Crónica Cultural

Una mirada a la actualidad cultural en Francia con RFI en Español.

  1. May 23

    El rumano Cristian Mungiu gana su segunda Palma de Oro en Cannes

    La película "Fjord" se alzó el sábado con la Palma de Oro a la Mejor película al término de la 79ₐ edición del Festival de Cannes. La elegante velada en el Palacio de los Festivales congregó a la crema y nata del cine mundial, con la presencia de artistas como Penélope Cruz, Zoe Saldaña o Geena Davis. El aclamado director rumano Cristián Mungiu alzó el sábado la segunda Palma de Oro de su carrera por "Fjord", un drama sobre las diferencias culturales entre los países de Europa a través de una piadosa pareja rumano-noruega que se instala con su familia en un fiordo. Cuando las maestras de los niños descubren moretones en sus cuerpos, la sociedad comienza a cuestionar las costumbres conservadoras de los padres evangélicos y estalla un álgido debate en medio de la atmosfera glacial nórdica. “Déjenme por favor saborear este momento. Un premio de esta categoría, por segunda vez… Hoy en día es un riesgo elevar la voz frente a los peligros que nos acechan. Hay cosas de las nadie quiere hablar. Las sociedades están fracturadas. Y esta es una película contra el autoritarismo”, dijo Mungiu al recibir la máxima recompensa del festival. Leer también"Siempre soy tu animal materno" de Valentina Maurel: miradas cruzadas en Cannes El director rumano es un invitado recurrente de Cannes, donde ha recibido numerosos premios, principalmente una primera Palma de Oro en 2007 por la extraordinaria “4 meses, 3 semanas, 2 días” sobre una chica que debe recurrir a un aborto clandestino en Rumania. Los españoles Javier Ambrossi y Javier Calvo fueron honrados con el Premio a la Mejor dirección por « La bola negra », junto al polaco Pawel Pawlikowski por su increible "Fatherland", sobre un viaje del escritor Thomas Mann y su hija por Alemania. El jurado decidió entregar su premio a la alemana "La aventura soñada" de Valeska Grisebach, mientras que "Minotauro" del ruso Andrei Zviaguintsev ganó el Gran Premio. Leer también"El ser querido" de Rodrigo Sorogoyen en Cannes: radiografía de un tóxico El Premio al Mejor guion fue para Emmanuel Marre por su cinta "Notre salut", un drama histórico ambientado en la Segunda Guerra Mundial, y que había recibido excelentes críticas por parte de la prensa francesa. Para esta película sobre un funcionario colaboracionista con el régimen nazi, Marre se inspiró de la historia de su bisabuelo. El premio a la Mejor interpretación masculina fue entregado a Emmanuel Macchia y Valentin Campagne, protagonistas de "Coward" de Lukas Dhont. De su lado, las actrices belga Virginie Effira y la japonesa Tao Okamoto fueron premiadas por sus respectivos papeles en "All of a sudden" de Ryusuke Hamaguchi. Leer también"Ceniza en la boca" de Diego Luna: migrar, maternar y empezar de nuevo en España La gala de cierre permitió entregar una Palma de oro de honor a Barbra Streissand por el conjunto de su carrera, anunciado por la diva francesa Isabelle Huppert. Streissand sin embargo no pudo estar presente, aunque envió un mensaje donde habló de su pasión por el cine y de su poder para "abrir corazones y mentes". En esta edición del Festival de Cannes se entregaron otros dos reconocimientos similares, a Peter Jackson y John Travolta. El primer premio anunciado durante la velada fue el galardón al Mejor Cortometraje, que fue para el argentino Federico Luis, por su cinta "Para los contrincantes", que cuenta el universo de las peleas de boxeo infantil en el barrio de Tepitos, en Ciudad de México.

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  2. May 22

    "La bola negra" de los Javis: la memoria histórica "queer"

    España brilló con lo mejor de cine en el Festival de Cannes, con tres películas en la competencia por la Palma de Oro. Este jueves se proyectó la tercera y última cinta española, que trajo a Cannes el recuerdo y obra del gran poeta Federico García Lorca. La película La bola negra toma su título de la obra de teatro inconclusa de Federico García Lorca, de la que solo se conservaron cuatro páginas manuscritas. A partir de ese fragmento, Javier Ambrossi y Javier Calvo construyen su propia versión para completar este relato sobre la homosexualidad silenciada. El resultado es una cinta coral que entrelaza las historias de tres hombres en tres momentos distintos. En la pieza de García Lorca, se decide con una bola blanca o negra, si un club selecto acepta a un nuevo miembro, basado en su reputación. Ambrossi explica que había dos temas fundamentales que querían abordar con esta película. El primero es la incomunicación como raíz de la violencia: “Si no somos capaces de hablar o ponernos de acuerdo entre nuestras familias sobre nuestros problemas, pues eso es justo lo que nos va a llevar a la violencia”. El segundo eje es la importancia de los objetos como obras de arte y su capacidad para perdurar: “El arte es lo que se puede heredar. Las emociones mueren con nosotros, pero el arte, una obra de teatro, un disco, una película, sí que puede heredarse”. Interrogados sobre si se sienten herederos de una historia marcada por la represión y la incomunicación, Javier Calvo reconoce el peso generacional: “Hombre, evidentemente ahí hay un dolor heredado, hay una vergüenza heredada, hay algo que sigue transmitiéndose de generación en generación y que es difícil que se vaya. Poco a poco esa bola negra cada vez es más pequeña, pero la tenemos dentro. Quiero creer que películas como ésta hace que eso se vaya yendo de nosotros. La bola negra que nos señala y que nos dice: ‘Tú no puedes entrar aquí, tú no mereces vivir’”. La relación de Los Javis con Lorca es también personal y artística. Ambrossi recuerda sus inicios: “Pues en mi caso yo quería ser actor. Entonces empecé a estudiar en una escuela de interpretación que se llamaba La Barraca, que todo lo que hacíamos en la escuela, todo eran textos de Lorca. Empecé a encontrar que no solamente era un poeta increíble, sino que también era un hombre gay. Y de repente eso me pareció impresionante. Que una de las grandes estrellas de la literatura de nuestro país conectara conmigo de esa manera”. Calvo, por su parte, cuenta que su vínculo con el autor se intensificó durante la preparación de la película: “Lo estudié también en la escuela de interpretación, pero fue cuando empecé a investigar esta película que me obsesioné con todo su trabajo, con el teatro completo, la poesía completa. Creo que hay ya obras que me sé de memoria. Me he obsesionado porque es el autor que más me sorprende. Realmente, con cada relectura hay algo que no puedo explicar. Cómo puede hacerlo tan sorprendente, tan emocionante, tan inmenso. Hay cada sucesión de palabras unidas de una manera que tienen un sentido que nunca creerías que tendría. Para mí, eso es la poesía. Es muy sorprendente su obra”. La bola negra, dirigida por Javier Ambrossi y Javier Calvo, conocidos como Los Javis, es una de las candidatas a la Palma de Oro del Festival de Cine de Cannes 2026.

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  3. May 22

    "Siempre soy tu animal materno" de Valentina Maurel: miradas cruzadas en Cannes

    En la sección “Una cierta mirada” del Festival de Cannes, la cineasta costarricense Valentina Maurel presentó su segundo largometraje titulado Siempre soy tu animal materno.   Después de haber estudiado en Bélgica, Elsa vuelve a Costa Rica para ver a su hermana Amalia, hundida en el ocio y el esoterismo, y a su madre, autora de poemas eróticos aferrada a su juventud. Todo en sus modos de vida irrita a Elsa y a su raciocinio europeo. En su segundo largometraje, Siempre soy tu animal materno, la cineasta costarricense Valentina Maurel pone en escena el desfase cultural de quienes regresan a su país de origen después de haber vivido en Europa. Esa distancia atraviesa a la protagonista, pero también a la propia directora. Maurel explica que le interesaba trabajar “con esa perspectiva del europeo que mira el trópico y América Central como desde otro lugar. Y también lo vivo con un cierto nivel de culpa”. En la película, ese choque se encarna en las dos hermanas: la mayor, que volvió con otra forma de ver el mundo, y la menor, que escoge un camino opuesto. “Hay un personaje de hermana en esta película que es como la que decide tomar un camino muy distinto de la mayor. No estudia y, viniendo de una familia artística atea, decide creer en Dios y abrazar un cierto esoterismo como un poco folclórico de América Latina, y la hermana mayor lo ve con un cierto nivel de condescendencia. Yo creo que esa era mi forma de criticar un poquito ese desfase, ese lugar en el que se sitúa de pronto el latinoamericano que se fue a Europa y que ve su latinoamericanidad como una inferioridad”. Daniela Marín y Ángel Villegas interpretan a Elsa y Amalia, dos hermanas diametralmente opuestas que chocan como hielo y fuego. Marín describe a Elsa como alguien que parece fría, pero que en realidad está desbordada por el regreso: “Es una frialdad, pero no de ella, sino también como del lugar que la recibe. Sentía abrazada al personaje. Verdaderamente Valentina siempre tiene esta frase que es ‘No juzgues a tu personaje porque si no, entonces nadie lo salva’. Yo decía: claro, es que está pasando por tantas cosas, es como que todo se le viene encima y nada es igual. Y ella quiere intentar agarrar un poco los hilos de la familia, intentar salvar a estas personas. Pero en realidad ella ya no calza tampoco en ningún lado, también está perdida”. Ángel Villegas se reconoce en la transición de Amalia a la adultez: “Sí me identifiqué mucho, además, porque de ahí comparto misma edad que Amalia, cumplir 19 años y confrontar la vida adulta cuando se sigue sintiendo como en esta prisión de una niña de 15 años. Sigue siendo rebelde”. A medida que avanza la película, también se revela la profundidad de la madre, una mujer que ha abandonado su carrera artística e intenta darle un nuevo soplo ahora que sus hijas son adultas. El título nace de un verso escrito por la propia madre de la directora: “Siempre soy un animal materno. Es el verso de un poema de mi mamá que es poeta”, explica Maurel. La escritura del filme se cruzó con su propia experiencia de maternidad: “Mientras estaba escribiéndola me volví mamá. Yo tuve una bebé y de pronto ahí entré como un poco en pánico con el tema de la maternidad y creo que todas mis dudas sobre si iba a poder hacer la película o si iba a poder seguir siendo directora, porque estando en la vulnerabilidad en la que te pone ser mamá, contaminaron un poco la escritura”. Siempre soy tu animal materno, de Valentina Maurel, fue presentada en la sección Una cierta mirada del Festival de Cine de Cannes.

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  4. May 19

    "Viva" de Aina Clotet en Cannes: sed de vida en pantalla grande

    En el Festival de Cannes, la actriz y directora catalana Aina Clotet presentó su primer largometraje, Viva, seleccionado en la Semana de la Crítica. Una divertida comedia sobre una mujer sedienta de libertad. Algunos lo llaman “crisis de la mediana edad”, pero para la directora catalana Aina Clotet, su ópera prima “Viva” es, ante todo, una historia de deseo, pasión y liberación. La película sigue a Nora, una mujer de 40 años que, tras superar un cáncer de seno, inicia un affaire con un joven veinte años menor.  Clotet define Viva como “una historia luminosa de liberación y de crecimiento”. En Nora ha volcado muchas de sus propias inquietudes y reflexiones: “Los temas que trata esta película son temas que a mí me mueven, que yo he pensado mucho, a los que les he dedicado tiempo de mi vida, intentando entender la impermanencia, explorarla, enfrentarme a mis propios miedos”, explica.  En la ficción, Nora atraviesa noches de insomnio y días abrasadores. Angustiada por la idea de su propia muerte y del envejecimiento, pasa un verano canicular en el que está continuamente sedienta. Sedienta de agua, pero sobre todo de nuevas experiencias, de deseo y de logros profesionales.  Clotet y su equipo decidieron llevar esa realidad un paso más allá. “En el momento de concebir la cinta, en ese momento en Cataluña estábamos viviendo una sequía extrema y nos pareció interesante subir el volumen a la propia realidad”, cuenta. El resultado es un marco casi distópico, donde el calor agobiante y la falta de agua dialogan con la agitación interior de Nora. “Nos parecía interesante una mujer que está en búsqueda de equilibrio en un contexto donde hace tantísimo calor, que busca el agua, la sed de vida. Nora tiene muchas ganas de sentirse viva porque ha sentido muy cerca la muerte”, añade la directora. Para hablar de la muerte, Clotet buscó un tono que combinara humor, emoción y ligereza. “Lo que me emociona más es que está llegando mucho el tono del humor, que la gente se ríe muchísimo y a la vez se emociona, y transita bien por los tonos de la película, que es una mezcla de tonos”, explica. “Quería que terminaras con una sensación de calor, de amor y de ganas de vivir, con cierta alegría interna, y que te quedaras con ganas de charlar sobre la película”. Viva funciona como un memento mori: nos pone frente a la mortalidad humana, pero lo hace con delicadeza y consuelo.  Esta cinta reconfortante, hablada principalmente en catalán, pero también en español, en inglés y en francés, se proyectó en la Semana de la Crítica, sección paralela del Festival de Cannes.

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  5. May 18

    "El ser querido" de Rodrigo Sorogoyen en Cannes: radiografía de un tóxico

    España hizo historia este año al lograr colocar tres películas en la competencia del Festival de Cannes. Una de ellas es El ser querido, de Rodrigo Sorogoyen, protagonizada por el actor Javier Bardem. Un reconocido director de cine intenta renovar con su hija actriz a la que no ha visto desde hace años, ofreciéndole un rol importante en su próxima película. Durante el rodaje sale a flote el resentimiento acumulado ante un hombre que nunca ha considerado como su padre. Rodrigo Sorogoyen escribió y dirigió esta historia. El ser querido, protagonizada por un impecable Javier Bardem en los zapatos de un director colérico y autoritario. "Es un personaje muy complejo", explica Sorogoyen a RFI. "Le hemos dado muchas vueltas a cómo mirarlo, a intentar juzgarlo. Evidentemente ha hecho cosas de las que se arrepiente, pero que ha querido olvidarlas para que no le den más dolor. Pero a la vez es una persona muy magnética, muy seductora, muy atractiva, un gran realizador, un gran director de cine, un tipo tocado con una varita mágica del talento. Ha hecho mucho daño, ha sido muy tóxico". Su hija Emilia lo vuelve a ser después de 13 años. Le parece que ha cambiado. "La película también habla de cuánto somos capaces de cambiar. ¿Realmente estamos cambiando? Hemos cambiado o estamos escondiendo ese monstruo que siempre está ahí. Que siempre va a estar". El ser querido explora el peso de la ausencia, pero también la masculinidad tóxica de una generación. "Es una figura que está muy de moda. La cinta intenta señalarla e intenta que se mitigue lo más posible. También está de moda porque cada vez hay otro sector de la sociedad que parece que la está reivindicando más y que la abandera sin llamarla tóxica, evidentemente", asegura el cineasta español. "Creo que es un tema bastante de bastante actualidad. No sé si quiero poner el foco en la masculinidad tóxica, pero sí en cómo los tiempos han cambiado, y en cómo los mayores se tienen que adecuar. A veces hay un cortocircuito. A veces hay una frustración por su parte por no entenderlo y cómo las nuevas generaciones estamos o están casi obligadas a intentar cambiar lo que no está bien". El ser querido de Rodrigo Sorogoyen es una de las 22 películas aspirantes a la Palma de Oro en el Festival de Cannes.

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  6. May 15

    El partido más emblemático de la historia del fútbol en un documental presentado en Cannes

    En la sección de estrenos mundiales “Cannes Première” se presentó la cinta documental El partido, de los argentinos Juan Cabral y Santiago Franco, sobre el legendario partido de Maradona en México 86. Un partido de futbol que desató pasiones y polémica antes, durante y después, y que casi 40 años más tarde sigue analizándose. Se trata, por supuesto, de aquel mítico Argentina vs Inglaterra en los cuartos de final del Mundial de México 86. El Festival de Cannes recuerda ese choque con una cinta documental que explora no solo lo deportivo, sino también el contexto geopolítico que enfrentaba a estos dos países por la soberanía de las Islas Malvinas, un diferendo que también se jugó simbólicamente en el césped del Estadio Azteca. Santiago Franco es el codirector de esta película titulada “El partido”. Para él, este encuentro forma parte del ADN argentino: “Es un evento que, para nosotros los argentinos, es parte de nuestra cultura. Revisitar esas imágenes, que fueron vistas y procesadas tantas veces, era todo un desafío”, explica. Su llegada al proyecto se dio de la mano de Juan Cabral, el otro codirector: “Cuando Juan me invita al proyecto, al principio me regala el libro en el cual se basa la película. Nos juntamos de nuevo y dijimos: esto es fascinante. El libro es casi una especie de análisis forense de lo que ocurre alrededor del partido. Toca un poco el tema de la guerra, cuatro años antes. Nosotros expandimos eso y le damos un contexto mucho más claro de qué es lo que hace que un evento deportivo trascienda lo futbolístico y lo deportivo en sí mismo y se vuelva un evento de referencia del cual se sigue hablando 40 años después. Esa fue un poco la búsqueda que hicimos”. “El partido” retrocede 260 años en la historia para explicar el conflicto por las Islas Malvinas. Pero no se queda en los archivos ni en las batallas diplomáticas: la cinta recoge también los testimonios de algunos de los futbolistas argentinos e ingleses que se enfrentaron en 1986: Jorge Valdano, Gary Lineker, James Barnes, Julio Olarticoechea, entre otros. Todos revisitan los dos goles de Diego Maradona: el primero, con la famosa “mano de Dios”, y el segundo, considerado por muchos el más bonito de la historia. Lo hacen en un ejercicio casi filosófico sobre el fútbol y la vida. Juan Cabral, codirector del documental, cuenta: "Es un personaje Bilardo, que tiene su punto de vista; está Robson, está Gildo con el suyo, está Maradona, que lo dice: ‘Si el otro no se da cuenta, el gol vale’, opina él. Es un punto de vista que para algunos puede ser políticamente incorrecto, pero es un punto de vista. Y está también el que dice: ‘Che, fue mano, ¿cómo no lo van a cobrar?’”. Para Cabral, en esa tensión se revela la verdadera riqueza del juego: “La belleza del juego, la belleza de estar vivo, es poder solucionar esos conflictos menores o mayores desde un lugar humano, poético. La película ofrece una luz sobre todas esas pequeñas cosas, porque en el fondo es lo que nos hace coexistir, poder entendernos, poder reírnos. Todo eso está condensado en ese partido único”. “El partido”, de Juan Cabral y Santiago Franco, se presentó en estreno mundial en el Festival de Cannes.

    3 min
  7. May 15

    "Ceniza en la boca" de Diego Luna: migrar, maternar y empezar de nuevo en España

    En las proyecciones especiales del Festival de Cannes se proyectó la última cinta del mexicano Diego Luna. Una historia de migración y de maternidad que invita a reflexionar sobre la hospitalidad y el exilio. Ceniza en la boca sigue los sueños, las desilusiones y la dureza del desarraigo que vive Lucila, una joven mexicana que trabaja como niñera y repartidora en España. Ella y su hermano emigraron para reunirse con su madre, Isabel, a quien no veían desde que eran pequeños. Sin embargo, al llegar a Europa descubren que, a los ojos de muchos, el pasado de una persona migrante es casi invisible. Con esta película, Diego Luna busca precisamente tender un puente entre esos dos mundos: el de quienes migran y el de quienes los reciben. “El gran problema, creo yo, es la ignorancia. Si tú supieras realmente qué está detrás del que deja todo… Cuando dejas todo es porque no tienes de otra”, explica a RFI, señalando que España se ha convertido en una especie de “puerto seguro” por la creciente violencia que viven los migrantes en Norteamérica. “Después te vas dando cuenta de que hay muchas otras capas en el análisis que hay que hacer. La película te confronta, porque si lo piensas, todos recibimos a alguien. No hay comunidad que no esté viviendo esta complejidad de tener que recibir, abrirse y mostrar quiénes somos; en ese recibir terminamos mostrando quiénes somos”, afirma. Una vez instalada en España, la realidad se vuelve demoledora para Lucila. Anna Díaz interpreta a esta hermana mayor obligada a asumir responsabilidades de madre sustituta. “Es una mujer resiliente, con muchas ganas de vivir, pero a la que no se le permite experimentar todo lo que debería. No hay muchos proyectos donde te regalan mujeres complejas, que puedan atravesar por muchas situaciones y salir adelante. Es un regalazo interpretar a Lucila”, señala la actriz. En el papel de Isabel, la madre que encarna la figura del abandono y la culpa, está Adriana Paz, primera actriz mexicana en haber sido galardonada con una Palma en Cannes en 2024. Para ella, el personaje toca una herida profunda y universal. “Para mí era muy importante hablar de eso, porque creo que es muy difícil ser madre y no cometer errores. Yo migré a España cuando tenía 23 años y conocí mujeres que estaban en el lugar de Isabel, viniendo a buscar mejores oportunidades a Europa, que querían traerse a sus hijos inmediatamente y no pudieron porque tampoco se les ha permitido. Igual que a Lucila no se le ha permitido ser, y está cansada”, explica. Ceniza en la boca, dirigida por Diego Luna, fue presentada en las proyecciones especiales del Festival de Cannes.

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  8. May 15

    "El deshielo" de Manuela Martelli: amor y pérdida en el corazón de los Andes chilenos

    La sección "Una cierta mirada" del Festival de Cannes proyectó este jueves una historia contada desde los Andes chilenos. El deshielo es el segundo largometraje de Manuela Martelli. La historia tiene lugar en 1992 y se narra a través de los ojos de Inés, una niña de nueve años que entabla amistad con Ana, una prometedora esquiadora alemana. Cuando Ana desaparece misteriosamente, la investigación revela secretos familiares y emociones congeladas. En esta película, presentada en el Festival de Cannes, Martelli establece un paralelismo entre la desaparición de Ana y la de miles de chilenos durante la dictadura, pero, sobre todo, muestra un Chile glacial que ha sido poco explorado en el cine de su país. “El hielo, la nieve de alguna manera resuenan con el silencio de una época que quedó un poco suspendida. Quedó un poco congelada por los acuerdos que se hicieron para poder recuperar la democracia. Hubo muchas concesiones que implicaron silencio y amnistía: no juzgar a los responsables de la dictadura y la sensación que era un poco estar caminando sobre estos cuerpos que no sabíamos dónde están, no sabemos todavía dónde están”, dice Martelli a RFI. Con El deshielo, Manuela Martelli prosigue su exploración de la historia de Chile, comenzada con su ópera prima, pero esta vez en el período de la transición a la democracia, cuando el país buscaba renovar su imagen internacional. “Algo que el mismo Chile quiso demostrar en Europa el año 92, el año de la Expo Sevilla y el año en que Chile decidió llevar un iceberg al pabellón, como una manera también de mostrar que era un país frío y lo que se asocia a un país frío. La idea de la modernidad, de desarrollo está asociada con el frío, como en oposición a esta cosa tropical de los países subdesarrollados. Quise jugar con los estereotipos y romper con eso. Pero de alguna manera también mostrar la otra cara de Chile, que se abría al mundo y quería mostrar que era un país en vías de desarrollo y, por otro lado, que había muchos asuntos pendientes”, añade Martelli. El deshielo, de la chilena Manuela Martelli, se proyectó en la sección oficial Un certain regard del Festival de Cine de Cannes.

    3 min

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