Explorando Versiones

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Explorando versiones es un podcast musical creado por Locos por Incordiar. En cada capítulo abordaremos una canción mítica de la música contemporánea, presentando las versiones que se han hecho de ella a lo largo de la historia.

  1. 88 - EXPLORANDO VERSIONES: SINIESTRO TOTAL VERSIONES

    5 HR AGO

    88 - EXPLORANDO VERSIONES: SINIESTRO TOTAL VERSIONES

    Siniestro Total (capítulo 1) MIAMI VICE THEME: https://www.youtube.com/watch?v=dEjXPY9jOx8 En los 80, mientras que Madrid vivía obsesionada con la Movida, en Galicia estaba pasando algo bastante más interesante. Lejos del centralismo y con mucho sentido del humor, empezó a surgir una escena que mezclaba punk, cultura popular y gamberrismo sin complejos. De ese caldo de cultivo nació Siniestro Total: un grupo capaz de convertir cualquier pamplina en una canción de culto. Fue una nueva forma de mirar la vida con ironía, sarcasmo y humor absurdo. Y si algo hacían como nadie era coger canciones ajenas, pasarlas por la trituradora y sacarlas como si siempre hubieran sido suyas. Ya sabéis que soy muy fan, y era cuestión de tiempo dedicarles un programa. Soy Francisco, y esto es… Explorando Versiones de Siniestro Total (Volumen 1). THE LIFE AND SOUL OF THE PARTY — HOY VOY A ASESINARTE THE LIFE AND SOUL OF THE PARTY — PETULA CLARK The Life and Soul of the Party (Petula Clark): https://www.youtube.com/watch?v=9p2UarqccsY Para abrir este repaso nos remontaremos a 1964, cuando apareció la primera versión de The Life and Soul of the Party, lanzada por el trío vocal femenino británico The Debs. Un par de años más tarde la popularizó la también británica Petula Clark en su disco “My love” publicado en 1966. En aquellos años Petula era la reina del pop, y el tema se convirtió en un pequeño himno de fiestas de salón, con sofás de terciopelo y cócteles con sombrillita. Ella la cantaba con tal dulzura que te hacía querer comprarte un juego de té para servirlo con puntualidad británica a las cinco de la tarde. SINIESTRO TOTAL — HOY VOY A ASESINARTE Hoy voy a asesinarte - (¿Cuándo se come aquí? - 1982): https://www.youtube.com/watch?v=KAtqj-vLMwo Pero entonces llega Siniestro Total. En su debut ¿Cuándo se come aquí?, publicado en 1982, deciden que a esa melodía tan mona le falta un poco de sangre y convierten la idea de “ser el alma de la fiesta” en Hoy voy a asesinarte. Transforman la versión original en un monólogo punk sobre la infidelidad y los celos extremos. Pasan de tomar gin-tonic con el meñique levantado a un plan de asesinato como solución doméstica al problema de la cornamenta ósea del protagonista. La letra del tema es tan exagerada que el narrador acaba siendo un pobre tipo ridículo y no un villano. No tratan de justificar nada, mas bién poner en evidencia, desde el humor negro, una reacción tan desproporcionada como absurda. O TREN O TREN — ANDRÉS DO BARRO O tren (Andrés Do Barro): https://www.youtube.com/watch?v=Pyp3jylc9JE El siguiente tema que os traigo es: “O tren”, de Andrés do Barro, una de las canciones más emblemáticas de la música gallega. Este tema aparece en 1970 en el primer LP del cantante ferrolano titulado “Me llamo Andrés Lapique do Barro”, un disco histórico por ser la primera grabación en gallego que consiguió éxito comercial en plena dictadura, cuando cantar en tu lengua materna era casi un acto subversivo. “O tren” es su gran clásico: una mezcla de folk, música melancólica y una enorme carga simbólica. O TREN — SINIESTRO TOTAL Siniestro Total - O tren (El Regreso - 1983): https://www.youtube.com/watch?v=k-tn3CiHkIA ¿Y qué hace Siniestro en su segundo disco El Regreso, publicado en 1983? Pues lo que nadie esperaba: ¡ser respetuosos! Bueno, a su manera. No parodian la canción, pero le meten el motor de un AVE al tren de vapor original. Mantienen la melancolía pero la envuelven en una energía eléctrica que te hace querer pegar saltos dentro del vagón. Esta versión es un homenaje sin retintín, lo cual en Siniestro es casi una excentricidad. DO THE MUTILATION — OPERA TU FIMOSIS DO THE MUTILATION — THE REVILLOS Do the mutilation (The Revillos): https://www.youtube.com/watch?v=2DhKkQ37Sjg Los escoceses The Revillos eran unos bichos raros de la New Wave. Estética de serie B, peinados imposibles y un sonido que parecía sacado de un tebeo de ciencia ficción de los años 50. El tema "Do the Mutilation" aparece por primera vez en la cara B del single "Motorbike Beat" publicado en 1980. Y su letra juega con temas relacionados con monstruos de películas de serie B, ciencia ficción y mutilaciones de manera cómica. OPERA TU FIMOSIS — SINIESTRO TOTAL Siniestro Total - Opera tu fimosis (El Regreso - 1983): https://www.youtube.com/watch?v=5slEKyHR5x8 Pero Siniestro escuchó "mutilación" y pensó: Demasiado genérico, vamos a llevar esto al terreno de la cirugía. Y así nace "Opera tu fimosis". Es, probablemente, la canción más didáctica del punk español y consiguen que una intervención en una zona tan delicada suene como algo que quieras bailar en una boda. Aquí entras en la consulta de un médico charlatán que te recomienda operarte sin pensarlo demasiado, con un martillo en una mano y un serrucho en la otra, mientras tú le gritas que, por el bien de los dos, mejor no os hagáis daño mutuamente. De esto no tengo pruebas, pero tampoco dudas. SWEET HOME ALABAMA — MIÑA TERRA GALEGA SWEET HOME ALABAMA — LYNYRD SKYNYRD Sweet home Alabama (Lynyrd Skynyrd): https://www.youtube.com/watch?v=-35W_FWCT9Q “Sweet Home Alabama” es un clásico absoluto del rock sureño publicado por Lynyrd Skynyrd en 1974 en el álbum Second Helping. Guitarras limpias, orgullo local, identidad del sur de EE.UU., “Sweet Home Alabama” se convirtió en su canción más famosa y un himno cultural, que cualquier persona reconoce aunque nunca haya escuchado un disco de Lynyrd Skynyrd. Si queréis conocerlo con más detalle ya hicimos un podcast sobre este tema en Explorando Versiones. MIÑA TERRA GALEGA — SINIESTRO TOTAL Siniestro Total - Miña Terra Galega (Menos mal que nos queda Portugal - 1984): https://www.youtube.com/watch?v=FqocsS2KCIg Pero cuando Siniestro Total la reescriben como “Miña Terra Galega”, sucede algo especial: de pronto la canción deja de ser un homenaje al sur de EE.UU. y se convierte en una declaración de amor —y de humor— a Galicia, dejando en un segundo plano el tema original de Lynyrd Skynyrd. “Miña Terra Galega” no es una versión más, y se convirtió por derecho propio en el himno oficioso de Galicia. El tema aparece en el álbum “Menos mal que nos queda Portugal” publicado en el año 1984 siendo un acierto absoluto y una de las mayores apropiaciones culturales que se hayan hecho, y además bien hecha. ROCKAWAY BEACH — ROCK EN SAMIL ROCKAWAY BEACH — THE RAMONES Rockaway beach (The Ramones): https://www.youtube.com/watch?v=8Z1-R2LEuao “Rockaway Beach” es Ramones en estado puro: surf, velocidad, punk playero neoyorquino y olor a crema solar de gasolinera. Este tema aparece en uno de los grandes discos del punk: Rocket to Russia , publicado en 1977, donde se combina la velocidad ramoniana con un toque surfero y melodías más pulidas. ROCK EN SAMIL — SINIESTRO TOTAL Siniestro Total - Rock en Samil (Bailaré sobre tu tumba): https://www.youtube.com/watch?v=w3In9cQ723E ¿Qué hacen Siniestro? Muy fácil: cogen un mapamundi, lo pliegan a la mitad y teletransportan esa playa americana a la playa de Samil, en Vigo. Un cambio geográfico perfecto: de una orilla del Atlántico a la otra, pero mucho más cerca de casa. “Rock en Samil” aparece en el disco Bailaré sobre tu tumba, publicado en 1985, mantiene la velocidad, la simplicidad y el sabor playero, pero le añade ese toque cercano que lo convierte en un himno local, pero con ADN global. VAMOS MUY BIEN VAMOS MUY BIEN — OBÚS Vamos muy bien (Obús): https://www.youtube.com/watch?v=TbqTzvOPLDs “Vamos muy bien” seguramente sea uno de los temas más conocidos de la banda madrileña Obús. Apareció primero como single en 1981 y luego entró en el álbum “Poderoso como el trueno”, uno de los discos clave del heavy metal español. El tema se convirtió rápidamente en un clásico del rock duro con guitarras distorsionadas, actitud macarra y un espíritu ochentero al 200%. VAMOS MUY BIEN — SINIESTRO TOTAL Siniestro Total - Vamos muy bien (En beneficio de todos - 1990): https://www.youtube.com/watch?v=J4lg_Z1eFOw Cuando Siniestro la versionan en 1990 en su disco “En beneficio de todos”, mantienen esa energía y lo hacen con una fidelidad sorprendente… pero pasada por el filtro de la banda. La letra sigue siendo una oda al desfase, pero en boca de Siniestro suena más callejera. Es como si ambos grupos cantaran lo mismo pero con filosofías distintas. Y aun así, esta versión funciona de maravilla. HIGHWAY TO HELL — SOMOS SINIESTRO TOTAL HIGHWAY TO HELL — AC/DC Highway to Hell (AC/DC): https://www.youtube.com/watch?v=zi60ZrJj34M Highway to Hell: una de las canciones más icónicas del rock mundial y es literalmente un himno planetario. El tema da nombre al disco, que fue publicado en 1979, y sin duda marcó una era. Además es el último disco con Bon Scott, y probablemente uno de los más importantes de la historia del rock. Si no eres un extraterrestre que acaba de llegar a este planeta, poco más hay que explicar de esta canción. SOMOS SINIESTRO TOTAL — SINIESTRO TOTAL Siniestro Total - Somos Siniestro Total (En beneficio de todos): https://www.youtube.com/watch?v=mKqqOk2qhrI Pero aquí Siniestro Total no hacen una versión, sino una canción nueva apoyada en la base musical de AC/DC. “Somos Siniestro Total” es un autorretrato de la banda en la que cuelan en su letra grandes frases de sus temas más conocidos. Una autopresentación gamberra usando un clásico como plantilla. Pura genialidad. FOLLA CON ÉL — SINIESTRO TOTAL Siniestro Total - Folla con él (Me gusta como andas): https://www.youtube.com/watch?v=Ia_hD5dp5YI Pero no siempre tuvo ese título. De hecho, el título original fue “Folla con él”, aunque se ve que lo pensaron mejor y escribieron una letra más “seria”. No obstante, Julián H

    38 min
  2. 86 - EXPLORANDO VERSIONES: I SHOT THE SHERIFF

    6 FEB

    86 - EXPLORANDO VERSIONES: I SHOT THE SHERIFF

    "Yo maté al sheriff, pero al ayudante no maté" es una de las frases más icónicas de la música popular. Escrita por Bob Marley en 1973, esta canción no es solo un hit, es un duelo al sol por la justicia y una rebelión contra la opresión de Babylon. Hola, soy Francisco y hoy repasamos sus versiones más sorprendentes: “I shot the sheriff”. BOB MARLEY & THE WAILERS: https://youtu.be/bCAHC_BYMfM Incluida en el álbum Burnin', el sexto álbum de estudio, publicado en 1973 por Bob Marley & The Wailers, el tema es un reggae puro, con un ritmo pausado pero intenso. Como si de un Western moderno se tratara, la letra nos pone en la piel de un hombre que es acosado por el Sheriff John Brown. Según el narrador, Brown lo odiaba y siempre intentaba eliminarlo cada vez que éste plantaba una semilla, que se sobreentiende que de marihuana, pero en realidad se refiere a la libertad frente a Babylon. En la cultura rastafari, Babylon representa el sistema opresor y la autoridad corrupta. El sheriff funciona como metáfora de ese sistema y dispararle no es solo un acto violento, sino un acto simbólico de rebelión contra quienes temen que la gente piense por sí misma y sea libre. El clímax se produce cuando, al intentar abandonar la ciudad, el sheriff lo intercepta. Durante la confrontación, el protagonista dispara en defensa propia, dejando claro que el ayudante salió ileso. Asume su acción, pero insiste en que él no es un asesino. Tiempo después, Marley confesó que inicialmente la letra decía "I shot the police" (yo disparé a la policía), pero la cambió para evitar represalias por incitar al odio y personificó la crítica en la figura del Sheriff. ERIC CLAPTON: https://youtu.be/L0xLLPJ0bOw Tan solo un año después, en 1974, Eric Clapton lanzó su versión para el álbum “461 Ocean Boulevard”. Fue la que hizo que la canción fuera conocida masivamente, llegando al número 1 de la lista de Billboard e hizo que Marley se volviera masivamente conocido en todo el mundo. Con un sonido de rock suave con toques de blues y reggae hizo la canción más comercial. Irónicamente, Clapton no quería grabarla, pero su banda lo convenció. La grabación se realizó en Miami y, aunque Clapton sentía que su versión era casi una falta de respeto al original por lo suave que sonaba, terminó siendo el mayor éxito en solitario hasta ese momento. DEODATO: https://youtu.be/KbvgY8Ogl_w En 1976 el tema da un giro hacia el Jazz y la Fusión de la mano del arreglista brasileño Eumir Deodato que transforma el drama de Marley en una fiesta Disco / Funk. La canción aparece en el álbum “Very Together” y se trata de una versión instrumental cargada de sintetizadores espaciales y una sección de vientos que parece sacada de una banda sonora de persecuciones de los años 70. JACO PASTORIUS: https://youtu.be/4McCouCvMTg En 1986 Jaco Pastorius, el genio del bajo, lleva la canción a un terreno de improvisación pura. La utiliza para demostrar cómo un tema de tres acordes puede sostener una improvisación de jazz-fusión sorprendente. Se trata de una clase magistral donde Jaco Pastorius toca la línea melódica y el bajo al mismo tiempo, llevando el reggae a una complejidad técnica inaudita y convirtiéndola en una obra de arte compleja. WARREN G: https://youtu.be/nuJVHQ7D5UA A finales de los 90, el rapero Warren G sampleó la melodía de la versión de Eric Clapton para adaptarla a la cultura del rap de la costa oeste de Estados Unidos. No se trata de una versión literal del tema, sino una reinterpretación que mantiene el espíritu y nos habla de la supervivencia en las calles en los barrios de Long Beach. VOODOO GLOW SKULLS: https://youtu.be/zuDL9CiX36E El grupo Voodoo Glow Skulls hicieron una versión frenética para su disco Symbolic publicado en el año 2000. Aquí la canción se acelera a 200 pulsaciones por minuto. Mezclan la estructura del reggae con la agresividad del punk y es ideal para entender cómo la letra de Marley encaja perfectamente con la rabia del punk. MAD SIN: https://youtu.be/MSGkO27KD8w La banda alemana “Mad Sin” lleva el tema al terreno del Psychobilly. Aparece en el álbum “Teachin' The Goodies ...And More!” publicado en 2003. Con un contrabajo que suena como una locomotora y una voz cavernosa, transforman la historia del Sheriff en algo parecido a una película de terror de serie B. LEONOR ϞϞ (Yo Maté al Sheriff): https://youtu.be/mWZVJfE7hPM Ahora hablemos de algunas versiones en español. La primera es del grupo catalán Leonor ϟϟ, nos dejó esta versión cruda de punk en español ("Yo maté al sheriff"). Corta, directa y al grano. Esta versión aparece en el álbum “Maqueta Para Retrasados” publicada en 2013. LEONOR ϞϞ (Yo Maté al Sheriff): https://youtu.be/nco1UrPYU4k Un par de años después, 2015 hacen una nueva versión para el álbum “Sistema De Entretenimiento” RUMBEAT (Yo Maté al Sheriff): https://youtu.be/lDSjciz2xqo En el año 91, el grupo de rumba catalana Rumbeat incluyó en su primer álbum homónimo una adaptación rumbera del clásico reggae “I Shot the Sheriff” de Bob Marley, titulada como “Yo Maté al Sheriff”. Se trata de una versión en clave de rumba, reinterpretando la canción con ritmos y sonoridades propias de la rumba, con palmas, guitarras rumberas y acercando la canción al terreno de la fiesta callejera en vez de al mensaje introspectivo del reggae. CONCLUSIÓN Cincuenta años después, seguimos sin saber por qué el Sheriff John Brown le tenía tanta inquina a Bob Marley, pero lo que sí sabemos es que su historia aguanta lo que le echen: sintetizadores, contrabajos psicópatas y palmas rumberas. "I Shot the Sheriff" demuestra que una gran composición y no tiene fronteras ni género. Gracias por acompañarme y nos escuchamos en la siguiente entrega de Explorando Versiones.

    26 min
  3. 84 - EXPLORANDO VERSIONES: NUTBUSH CITY LIMITS

    23 JAN

    84 - EXPLORANDO VERSIONES: NUTBUSH CITY LIMITS

    Bienvenidos a un nuevo episodio de "Explorando Versiones". Hoy nos adentramos en un clásico del soul y el rock 'n' roll: "Nutbush City Limits" de Tina Turner. IKE AND TINA TURNER - NUTBUSH CITY LIMITS https://www.youtube.com/watch?v=tFMXV2xqW8o "Nutbush City Limits" fue escrita por Tina Turner, cuyo nombre de nacimiento es Anna Mae Bullock, junto con su entonces esposo Ike Turner. La canción fue lanzada en 1973 como parte del álbum "Nutbush City Limits", que también lleva el nombre de la canción y fue uno de los álbumes más exitosos de Ike & Tina Turner. La letra de la canción está inspirada en la ciudad natal de Tina Turner, Nutbush, Tennessee. A pesar de que Tina había dejado Nutbush para seguir su carrera musical, siempre mantuvo un fuerte vínculo emocional con su lugar de origen. "Nutbush City Limits" no sólo rememora la vida en una pequeña ciudad sureña, sino que también es un homenaje personal a las raíces de Tina Turner y a su identidad como mujer afroamericana creciendo en el sur de Estados Unidos por su connotación racial. A pesar de su éxito musical, la relación entre Tina y Ike fue tumultuosa y marcada por problemas personales y profesionales. En julio de 1976, Tina finalmente tuvo el coraje de dejar a Ike Turner, escapando con poco más que 36 centavos y un nombre que necesitaba reinventarse. Esta separación marcó un punto de inflexión en su vida, permitiéndole liberarse del control abusivo y comenzar una carrera en solitario. TINA TURNER (VERSIÓN 1991) https://www.youtube.com/watch?v=jg7qrYqJ9ns En 1991, Tina Turner decidió revisitar "Nutbush City Limits" como parte de su álbum recopilatorio "Simply the Best". Esta decisión fue parte de un esfuerzo por reintroducir su música a una nueva generación de oyentes y adaptarse a los estilos musicales contemporáneos de la época. A diferencia de la versión original de 1973, que era más orientada hacia el funk y el soul, la versión de 1991 adopta un enfoque más orientado hacia la música dance y el pop rock. Esta versión incorpora sintetizadores y ritmos electrónicos, lo que la hace más adecuada para las pistas de baile de la época. Esta versión no solo consolidó la posición de Tina Turner como una artista versátil capaz de adaptarse a diferentes estilos musicales, sino que también contribuyó a su resurgimiento como una fuerza dominante en la industria musical en la década de 1990. BOB SEGER: https://www.youtube.com/watch?v=IThlyeflBOc Bob Seger, figura icónica en la historia del rock estadounidense y conocido por su voz distintiva y su habilidad para capturar la esencia del rock 'n' roll, realizó esta versión de "Nutbush City Limits" para su álbum "Beautiful Loser" lanzado en 1975 y en el que incluía esta versión de "Nutbush City Limits". BRIAN JOHNSON & FRIENDS: https://www.youtube.com/watch?v=wRQgh17_b0w En 2004, Brian Johnson, conocido principalmente como el vocalista de la legendaria banda de rock AC/DC, participa en un festival tipo “Monsters of Rock” con varios músicos invitados bajo el nombre de "Brian Johnson & Friends". Durante este evento realizan esta versión de "Nutbush City Limits". BETH HART & JOE BONAMASSA: https://www.youtube.com/watch?v=Erw00WZYhQ8 Beth Hart, cantante y compositora conocida por su potente voz y Joe Bonamassa, virtuoso guitarrista de blues y rock, realizan esta versión de "Nutbush City Limits" que mantiene la esencia original de la canción, pero le añade un enfoque fresco y contemporáneo con influencias claras del blues y el rock. DORO PESCH: https://www.youtube.com/watch?v=SYYE4VoPiDE La cantante alemana de heavy metal Doro Pesch, conocida simplemente como Doro, también grabó en 2014 esta versión de "Nutbush City Limits" para el álbum “Powerful Passionate Favorites”. Su versión tiene un enfoque más orientado hacia el rock y el heavy metal, adaptando la canción original de Tina Turner con riffs de guitarra pesados y una voz potente. THE BO DEREK’S: https://www.youtube.com/watch?v=FsGgxcKRtcs Aunque hay innumerables versiones más de este tema, queremos cerrar con la versión que hizo el grupo gallego The Bo Derek’s. Este power-trío, liderado por el ex Siniestro Total Óscar Avendaño, también hizo una versión de este tema para cierra el álbum “Porca miseria”, lanzado en 2023, y que pudimos disfrutar en directo en el pasado festival de rock en 2023 que organizó la Asociación Cultural Torre Rock. CONCLUSIONES IKE AND TINA TURNER - NUTBUSH CITY LIMITS https://www.youtube.com/watch?v=bpuf6AmQH4M Esta canción ha dejado una huella indeleble en la historia musical y sus versiones proporcionan una nueva perspectiva sobre este clásico atemporal, asegurando su lugar en la historia musical contemporánea. Muchas gracias por acompañarme en este repaso de Nutbush City Limits y nos vemos pronto en otro episodio de Explorando Versiones. Un saludo.

    22 min
  4. 83 - EXPLORANDO VERSIONES: ROAD RUNNER

    16 JAN

    83 - EXPLORANDO VERSIONES: ROAD RUNNER

    Hola amigos, soy Francisco y hoy en Explorando Versiones hablaremos de otra canción relacionada con el correcaminos. En esta ocasión nos subimos a toda velocidad en el ritmo de Road Runner, un clásico del inconfundible Bo Diddley. Esta es la continuación del episodio 61 de este podcast, donde ya exploramos la versión de Barbara Cameron utilizada en la introducción de los dibujos animados del Correcaminos. Pero atención, porque aunque esta canción también habla del Correcaminos, no tiene relación aparente con la serie. ORIGEN DE LA CANCIÓN BO DIDDLEY: https://www.youtube.com/watch?v=v6qDAvsfyvg Road Runner fue lanzada como sencillo en enero de 1960 por Checker Records y luego incluida en el álbum Bo Diddley in the Spotlight. Compuesta e interpretada por el propio Bo Diddley, esta joya del rock and roll llegó al puesto 20 en la lista de R&B de Billboard y alcanzó el puesto 75 en la lista del Hot 100. La canción sigue la estructura de un blues de 12 compases, pero con ese inconfundible ritmo de Bo Diddley, esa cadencia percutiva que se convirtió en su sello personal. GRABACIÓN Y SONIDO Road Runner fue grabada en septiembre de 1959 en los legendarios Chess Studios de Chicago. En la sesión participaron grandes músicos como Otis Spann al piano y Jerome Green en las maracas, aportando ese sonido tan característico. Además de la colaboración de músicos como Otis y Jerome, no podemos dejar de hablar del papel esencial de la guitarra de Bo Diddley. Su fiel compañera, la Gretsch G6138 Bo Diddley, con su forma rectangular única, le permitía hacer sonar esa cadencia tan peculiar y su distintivo Bo Diddley Beat. Esta guitarra, que parece tan propia de su estilo como su presencia en el escenario, contribuyó en gran medida a dar forma a ese sonido tan energético y contagioso. ¿El resultado? Un tema vibrante, dinámico y contagioso, donde la guitarra de Bo Diddley marca el ritmo como un motor en plena aceleración. IMPACTO CULTURAL Y PRESENCIA EN MEDIOS Anuncio Mazda: https://www.youtube.com/watch?v=eQcy6KXaex8 La canción no solo ha sido versionada, sino que también ha aparecido en anuncios y películas. Por ejemplo, en 2012 fue usada en un anuncio de la marca Mazda, y en 2013 formó parte de la banda sonora de El lobo de Wall Street de Martin Scorsese. THE ROLLING STONES: https://www.youtube.com/watch?v=_M_ZIsADngQ En marzo de 1963, los Rolling Stones grabaron su versión de Road Runner en Londres, en una de sus primeras sesiones de estudio. Aunque la canción no se publicó oficialmente en su momento, la influencia de Bo Diddley en su sonido es innegable. Keith Richards replicó el ritmo característico con su guitarra, mientras Mick Jagger le imprimía su sello personal a la interpretación vocal. Este tema fue parte del repertorio en sus primeros conciertos y marcó el inicio de su conexión con el blues americano. THE PRETTY THINGS: https://www.youtube.com/watch?v=bPRBR9Y8dII Para su álbum debut, publicado en 1965, la banda londinense The Pretty Things decidieron incluir su propia versión de Road Runner, llevándola a un sonido aún más crudo y agresivo que el original. Su interpretación tuvo tanto éxito en los Países Bajos que llegó al puesto 11 en las listas de éxitos. La banda, con su actitud desafiante y su estilo salvaje, fue una de las que más se acercó a la energía pura del Bo Diddley original. THE ANIMALS: https://www.youtube.com/watch?v=m3XvRyULbdU También en el año 1965, otro grupo británico como The Animals publica su segundo disco titulado Animal Tracks, en el que Eric Burdon y compañía dieron su propia visión del clásico. A diferencia de otras versiones, la de The Animals se caracterizó por un tono más intenso y una base rítmica potente, con la inconfundible voz rasgada de Burdon llevándola a otro nivel. Su amor por el blues y el rhythm & blues americano se reflejó claramente en esta interpretación. THE WHO: https://www.youtube.com/watch?v=me-tMmqsZow Durante sus conciertos en la década de los 70, The Who tocaban Road Runner en vivo con una energía arrolladora. En 1975, grabaron una versión en el Pontiac Silverdome, fusionándola con Join Together y My Generation Blues. Esta interpretación se publicó en 1979 dentro del disco que acompañó la película The Kids Are Alright, mostrando su dominio del directo y su conexión con los clásicos del rock. AEROSMITH: https://www.youtube.com/watch?v=rHk1vafrZ9o En su álbum de versiones Honkin’ on Bobo publicado en 2002, Aerosmith rindió homenaje a sus raíces con una versión explosiva de Road Runner. Steven Tyler y Joe Perry recuperaron el espíritu del blues-rock con una interpretación cargada de potencia y matices modernos. El disco en sí fue un tributo a los grandes del blues, y esta canción destacó por su fidelidad al estilo original sin perder la marca distintiva de la banda. THE PHANTOMS: https://www.youtube.com/watch?v=ZO3t_RVwzjI El grupo alemán The Phantoms incluyó una versión del tema en su LP, llamado también, Roadrunner y lanzado en 1966. A pesar de su origen europeo, su versión refleja la influencia de las bandas británicas de garage de la época. Con un enfoque crudo y energético, la banda mantuvo la estructura del blues de 12 compases, pero con un sonido de garage rock. Este enfoque europeo mostró cómo la influencia de Bo Diddley cruzó fronteras, adaptándose al estilo propio del rock alemán de los 60s. HURRIGANES: https://www.youtube.com/watch?v=hu67ysV6Qzc En Finlandia, la banda Hurriganes hizo historia con su álbum Roadrunner publicado en 1974 y que tomó el nombre de la canción de Bo Diddley. Su versión, con un sonido más cercano al rock clásico, se convirtió en un himno en el país y sigue siendo una de las versiones más icónicas de la canción fuera del mundo anglosajón. En Finlandia, este álbum es considerado una obra clave del rock & roll. JOHNNY WINTER: https://youtu.be/QogdraH6_E4?si=07XaVfCwbvE3smYJ En 1970, el legendario guitarrista Johnny Winter, conocido por su virtuosismo en el blues, hizo su propia interpretación de Road Runner en su álbum Johnny Winter. Su versión mantiene la esencia de Bo Diddley pero le añade su estilo único, con una guitarra potente y una energía cruda que eleva la canción a nuevas alturas. Johnny Winter, con su inconfundible toque, fue capaz de hacer que esta pieza de Bo Diddley sonara fresca y revitalizada, a la vez que rendía homenaje a su influencia. WAYNE FONTANA AND THE MINDBENDERS: https://www.youtube.com/watch?v=8HUgiPah4zo En 1965, Wayne Fontana and The Mindbenders grabaron su propia versión de Road Runner. Esta versión tiene una atmósfera británica marcada por el estilo de la época, con un enfoque más melódico que las versiones anteriores, pero manteniendo la energía imparable de la original. Su interpretación de Road Runner refleja el auge de la invasión británica y tiene un toque más suave y pegajoso, que logró un gran éxito en el Reino Unido. CONCLUSIONES Road Runner es una de esas canciones que encapsulan la esencia del rock and roll, aportando velocidad, energía y un ritmo imparable. Bo Diddley dejó un legado imborrable y esta canción sigue corriendo sin frenos por la historia de la música. Así que, la próxima vez que escuches Road Runner, recuerda que no solo es el correcaminos, ¡es todo un legado de rock and roll que sigue corriendo a la velocidad de la luz!

    24 min
  5. 81 - EXPLORANDO VERSIONES: BOLLERÉ

    12/12/2025

    81 - EXPLORANDO VERSIONES: BOLLERÉ

    Hola amigos, soy Francisco, y hoy en Explorando Versiones vamos a descubrir la historia de una canción que cruzó fronteras, escenarios y estilos… y que, en realidad, nació de algo tan pequeño como un papel de fumar. Sí, hoy nos adentramos en la canción Bolleré, de Raimundo Amador… o mejor dicho, con Bolloré, de Cathy Claret, su autora original CATHY CLARET - BOLLORÉ (VERSIÓN ORIGINAL) https://youtu.be/zrLYESYGr54?feature=shared Cathy Claret y el papel Bolloré Todo el mundo cree que Bolleré es de Raimundo Amador, pero la historia empieza con la música francesa Cathy Claret. En mayo de 1991 publica su segundo LP, Soleil y locura, y en este disco aparece un tema curioso, cantado en español pero con acento francés y aires de flamenco fusionado con Bossa nova: Bolloré. La canción está dedicada a un papel de fumar muy especial: OCB Bolloré. Si lo mirabas al trasluz, se podía leer esa palabra, Bolloré, y Cathy, que viajaba a menudo de Francia a Sevilla, lo traía para sus amigos de las 3.000 viviendas, porque en España no se conseguía. Para ellos era casi un tesoro. Raimundo, por aquel entonces, la acompañaba en sus actuaciones. Así que conocía la canción desde dentro, antes de que se convirtiera en un himno. ARRAJATABLA: https://youtu.be/naMNwUm25ww?feature=shared Un año después, Raimundo Amador deja Pata Negra y forma Arrajatabla junto a Juan Reina en la voz, Luis Cobo Manglis en la guitarra y Diego Amador en los teclados. Publican en 1992 su único disco: Sevilla Blues. En este álbum aparece Bolleré, ya adaptado al acento sevillano de Raimundo. Es la primera vez que el tema se graba con un sonido más cercano al flamenco-blues, alejándose del aire juguetón y minimalista de la versión original de Cathy. CATHY CLARET (SUSSURANDO): https://youtu.be/WOgreNbyGwI?feature=shared En 2003, Cathy Claret la regrabó en su disco Sussurando, acercándose más al estilo que popularizó Raimundo, pero conservando su frescura. RAIMUNDO (GERUNDINA): https://youtu.be/5ik_0_KnTYs?feature=shared En 1995, Raimundo da un paso decisivo: lanza su primer disco en solitario, Gerundina, llamada así por una de sus guitarras. En Bolleré, cuenta con un invitado de lujo: nada menos que BB King. Aquí la canción gana cuerpo, sobre todo con ese diálogo eléctrico entre el blues de BB King y el compás de Raimundo. Una fusión tan natural que parece que hubieran tocado juntos toda la vida. RAIMUNDO Y BB KING (NOCHES DE FLAMENCO Y BLUES): https://www.youtube.com/watch?v=rzr6KZ23NwU Si la versión de estudio ya era espectacular, la del directo de 1998, en el disco Noche de flamenco y blues, es pura magia. Raimundo y BB King sobre el escenario, mirándose, retándose y disfrutando. Es el momento en que Bolleré se convierte definitivamente en un clásico. CONCLUSIONES Bolleré es más que una canción: es un puente entre culturas, un guiño privado convertido en himno, y un ejemplo de cómo una idea aparentemente pequeña puede crecer y recorrer el mundo. Gracias a Cathy Claret, a Raimundo Amador y a todos los que la han hecho suya, hoy podemos seguir escuchando ese estribillo que, entre compases de flamenco y blues, nos recuerda que la música no tiene fronteras…

    16 min

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Explorando versiones es un podcast musical creado por Locos por Incordiar. En cada capítulo abordaremos una canción mítica de la música contemporánea, presentando las versiones que se han hecho de ella a lo largo de la historia.