Crónica Cultural

RFI Español
RFI Español

Una mirada a la actualidad cultural en Francia con RFI en Español.

  1. Sep 3

    ‘Sangre blanca’, la ruta global de la cocaína

    El Festival internacional de fotoperiodismo “Visa pour l’image” en Perpiñán, sur de Francia, expone un fotorreportaje que explora el tráfico mundial de la cocaína y sus consecuencias humanas en los países productores y consumidores. ¿Quiénes producen la cocaína? ¿Quiénes la transportan? ¿Y quiénes la consumen? El fotoperiodista danés Mads Nissen puso su cámara en cada etapa de este jugoso tráfico, desde su producción en América Latina, pasando por las mulas, hasta las discotecas donde se consume en Europa. El resultado es esta serie fotográfica “Sangre Blanca”, presentada en "Visa pour l'image", que documenta la “era dorada de la cocaína” en la que producción y consumo baten récords históricos. “Queríamos mostrar cómo está conectado lo que estamos viviendo aquí (en Europa) con el crimen y el consumo, con la guerra que está en América Latina. Muchas veces esta parte del mundo culpa a países productores como Colombia. Pero olvidan evaluar su propia responsabilidad y ver cuáles son las consecuencias del consumo acá. Ahora estamos en la época de cocaína: nunca ha habido tanta cocaína en el mundo, la producción, el consumo. Y en el centro de todo eso está Europa, donde ahora se consume más cocaína que Estados Unidos”, explicó Mads Nissen. El fotoperiodista danés pudo llegar a los centros de producción en Colombia y a las redes de narcotraficantes en México. También documentó el consumo de los jóvenes en países como Suecia, Dinamarca y Alemania, lo que se ha convertido en un problema sanitario acuciante. “Es una economía ilegal, todo es clandestino, en la sombra. Lo difícil para mí como fotógrafo fue ir a esos lugares, tener el acceso para ir por allá y tomar estas fotos. Estuve trabajando en Colombia, con los carteles en México y con los grupos criminales aquí en Europa. Ganar esa confianza es lo difícil; tomar las fotos es lo fácil”, asegura. Para Nissen, el título de su serie debía reflejar la tragedia de la cocaína tanto para todos los que sectores implicados. “Yo estuve en los laboratorios; no hay cocaína pura, está llena de químicos. En las calles tampoco hay cocaína pura, está llena de sangre. Quería un título que hablara de eso, de la sangre blanca, la cocaína y las consecuencias para la sociedad de ese negocio mundial”, concluyó. “Sangre blanca “del fotoperiodista danés Mads Nissen puede verse de forma gratuita en “Visa pour l’image” y publicará en forma del libro.

  2. Sep 2

    "Afganistán: las niñas vendidas para sobrevivir a la sequía", exposición de Elise Blanchard

    Una impactante serie fotográfica de la fotógrafa francesa Elise Blanchard, titulada "Afganistán: las niñas vendidas para sobrevivir a la sequía", muestra la tragedia de niñas y adolescentes entregadas en matrimonio para saldar deudas en un contexto agravado por la sequía y la pobreza. La exposición se presenta en Perpiñán, en el sur de Francia, en el marco del Festival Internacional de Fotoperiodismo Visa pour l’Image. Informe de María Carolina Piña. En la provincia afgana de Badghis, las niñas y adolescentes se han convertido en una mercancía que puede venderse para sobrevivir a las dificultades derivadas del cambio climático. Esto es lo que cuentan las fotos de Elise Blanchard. La fotógrafa francesa pasó siete años en Afganistán y documentó los matrimonios de bebés, niñas y adolescentes, sacrificadas para salvar a sus familias de la hambruna. "Este sistema apareció con el cambio climático. La gente vive de la tierra y del ganado. Pero cuando no llueve durante años y la tierra no produce lo suficiente, terminan endeudados. La solución es dar a las niñas en matrimonio, o mejor dicho, venderlas. La tradición en Afganistán es que el novio entrega una dote a la familia de la novia. Y eso ahora puede ocurrir cuando las niñas tienen 2 o 3 años, incluso un mes de nacidas. Eso depende de cada familia. El prometido puede ser alguien a quien se le debe dinero. O un hombre que busca una segunda o tercera esposa. A veces, el contrato se hace con la madre del novio. La dote se paga durante varios años y, cuando se salda la deuda, la niña o adolescente debe ir a vivir con su nueva familia. Es trágico". Las fotos de Elise Blanchard muestran campos áridos que contrastan con los atuendos coloridos de jóvenes casadas cuando todavía eran unas niñas. O mujeres que se tapan la cara, pero que posan con sus maridos e hijas prometidas a hombres a veces mucho mayores. Un sistema que genera ingresos, pero también mucho sufrimiento. "Conocí a decenas de familias en distintas localidades del país; vi a padres destrozados por esta situación. Recuerdo a un papá que se puso a llorar mostrándome las fotos de sus dos hijas, de 7 y 9 años, que se habían ido muy lejos con las familias de sus maridos y a las que nunca volvería a ver. Vi madres deshechas, niñas traumatizadas. Mi trabajo fue mostrar esa situación en Afganistán, que es un país muy complejo, con problemas terribles. Decir que lo entendí todo, luego de pasar siete años viviendo allí, sería ridículo", reconoce.

  3. Jul 28

    Resistencia, la capital nacional de las esculturas en la Argentina profunda

    Durante nueve días, hasta el fin de semana pasado, la ciudad de Resistencia, capital de la provincia argentina del Chaco, se vio transformada por uno de los eventos culturales más importantes del país. La edición número 38 de la Bienal de Escultura del Chaco, que tuvo lugar en el Parque Intercultural 2 de febrero, recibió más de un millón de visitas. Por nuestro corresponsal Natalio Cosoy, desde Resistencia Caminando por el centro de la ciudad de Resistencia, es prácticamente imposible avanzar más de 50 o 100 metros sin encontrarse con alguna escultura. Las hay figurativas, abstractas, pequeñas, enormes, en madera, en piedra o en hierro, en las veredas y en los parques. Más de 730 esculturas en espacios públicos de toda la ciudad. “La gente se apropia más de la obra” En este marco se lleva a cabo la Bienal de Escultura del Chaco. El evento tiene lugar en un inmenso parque, en cuyo corazón 10 artistas seleccionados de entre 439 postulantes de 70 países transforman bloques de mármol con sierras, cinceles y otras herramientas, envueltos en nubes de polvo. Entre ellos conocimos al chileno Mauricio Guajardo, luego declarado ganador del concurso, que estaba convirtiendo un bloque de mármol en una figura geométrica en la que predominaba el vacío. Guajardo valora especialmente el trabajo frente al público, que se agolpa alrededor de los escultores: “Yo creo que también este vínculo que se forma, digamos, con esto de salir a la calle con nuestros talleres. Porque en el fondo me imagino que la gente que ve y haciendo tu trabajo, se relaciona y en el fondo se apropia más de la obra”, estima. Tan es así, que también inspira a nuevos artistas, como Noelia Pacheco, que está entre el público, estudia arte en Buenos Aires y creció en Resistencia. “Yo creo que es prácticamente un 60% de mi crecimiento en lo que yo hago, lo aprendí acá”, dice. “Posibilidad de establecer un vínculo emocional” Ya son más de 60 años desde que comenzaron a instalarse esculturas en Resistencia. Pero todo se aceleró con la creación de este encuentro hace unas cuatro décadas: “Creo que ese gesto generó la posibilidad de establecer un lazo, un vínculo emocional de la comunidad con los artistas porque la posibilidad de verlos trabajar, de vincularse con ellos, de ser testigos y ser parte de la creación de esas obras de arte, creo que es lo que explica el por qué las esculturas en Resistencia no necesitan vallados”, considera José Eidman, presidente de la Fundación Urunday, a cargo de la organización. Terminada la Bienal, se instalarán las obras realizadas por los artistas que participaron del evento, aumentando el acervo escultórico de este gran museo al aire libre que es la capital del Chaco.

  4. Jun 8

    La Sagrada Familia o la visión colectiva de Gaudí que lleva un siglo en construcción

    Este 10 de junio será la inauguración oficial de la Torre de Jesus de la Sagrada Familia en Barcelona, coincidiendo con el centenario exacto de la muerte de Antoni Gaudí, el vanguardista arquitecto catalán al mando de esta obra colosal. La ceremonia será presidida por el papa León XIV en su visita apostólica a España. Según las últimas estimaciones, la Sagrada Familia se terminará en 2036.  La Gran Cruz, revestida de vidrio y cerámica esmaltada en color blanco, se alza ahora como el punto más alto del templo, alcanzando los 172,5 metros de altura. Este detalle no solo transforma el skyline de la ciudad condal, sino que simboliza el avance hacia la culminación de un proyecto que ha cautivado al mundo durante más de un siglo. Para visitantes como Ana Isendra, mexicana radicada en España, la experiencia es única: "Tenemos un amigo que vino de Italia y se la vamos a enseñar", comenta entusiasmada mientras que su pequeño hijo Aiton, señala con asombro la nueva cruz recién colocada. Leer tambiénLa Sagrada Familia en Barcelona alcanza su punto más alto con la Torre de Jesús Para los locales, la Sagrada Familia es parte intrínseca de sus vidas, aunque siempre acompañada de grúas y andamios. Leticia y Jaume, catalanes que han visto crecer el templo década tras década, comparten un sentimiento agridulce: "Es un honor para nosotros tener la Sagrada Familia, es un orgullo... lo que pasa es que siempre está inacabada", explica Leticia. Por su parte, su esposo Jaume añade entre risas: "Desde que éramos niños, y ya tenemos más de 70 años, ya veíamos que estaban haciendo la Sagrada Familia. No creo que hayamos conseguido nunca una foto en la que no salga una grúa". El legado visionario de Antoni Gaudí La historia del templo se remonta al 19 de marzo de 1882, cuando se puso la primera piedra por parte del obispo Urquinaona. Primer paso para seguir el plano de una iglesia católica neogótica, diseñada por el arquitecto diocesano Francisco de Paula del Villar. Solo un año después, el genio Antoni Gaudí tomó las riendas del proyecto, reimaginándolo por completo bajo los principios del modernismo catalán. Gaudí dedicó su vida a esta obra hasta su fallecimiento el 10 de junio de 1926. Daniela Longobardi, guía oficial de la basílica, explica que la Sagrada Familia es, en esencia, un resumen de toda la arquitectura de Gaudí: "Le preguntaron si le importaba morir y dejar el proyecto de su vida en manos de otros arquitectos. Él dijo que para nada. Tenía una idea de este edificio como un proyecto colectivo a través del paso del tiempo". Según Longobardi, Gaudí dejó deliberadamente ciertos aspectos sin resolver, confiando en que futuros arquitectos utilizarían técnicas avanzadas y estilos vanguardistas para completar su visión, tal como ha sucedido con la Torre de Jesús, construida con métodos que en tiempos de Gaudí habrían parecido de ciencia ficción. Un desafío técnico financiado por el mundo La construcción de la Sagrada Familia representa un enorme reto técnico y económico. Los trabajos se financias mediante donaciones y las visitas de personas de todo el mundo. Según cifras del Observatorio de Turismo de Barcelona, la Sagrada Familia es el lugar más visitado de la ciudad, con 4.961.306 visitantes en 2025. Eso sin contar con los miles de turistas que visitan Barcelona en un solo día, por ejemplo, durante una escala de crucero, y no tienen tiempo para hacer las largas filas para entrar, por lo que la observan desde el exterior. Tanto en su exterior como en su interior, el diseño innovador y complejo está lleno de simbolismo. Un ramillete de torres apunta al cielo, mientras que, en el interior, un bosque de columnas se ilumina con la luz natural que atraviesa los vitrales multicolores, creando una atmósfera espiritual que deja sin aliento a todo aquel que la visita. Con la Torre de Jesucristo ya coronada, Barcelona se prepara para el capítulo final de esta epopeya arquitectónica que, finalmente, parece estar más cerca que nunca de su conclusión. Según las últimas estimaciones, la Sagrada Familia estará terminada en 2036.

  5. May 23

    El rumano Cristian Mungiu gana su segunda Palma de Oro en Cannes

    La película "Fjord" se alzó el sábado con la Palma de Oro a la Mejor película al término de la 79ₐ edición del Festival de Cannes. La elegante velada en el Palacio de los Festivales congregó a la crema y nata del cine mundial, con la presencia de artistas como Penélope Cruz, Zoe Saldaña o Geena Davis. El aclamado director rumano Cristián Mungiu alzó el sábado la segunda Palma de Oro de su carrera por "Fjord", un drama sobre las diferencias culturales entre los países de Europa a través de una piadosa pareja rumano-noruega que se instala con su familia en un fiordo. Cuando las maestras de los niños descubren moretones en sus cuerpos, la sociedad comienza a cuestionar las costumbres conservadoras de los padres evangélicos y estalla un álgido debate en medio de la atmosfera glacial nórdica. “Déjenme por favor saborear este momento. Un premio de esta categoría, por segunda vez… Hoy en día es un riesgo elevar la voz frente a los peligros que nos acechan. Hay cosas de las nadie quiere hablar. Las sociedades están fracturadas. Y esta es una película contra el autoritarismo”, dijo Mungiu al recibir la máxima recompensa del festival. Leer también"Siempre soy tu animal materno" de Valentina Maurel: miradas cruzadas en Cannes El director rumano es un invitado recurrente de Cannes, donde ha recibido numerosos premios, principalmente una primera Palma de Oro en 2007 por la extraordinaria “4 meses, 3 semanas, 2 días” sobre una chica que debe recurrir a un aborto clandestino en Rumania. Los españoles Javier Ambrossi y Javier Calvo fueron honrados con el Premio a la Mejor dirección por « La bola negra », junto al polaco Pawel Pawlikowski por su increible "Fatherland", sobre un viaje del escritor Thomas Mann y su hija por Alemania. El jurado decidió entregar su premio a la alemana "La aventura soñada" de Valeska Grisebach, mientras que "Minotauro" del ruso Andrei Zviaguintsev ganó el Gran Premio. Leer también"El ser querido" de Rodrigo Sorogoyen en Cannes: radiografía de un tóxico El Premio al Mejor guion fue para Emmanuel Marre por su cinta "Notre salut", un drama histórico ambientado en la Segunda Guerra Mundial, y que había recibido excelentes críticas por parte de la prensa francesa. Para esta película sobre un funcionario colaboracionista con el régimen nazi, Marre se inspiró de la historia de su bisabuelo. El premio a la Mejor interpretación masculina fue entregado a Emmanuel Macchia y Valentin Campagne, protagonistas de "Coward" de Lukas Dhont. De su lado, las actrices belga Virginie Effira y la japonesa Tao Okamoto fueron premiadas por sus respectivos papeles en "All of a sudden" de Ryusuke Hamaguchi. Leer también"Ceniza en la boca" de Diego Luna: migrar, maternar y empezar de nuevo en España La gala de cierre permitió entregar una Palma de oro de honor a Barbra Streissand por el conjunto de su carrera, anunciado por la diva francesa Isabelle Huppert. Streissand sin embargo no pudo estar presente, aunque envió un mensaje donde habló de su pasión por el cine y de su poder para "abrir corazones y mentes". En esta edición del Festival de Cannes se entregaron otros dos reconocimientos similares, a Peter Jackson y John Travolta. El primer premio anunciado durante la velada fue el galardón al Mejor Cortometraje, que fue para el argentino Federico Luis, por su cinta "Para los contrincantes", que cuenta el universo de las peleas de boxeo infantil en el barrio de Tepitos, en Ciudad de México.

  6. May 22

    "La bola negra" de los Javis: la memoria histórica "queer"

    España brilló con lo mejor de cine en el Festival de Cannes, con tres películas en la competencia por la Palma de Oro. Este jueves se proyectó la tercera y última cinta española, que trajo a Cannes el recuerdo y obra del gran poeta Federico García Lorca. La película La bola negra toma su título de la obra de teatro inconclusa de Federico García Lorca, de la que solo se conservaron cuatro páginas manuscritas. A partir de ese fragmento, Javier Ambrossi y Javier Calvo construyen su propia versión para completar este relato sobre la homosexualidad silenciada. El resultado es una cinta coral que entrelaza las historias de tres hombres en tres momentos distintos. En la pieza de García Lorca, se decide con una bola blanca o negra, si un club selecto acepta a un nuevo miembro, basado en su reputación. Ambrossi explica que había dos temas fundamentales que querían abordar con esta película. El primero es la incomunicación como raíz de la violencia: “Si no somos capaces de hablar o ponernos de acuerdo entre nuestras familias sobre nuestros problemas, pues eso es justo lo que nos va a llevar a la violencia”. El segundo eje es la importancia de los objetos como obras de arte y su capacidad para perdurar: “El arte es lo que se puede heredar. Las emociones mueren con nosotros, pero el arte, una obra de teatro, un disco, una película, sí que puede heredarse”. Interrogados sobre si se sienten herederos de una historia marcada por la represión y la incomunicación, Javier Calvo reconoce el peso generacional: “Hombre, evidentemente ahí hay un dolor heredado, hay una vergüenza heredada, hay algo que sigue transmitiéndose de generación en generación y que es difícil que se vaya. Poco a poco esa bola negra cada vez es más pequeña, pero la tenemos dentro. Quiero creer que películas como ésta hace que eso se vaya yendo de nosotros. La bola negra que nos señala y que nos dice: ‘Tú no puedes entrar aquí, tú no mereces vivir’”. La relación de Los Javis con Lorca es también personal y artística. Ambrossi recuerda sus inicios: “Pues en mi caso yo quería ser actor. Entonces empecé a estudiar en una escuela de interpretación que se llamaba La Barraca, que todo lo que hacíamos en la escuela, todo eran textos de Lorca. Empecé a encontrar que no solamente era un poeta increíble, sino que también era un hombre gay. Y de repente eso me pareció impresionante. Que una de las grandes estrellas de la literatura de nuestro país conectara conmigo de esa manera”. Calvo, por su parte, cuenta que su vínculo con el autor se intensificó durante la preparación de la película: “Lo estudié también en la escuela de interpretación, pero fue cuando empecé a investigar esta película que me obsesioné con todo su trabajo, con el teatro completo, la poesía completa. Creo que hay ya obras que me sé de memoria. Me he obsesionado porque es el autor que más me sorprende. Realmente, con cada relectura hay algo que no puedo explicar. Cómo puede hacerlo tan sorprendente, tan emocionante, tan inmenso. Hay cada sucesión de palabras unidas de una manera que tienen un sentido que nunca creerías que tendría. Para mí, eso es la poesía. Es muy sorprendente su obra”. La bola negra, dirigida por Javier Ambrossi y Javier Calvo, conocidos como Los Javis, es una de las candidatas a la Palma de Oro del Festival de Cine de Cannes 2026.

  7. May 22

    "Siempre soy tu animal materno" de Valentina Maurel: miradas cruzadas en Cannes

    En la sección “Una cierta mirada” del Festival de Cannes, la cineasta costarricense Valentina Maurel presentó su segundo largometraje titulado Siempre soy tu animal materno.   Después de haber estudiado en Bélgica, Elsa vuelve a Costa Rica para ver a su hermana Amalia, hundida en el ocio y el esoterismo, y a su madre, autora de poemas eróticos aferrada a su juventud. Todo en sus modos de vida irrita a Elsa y a su raciocinio europeo. En su segundo largometraje, Siempre soy tu animal materno, la cineasta costarricense Valentina Maurel pone en escena el desfase cultural de quienes regresan a su país de origen después de haber vivido en Europa. Esa distancia atraviesa a la protagonista, pero también a la propia directora. Maurel explica que le interesaba trabajar “con esa perspectiva del europeo que mira el trópico y América Central como desde otro lugar. Y también lo vivo con un cierto nivel de culpa”. En la película, ese choque se encarna en las dos hermanas: la mayor, que volvió con otra forma de ver el mundo, y la menor, que escoge un camino opuesto. “Hay un personaje de hermana en esta película que es como la que decide tomar un camino muy distinto de la mayor. No estudia y, viniendo de una familia artística atea, decide creer en Dios y abrazar un cierto esoterismo como un poco folclórico de América Latina, y la hermana mayor lo ve con un cierto nivel de condescendencia. Yo creo que esa era mi forma de criticar un poquito ese desfase, ese lugar en el que se sitúa de pronto el latinoamericano que se fue a Europa y que ve su latinoamericanidad como una inferioridad”. Daniela Marín y Ángel Villegas interpretan a Elsa y Amalia, dos hermanas diametralmente opuestas que chocan como hielo y fuego. Marín describe a Elsa como alguien que parece fría, pero que en realidad está desbordada por el regreso: “Es una frialdad, pero no de ella, sino también como del lugar que la recibe. Sentía abrazada al personaje. Verdaderamente Valentina siempre tiene esta frase que es ‘No juzgues a tu personaje porque si no, entonces nadie lo salva’. Yo decía: claro, es que está pasando por tantas cosas, es como que todo se le viene encima y nada es igual. Y ella quiere intentar agarrar un poco los hilos de la familia, intentar salvar a estas personas. Pero en realidad ella ya no calza tampoco en ningún lado, también está perdida”. Ángel Villegas se reconoce en la transición de Amalia a la adultez: “Sí me identifiqué mucho, además, porque de ahí comparto misma edad que Amalia, cumplir 19 años y confrontar la vida adulta cuando se sigue sintiendo como en esta prisión de una niña de 15 años. Sigue siendo rebelde”. A medida que avanza la película, también se revela la profundidad de la madre, una mujer que ha abandonado su carrera artística e intenta darle un nuevo soplo ahora que sus hijas son adultas. El título nace de un verso escrito por la propia madre de la directora: “Siempre soy un animal materno. Es el verso de un poema de mi mamá que es poeta”, explica Maurel. La escritura del filme se cruzó con su propia experiencia de maternidad: “Mientras estaba escribiéndola me volví mamá. Yo tuve una bebé y de pronto ahí entré como un poco en pánico con el tema de la maternidad y creo que todas mis dudas sobre si iba a poder hacer la película o si iba a poder seguir siendo directora, porque estando en la vulnerabilidad en la que te pone ser mamá, contaminaron un poco la escritura”. Siempre soy tu animal materno, de Valentina Maurel, fue presentada en la sección Una cierta mirada del Festival de Cine de Cannes.

  8. May 19

    "Viva" de Aina Clotet en Cannes: sed de vida en pantalla grande

    En el Festival de Cannes, la actriz y directora catalana Aina Clotet presentó su primer largometraje, Viva, seleccionado en la Semana de la Crítica. Una divertida comedia sobre una mujer sedienta de libertad. Algunos lo llaman “crisis de la mediana edad”, pero para la directora catalana Aina Clotet, su ópera prima “Viva” es, ante todo, una historia de deseo, pasión y liberación. La película sigue a Nora, una mujer de 40 años que, tras superar un cáncer de seno, inicia un affaire con un joven veinte años menor.  Clotet define Viva como “una historia luminosa de liberación y de crecimiento”. En Nora ha volcado muchas de sus propias inquietudes y reflexiones: “Los temas que trata esta película son temas que a mí me mueven, que yo he pensado mucho, a los que les he dedicado tiempo de mi vida, intentando entender la impermanencia, explorarla, enfrentarme a mis propios miedos”, explica.  En la ficción, Nora atraviesa noches de insomnio y días abrasadores. Angustiada por la idea de su propia muerte y del envejecimiento, pasa un verano canicular en el que está continuamente sedienta. Sedienta de agua, pero sobre todo de nuevas experiencias, de deseo y de logros profesionales.  Clotet y su equipo decidieron llevar esa realidad un paso más allá. “En el momento de concebir la cinta, en ese momento en Cataluña estábamos viviendo una sequía extrema y nos pareció interesante subir el volumen a la propia realidad”, cuenta. El resultado es un marco casi distópico, donde el calor agobiante y la falta de agua dialogan con la agitación interior de Nora. “Nos parecía interesante una mujer que está en búsqueda de equilibrio en un contexto donde hace tantísimo calor, que busca el agua, la sed de vida. Nora tiene muchas ganas de sentirse viva porque ha sentido muy cerca la muerte”, añade la directora. Para hablar de la muerte, Clotet buscó un tono que combinara humor, emoción y ligereza. “Lo que me emociona más es que está llegando mucho el tono del humor, que la gente se ríe muchísimo y a la vez se emociona, y transita bien por los tonos de la película, que es una mezcla de tonos”, explica. “Quería que terminaras con una sensación de calor, de amor y de ganas de vivir, con cierta alegría interna, y que te quedaras con ganas de charlar sobre la película”. Viva funciona como un memento mori: nos pone frente a la mortalidad humana, pero lo hace con delicadeza y consuelo.  Esta cinta reconfortante, hablada principalmente en catalán, pero también en español, en inglés y en francés, se proyectó en la Semana de la Crítica, sección paralela del Festival de Cannes.

See All (24)

About

Una mirada a la actualidad cultural en Francia con RFI en Español.

Information

  • Channel
    RFI Español
  • Creator
    RFI Español
  • Years Active
    2019 - 2026
  • Episodes
    24
  • Rating
    Explicit
  • Copyright
    © France Médias Monde
  • Show Website
    Crónica Cultural

More From RFI Español