmente apropiada para el sonido íntimo de Baker. Pieranunzi aporta un acompañamiento delicado, mientras Higgins, antiguo compañero de Haden en los grupos de Ornette Coleman, mantiene un ritmo discreto y elegante. CHICO HAMILTON SEXTET ELLINGTON SUITE - Los Angeles, January 9 & 12, 1959 - In a sentimental mood, Day dream, It don’t mean a thing - Buddy Collette (fl,as,ts) Paul Horn (fl,cl,as) Fred Katz (cello) Jim Hall (g) Carson Smith (b) Chico Hamilton (d) El baterista Chico Hamilton fue uno de los músicos más originales del jazz de la Costa Oeste durante la década de 1950. Después de trabajar con Lester Young, Gerry Mulligan y Lena Horne, formó su propio quinteto, cuya particularidad era incluir un violonchelo, instrumento poco habitual en los pequeños conjuntos de jazz de aquella época. En enero de 1959, Hamilton invitó a varios integrantes de sus primeras agrupaciones para grabar Ellington Suite, un disco dedicado a las composiciones de Duke Ellington y Billy Strayhorn. Participaron los saxofonistas y flautistas Buddy Collette y Paul Horn, el guitarrista Jim Hall, el violonchelista Fred Katz y el contrabajista Carson Smith. El violonchelo y la guitarra, junto con los instrumentos de viento, proporcionan al conjunto un sonido muy particular. Hamilton mantiene una base rítmica ligera, pero muy movida. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

  4. hace 5 días

    Puro Jazz 27 de octubre, 2026

    HENRY “RED” ALLEN - New York, September 24, 1929 - Funny feathers blues (vs vcl), How do they do it that way ? (vs vcl) - Henry “Red” Allen (tp,vcl) J.C. Higginbotham (tb) Albert Nicholas (cl) Charlie Holmes (sop,cl,as) Teddy Hill (ts,cl) Luis Russell (p,celeste) Will Johnson (g,bj,vcl) Pops Foster (b) Paul Barbarin (d,vib) Victoria Spivey (vcl) - New York, February 18, 1930 - Sugar Hill function - Henry “Red” Allen (tp,vcl) Otis Johnson (tp-1) J.C. Higginbotham (tb) William Thornton Blue, Charlie Holmes (cl,as) Teddy Hill (cl,ts) Luis Russell (p,arr) Will Johnson (bj,g,vcl) Pops Foster (b) Paul Barbarin (d) Henry “Red” Allen nació en 1908 en Nueva Orleans. Su familia estaba estrechamente vinculada al jazz. Su padre dirigía una banda de bronces y fue precisamente en sus desfiles donde Red comenzó a tocar la trompeta. Más adelante trabajó en los barcos del río Mississippi y pasó brevemente por la orquesta de King Oliver. En 1929 se estableció en Nueva York, donde comenzó a grabar bajo su propio nombre. Durante los años siguientes fue solista destacado de las grandes bandas de Fletcher Henderson y Mills Blue Rhythm Band. También participó en grabaciones con Billie Holiday y Jelly Roll Morton. Allen tenía un estilo muy personal, se distinguía por un fraseo imprevisible, lleno de cambios de ritmo, silencios inesperados y una expresividad que lo alejaba de los esquemas habituales. También cantaba, con una voz áspera y un sentido del humor muy particular. Durante los años cuarenta dirigió pequeños conjuntos que combinaban el swing con elementos que anticipaban el rhythm and blues. Más adelante se concentró en el jazz tradicional, especialmente en el club Metropole de Nueva York, donde actuó durante más de una década. Aunque sus raíces estaban en Nueva Orleans, Red Allen nunca dejó de buscar nuevas maneras de interpretar aquella música. BUDDY TATE & HIS ORCHESTRA JUMPIN’ ON THE WEST COAST - Los Angeles, December 6, 1947 - Vine Street breakdown, The things you done for me baby (1) - Emmett Berry (tp) Ted Donnelly (tb) Charles Q. Price (as,vcl-1) Buddy Tate (ts) Bill Doggett (p) Louis Speiginer (g) Billy Hadnott (b) Chico Hamilton (d) Jimmy Witherspoon (vcl-2) Eddy Fullylove (vcl) - Los Angeles, December 28, 1947 - Kansas City local, Six foot two blues (2), Blue and sentimental (3) Benny Booker (b) replaces Billy Hadnott El saxofonista tenor Buddy Tate nació en Sherman, Texas, en 1915. Comenzó tocando el saxo alto a los once años, pero pronto se decidió por el tenor, instrumento con el que desarrollaría una larga carrera dentro del swing. Durante sus primeros años trabajó con distintas orquestas del sur de Estados Unidos, entre ellas la de Andy Kirk. En 1939 ingresó a la orquesta de Count Basie para ocupar el puesto que había dejado Herschel Evans, fallecido poco antes. Tate permaneció con Basie hasta 1948, compartiendo la sección de saxofones con músicos como Lester Young, Don Byas y Lucky Thompson. Su sonido era robusto, cálido y directo, muy representativo de la tradición de los saxofonistas de Texas. Tenía una manera de tocar especialmente rítmica, con frases sencillas y expresivas, siempre apoyadas en el blues. Después de dejar a Basie trabajó con Hot Lips Page y Jimmy Rushing, antes de formar su propio conjunto. Durante más de veinte años mantuvo una actuación regular en el Celebrity Club de Nueva York, una residencia poco común que le permitió desarrollar un estilo muy reconocible. LAWRENCE BROWN’S ALL STARS INSPIRED ABANDON - New York, March 8, 1965 - Mood indigo (1, Nance, Brown, Procope, Hodges, p,b,d only), Good Queen Bess, Jeep’s blues - Ray Nance (cnt) Cat Anderson (tp) Lawrence Brown, Buster Cooper (tb) Jimmy Hamilton (cl) Russell Procope (as,cl) Johnny Hodges (as) Paul Gonsalves, Harold Ashby (ts) Jimmy Jones (p) Richard Davis (b) Gus Johnson (d) Johnny Hodges, Jr. (d-1) replaces Johnson Lawrence Brown nació en Kansas en 1907 y creció en California. Antes de dedicarse al trombón estudió piano, violín y tuba. También cursó estudios de medicina, aunque finalmente optó por una carrera musical que lo llevaría a convertirse en uno de los grandes trombonistas del jazz. Después de trabajar con distintas orquestas de Los Ángeles, entre ellas la de Paul Howard, tuvo la oportunidad de grabar con Louis Armstrong. En 1932 se incorporó a la orquesta de Duke Ellington, donde permanecería durante casi dos décadas. Brown aportó un sonido muy diferente al de los otros trombonistas de Ellington. Mientras Tricky Sam Nanton utilizaba efectos de sordina y Juan Tizol se distinguía por su precisión, Brown prefería un sonido abierto, elegante y de gran fluidez. Su dominio técnico le permitía interpretar pasajes difíciles con aparente facilidad, pero sin perder nunca el sentido del swing. En 1951 dejó la orquesta para incorporarse al pequeño conjunto de Johnny Hodges. Después de algunos años como músico independiente, regresó con Ellington en 1960 y permaneció hasta 1970. A pesar de su larga trayectoria, grabó solamente dos álbumes como director: Slide Trombone e Inspired Abandon. JOE MARSALA - AND HIS CHICAGOANS - New York, April 21, 1937 - Wolverine blues, Jazz me blues, Clarinet marmalade - Marty Marsala (tp) Joe Marsala (cl) Ray “Remo” Biondi (vln) Joe Bushkin (p) Adele Girard (harp) Eddie Condon (g) Artie Shapiro (b) Danny Alvin (d) - CHICAGOANS - New York, March 16, 1938 - Mighty like the blues (lh vcl), Woo woo (jlm,band vcl), Hot string beans - Marty Marsala (tp) Joe Marsala (cl) Joe Bushkin (p) Jack LeMaire (g,vcl) Ray “Remo” Biondi (vln) Adele Girard (harp) Artie Shapiro (b) Buddy Rich (d) Lou Hurst (vcl) Nacido en Chicago en 1907, Joe Marsala fue un clarinetista, compositor y director de pequeños conjuntos, cuya carrera estuvo estrechamente vinculada al jazz tradicional y al swing. Su formación musical fue principalmente autodidacta. Durante los años veinte, con su hermano el trompetista Marty, frecuentaban los clubes del sur de Chicago, donde escuchaban a los músicos de Nueva Orleans que estaban dando forma al jazz. Esa experiencia fue fundamental en el desarrollo de su estilo. En 1933 se trasladó a Nueva York, contratado por el trompetista Wingy Manone. Tres años después comenzó la etapa más importante de su carrera, cuando asumió la dirección de un conjunto que actuaba en el Hickory House, un conocido local de la calle 52. Marsala permaneció allí durante una década. Aunque desarrolló su actividad en plena era de las grandes orquestas, prefería los grupos de seis o siete músicos, que ofrecían mayor libertad para la improvisación y permitían destacar la personalidad de cada instrumentista. La aparición del bebop durante los años cuarenta no despertó demasiado entusiasmo en Marsala, que se mantuvo fiel al jazz tradicional y al swing. Hacia 1949 comenzó a dedicar una parte importante de su actividad a la composición de canciones populares, alejándose progresivamente de los escenarios. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

  5. hace 5 días

    Puro Jazz 28 de octubre, 2026

    DANNY D’IMPERIO BLUES FOR PHILLY JOE - Saylorsburg, PA, September 5 & 6, 1991 - Dee Dee’s dance, Blues for Philly Joe (1) - Greg Gisbert (tp) Gary Pribek (as) Ralph Lalama (ts) Hod O’Brien (p) Steve Brown (g-1) Dave Shapiro (b) Danny D’Imperio (d) El baterista Danny D’Imperio nació en 1945 en Sidney, Nueva York, en una familia de músicos. Comenzó tocando otros instrumentos, pero la influencia de Louie Bellson lo llevó a dedicarse a la batería. A lo largo de su carrera participó en importantes orquestas y desarrolló un especial interés por recuperar composiciones poco conocidas del bebop y el hard bop. En septiembre de 1991 grabó Blues for Philly Joe, su cuarto álbum como líder, acompañado por un septeto integrado por Greg Gisbert en trompeta, Gary Pribek en saxo alto, Ralph Lalama en tenor, Hod O’Brien en piano, Steve Brown en guitarra y Dave Shapiro en contrabajo. El disco es un tributo al gran baterista Philly Joe Jones, una de las figuras fundamentales del hard bop. El repertorio reúne composiciones que rara vez aparecen en las grabaciones habituales de este estilo. Como “Tribute to Brownie” y “Time Off”. LARRY GOLDINGS I WILL - Sam First in Los Angeles, CA., October 8, 2023 and April 11, 2024 - Roach, Mambo Inn - Larry Goldings (p) Karl McComas-Reichl (b) Christian Euman (dr) Larry Goldings es conocido principalmente como uno de los grandes organistas del jazz contemporáneo. Durante más de treinta años ha mantenido un trío con el guitarrista Peter Bernstein y el baterista Bill Stewart, una de las agrupaciones más reconocidas dentro de ese formato. Sin embargo, Goldings también es un excelente pianista, una faceta menos conocida de su carrera. En I Will lo encontramos precisamente en el piano, acompañado por Karl McComas-Reichl en contrabajo y Christian Euman en batería. El álbum fue grabado en vivo durante dos noches, en octubre de 2023 y abril de 2024, en el club Sam First aquí en Los Ángeles, ciudad donde Goldings reside desde 2001. Goldings demuestra una notable facilidad para moverse entre distintos estilos. Sus improvisaciones son imaginativas, con un fraseo claro y una estrecha comunicación con el contrabajo y la batería. I Will ofrece una excelente oportunidad para conocer otra dimensión de su talento musical. MANHATTAN JAZZ QUINTET MANTECA - LIVE “SWEET BASIL”, New York, January 24 & 25, 1992 - Stella by starlight, Manteca - Lew Soloff (tp) George Young (ts) David Matthews (p,arr) Eddie Gomez (b) Peter Erskine (d) El Manhattan Jazz Quintet se formó en Nueva York en 1983, por iniciativa de la revista japonesa Swing Journal y el sello King Records. Su propuesta consistía en reunir a destacados músicos estadounidenses para interpretar un repertorio de jazz moderno, con especial atención al bebop y al hard bop. Desde sus primeras grabaciones, el conjunto encontró una excelente acogida en Japón. En enero de 1992, el quinteto se presentó en el club Sweet Basil de Nueva York, donde grabó en vivo el álbum Manteca. La formación en esa ocasión incluyó a Lew Soloff en trompeta, George Young en saxo tenor, David Matthews en piano y arreglos, Eddie Gómez en contrabajo y Peter Erskine en batería. Los arreglos de Matthews aprovechan muy bien la combinación de trompeta y saxo tenor. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

  6. 27 oct

    Puro Jazz 26 de octubre, 2026

    URI CAINE SPHERE MUSIC - New York, April & May 1992 - When the word is given (1,3,4), We see (4) - Graham Haynes (cnt-1) Don Byron (cl-2) Gary Thomas (ts-3) Uri Caine (p) Kenny Davis (b) Anthony Cox (b-4) Ralph Peterson (d) El pianista Uri Caine inició su carrera acompañando a importantes figuras del jazz como Philly Joe Jones, Hank Mobley, Johnny Coles y Grover Washington. Paralelamente, estudió composición en la Universidad de Pensilvania con George Rochberg y George Crumb fueron dos de las figuras más influyentes de la música clásica contemporánea en Estados Unidos durante la segunda mitad del siglo, una formación que contribuyó a ampliar sus intereses musicales. En 1992 grabó Sphere Music, su primer disco como líder, dedicado en buena medida a la música Monk. Las utiliza como punto de partida para desarrollar sus propias ideas, combinando elementos del jazz moderno con influencias de la música clásica y de la tradición judía. Una de las piezas más interesantes es su interpretación de “’Round Midnight”, en la que participa el clarinetista Don Byron. Ambos ofrecen una lectura personal de esta conocida composición, conservando su carácter melódico, pero introduciendo cambios de armonía y ritmo. En contraste, “Jelly” presenta una faceta más experimental, con pasajes de gran intensidad y una mayor libertad en la improvisación. Sphere Music permite conocer los primeros pasos de un músico que posteriormente llamaría la atención por sus originales adaptaciones de obras de Gustav Mahler y otros compositores clásicos. AARON DIEHL THE VAGABOND - New York, February 4 & 6, 2019 - The vagabond, Kaleidoscope Road, March from ten pieces for piano, A story often told, seldom heard - Aaron Diehl (p) Paul Sikivie (b) Gregory Hutchinson (d) En The Vagabond, el pianista Aaron Diehl se presenta con un trío integrado por el contrabajista Paul Sikivie y el baterista Gregory Hutchinson. Diehl es un pianista cuyas melodías suelen tomar caminos inesperados, con pequeños cambios de dirección que mantienen el interés sin perder la naturalidad. El repertorio incluye música de John Lewis, Philip Glass y Sergei Prokofiev, interpretada con una libertad que permite apreciar las conexiones entre distintas tradiciones. En “Polaris”, la pieza que abre el álbum, los tres músicos desarrollan un juego rítmico de gran precisión. La composición que da título al disco, “The Vagabond”, ofrece otro ejemplo de su manera de combinar melodías delicadas con armonías más complejas. A lo largo del disco, Sikivie y Hutchinson acompañan con discreción en un trío equilibrado, elegante y lleno de pequeños detalles. JEROME SABBAGH STAND UP! - New York, November 7, 2024 - Lone Jack (for Ray Charles and Pete Rende), High falls (for Meaghan Glennon), Vanguard (for Paul Motian), Unbowed (for Kenny Barron) - Jerome Sabbagh (ts,comp) Ben Monder (g) Joe Martin (b) Nasheet Waits (d) El saxofonista francés Jerome Sabbagh lleva cerca de treinta años desarrollando su carrera en Nueva York, donde ha consolidado una voz propia dentro del jazz contemporáneo. Su álbum Stand Up! muestra a un músico que combina la tradición del jazz con una manera muy personal de escribir e interpretar sus composiciones que tienen una fuerte base melódica, con influencias del blues y, en algunos momentos, ciertos rasgos de la música country. Son piezas que dejan espacio para la improvisación, sin perder nunca de vista la melodía original. Sabbagh puede tocar con gran intensidad, pero también sabe mantener un tono cálido y contenido. Monder responde con una guitarra de sonido amplio, alternando entre su discreto acompañamiento o sólidas improvisaciones. Uno de sus principales colaboradores es el guitarrista Ben Monder, cuya participación resulta fundamental para el sonido del grupo. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

  7. 24 oct

    Puro Jazz 23 de octubre, 2026

    THE PHOENIX TRIO TOMORROW IS TODAY - “Ornithology”, Brooklyn, NY, March 23 & 24, 2025 - 1946, Safe - Mark Turner (ts) Joe Martin (b) Marcus Gilmore (d) El saxofonista tenor Mark Turner, el contrabajista Joe Martin y el baterista Marcus Gilmore forman The Phoenix Trio. Turner y Martin se conocen desde los años noventa, cuando comenzaron a coincidir en la escena neoyorquina, y posteriormente trabajaron juntos en el grupo del guitarrista Kurt Rosenwinkel. Su álbum Tomorrow Is Today, de composiciones originales, fue grabado en vivo en Brooklyn en marzo de 2025. En varios temas, Martin establece una figura repetitiva en el contrabajo, sobre la cual Gilmore introduce sutiles variaciones rítmicas. Turner se incorpora con frases melódicas que se extienden y transforman, mientras el contrabajo abandona ocasionalmente su función de acompañamiento para desarrollar líneas independientes. La música tiene un carácter espontáneo, casi de conversación. Los músicos proponen ideas, las modifican y responden a lo que escuchan de sus compañeros. No hay necesidad de llenar todos los espacios: los silencios también forman parte del diálogo. MATT ULERY IN THE IVORY - Chicago, IL, December 2013 & January 2014 - There’s a reason and a thousand ways, Black squirrel - Timothy Munro (alto-fl) Michael J. Maccaferri (cl) Gregory Beyer (vib,mar,berimbau,maracas) Rob Clearfield (p) Yvonne Lam, Zach Brook (vln) Dominic Johnson (viola) Nicholas Photinos (cello) Matt Ulery (b) Jon Deitemyer (d,perc,cymb) El contrabajista y compositor Matt Ulery presenta en In the Ivory una obra ambiciosa que combina elementos del jazz, la música de cámara contemporánea y el minimalismo. Para realizarla, amplió su trío habitual con integrantes del conjunto Eighth Blackbird, instrumentos de viento, cuerdas y dos cantantes. Ulery tiene una marcada inclinación por las composiciones extensas y cuidadosamente elaboradas. Sus melodías evocan a menudo imágenes cinematográficas, con paisajes abiertos y escenas que parecen desarrollarse lentamente. El álbum contiene catorce piezas en las que los distintos instrumentos se incorporan progresivamente, modificando el carácter de la música. En “Gave Proof”, por ejemplo, pequeñas figuras melódicas se repiten con ligeras variaciones, mientras clarinetes, flautas y cuerdas van enriqueciendo el conjunto. La influencia del compositor Philip Glass aparece en algunos pasajes, aunque Ulery evita que la repetición domine sus composiciones. Las voces de Grazyna Auguscik y Sarah Marie Young aportan otra dimensión a esta música. MATTHIEU MAZUÉ MONOLITHS AND SCREENS FOR QUARTET - Bellmund, Switzerland fecha de grabación no disponible. Publicado en mayo de 2025. - Monolith: Twelve Stones (to Gather), à propos de la matière, Screens: Le regard dans le vide - Matthieu Mazué (p) Michaël Attias (sa) Xaver Rüegg (b) Michael Cina (dr) El pianista y compositor Matthieu Mazué presenta Monoliths and Screens for Quartet, -monolitos y pantallas para cuarteto- un proyecto que comenzó a tomar forma en 2022, cuando incorporó al saxofonista alto Michaël Attias a su trío con el contrabajista Xaver Rüegg y el baterista Michael Cina. El álbum incluye dos grupos de composiciones, Monoliths y Screens, que responden a distintas ideas del pianista. El primero nació de su interés por las grandes formaciones rocosas, que imaginó como una representación de su propio trabajo musical. Las piezas parten de materiales sencillos que se van modificando mediante la improvisación, hasta adquirir nuevas formas. Un ejemplo es “Monolith: Twelve Stones (to Gather)”, cuya melodía surgió espontáneamente durante una sesión al piano y fue desarrollada posteriormente. La segunda parte, Screens, toma como referencia las pantallas que forman parte de nuestra vida cotidiana. Mazué propone que estos objetos, además de mostrar imágenes, también pueden reflejar nuestra propia condición. La música combina pasajes escritos con amplios espacios de improvisación, permitiendo que cada integrante contribuya al desarrollo de las piezas. El resultado es un trabajo de jazz contemporáneo que combina la composición y la improvisación en un permanente intercambio de ideas. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

  8. 23 oct

    Puro Jazz 22 de octubre, 2026

    JULIETA EUGENIO JUMP - Brooklyn, NY, March 30, 2021 - Snowbirds, Jump, Crazy he calls me - Julieta Eugenio (ts) Matt Dwonszyk (b) Jonathan Barber (d) La saxofonista Julieta Eugenio comenzó su carrera musical en Argentina, su país natal, antes de trasladarse a Nueva York, donde ha desarrollado una voz propia como intérprete y compositora. En su primer álbum, Jump, publicado en marzo de 2022, lidera un trío con Matt Dwonszyk en contrabajo y Jonathan Barber en batería. El grupo comenzó a trabajar durante la pandemia, reuniéndose regularmente para desarrollar las composiciones de Eugenio. El álbum contiene ocho composiciones originales y dos estándares. Entre las primeras se encuentran «Tres», de carácter introspectivo, Los estándares «Flamingo» y «Crazy He Calls Me» permiten apreciar otra faceta de su interpretación, especialmente su sentido melódico y su manera de abordar las baladas. La ausencia de piano deja bastante espacio para el saxofón, pero también exige una participación más activa del contrabajo y la batería. Eugenio aprovecha esa libertad con un sonido firme y expresivo, mientras sus compañeros contribuyen constantemente al desarrollo de la música. THE BAD PLUS THE RITE OF SPRING - Union City, NJ, June, 2013 - Adoración de la tierra - Ethan Iverson (p) Reid Anderson (b,electronics) Dave King (d) En 1913, el estreno en París de “La consagración de la primavera” de Igor Stravinsky provocó uno de los mayores escándalos de la historia de la música. Sus ritmos violentos, armonías inesperadas y una coreografía que rompía con las tradiciones del ballet desconcertaron al público. El trío The Bad Plus, integrado por Ethan Iverson en piano, Reid Anderson en contrabajo y Dave King en batería, decidió el 2013 abordar esta monumental composición desde una perspectiva diferente. En lugar de intentar reproducir el sonido de una gran orquesta, adaptaron la obra completa a su propio lenguaje, tomando como punto de partida la versión para dos pianos preparada por Stravinsky. El resultado combina la intensidad de la partitura original con la libertad rítmica del jazz. Anderson incorpora algunos efectos electrónicos, mientras Iverson y King aprovechan los constantes cambios de ritmo para dar nueva vida a la música. MARCUS PRINTUP YOUNG BLOODS - November, 2014 - En route, Au privave - Marcus Printup (tp) Patrick Bartley (as) Coleman Hudges (tb) Allyn Johnson (p) Dezron Douglas (b) Ulysses Owens (d) El trompetista Marcus Printup ha sido miembro permanente de la Jazz at Lincoln Center Orchestra desde 1993. Su carrera tomó impulso cuando el pianista Marcus Roberts descubrió su talento mientras estudiaba en la Universidad del Norte de Florida. Printup ha trabajado con músicos como Betty Carter y Carl Allen, además de desarrollar una extensa trayectoria como solista. En Young Bloods, Printup devuelve parte de ese apoyo a una nueva generación de intérpretes. Para este sexteto reunió al saxofonista alto Patrick Bartley y al trombonista Coleman Hughes, quienes tenían apenas 21 y 18 años, respectivamente, cuando se realizó la grabación. Completan el grupo el pianista Allyn Johnson, el contrabajista Dezron Douglas y el baterista Ulysses Owens. Young Bloods se mantiene dentro de la tradición del hard bop, con buenos arreglos y una interesante combinación de juventud y experiencia. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

Ver todo (362)

Calificaciones y reseñas

5
de 5
2 calificaciones

Acerca de

¡Bienvenidos a Puro Jazz! Podcast del programa PuroJazz que dirige y presenta Roberto Barahona para Radio Beethoven de Santiago de Chile El programa Puro Jazz se ha trasladado a Substack.com, una plataforma que nos permitirá ofrecer una experiencia más completa e interactiva. El acceso sigue siendo el mismo: puedes ingresar como siempre a través de purojazz.com, donde encontrarás los nuevos contenidos y enlaces actualizados. En Substack contaremos con herramientas mejoradas para comunicación, suscripción y contacto, lo que facilitará aún más el acceso a las transmisiones, lecturas y novedades de Puro Jazz. Para quienes nos seguían en Facebook o Instagram, esta nueva plataforma permitirá continuar ese valioso intercambio de ideas, experiencias e incluso imágenes en un solo lugar. Y para los que simplemente disfrutan de la música, pueden estar tranquilos: nada cambiará. La esencia y el espíritu de Puro Jazz seguirán siendo los mismos. rbarahona.substack.com

Información

  • Creador
    Roberto Barahona
  • Años de actividad
    2020 - 2026
  • Episodios
    363
  • Clasificación
    Apto
  • Copyright
    © Roberto Barahona
  • Mostrar sitio web
    PuroJazz

También te podría interesar